La Fase Aristocrática del Expresionismo Alemán, Der Blaue Reiter

Almanaque de " Der Blaue Reiter "

Segunda fase del Expresionismo alemán

 "Der Blaue Reiter" o "El jinete azul", fue la segunda fase del Expresionismo alemán, tras "el Puente" (Die Brüke). "El Puente" se formó en Dresde por autores como Erich Heckel, Kirchner y Schmidt, para posteriormente unírseles Pechstein, Mueller y Nolde. En 1913 el grupo se deshizo tras ocho años juntos. 

Cartel para una exposición de Die Brüke ( El puente) obra de Kirchner

Primera fase del Expresionismo alemán

 Pero de lo que nos apetece ocuparnos hoy es de la segunda fase del expresionismo, de esa que es llamada "aristocrática" (1). Un grupo de autores, se unieron en Munich que hacia 1900 era una de las más importantes ciudades de Europa, aunque muy conservadora.  A través de dos revistas, Jugend y Simplicissimus trataron de crear  un ámbito de reflexión que fuese abierto, tanto moral como políticamente.

Alexei von Jawlensky: joven chica con sombrero de flores, 

Vivieron el tiempo en el que la fotografía había sido descubierta y que ya no tenía sentido pintar la realidad; el psicoanálisis y la psicología se estaban desarrollando; este movimiento seguía determinadas pautas: las relaciones entre la pintura y la música, el color y el sonidos fueron la base para realizar el texto programático de Kandinsky "De lo Espiritual en el Arte" (1910-1912).

Vassily Kandinsky: Lírico, 1911

Unió a personalidades heterogéneas : al ya citado Kandinsky se le unieron Marc, Macke y Klee. El nombre fue escogido entre Kandinsky y Marc: al primero le gustaba el azul, al segundo los jinetes.

Franz Marc: Zorro azul, 1911

Las críticas fueron muy duras. No podían exponer a través de los canales formales. Fueron censurados. Pero bajo la llamada " Nueva Asociación de Artistas de Munich" llevaron a cabo dos exposiciones invitando a otros autores fuera de sus filas y en las que de nuevo fueron vilipendiados y criticados .

August Macke

Paul Cassirer, luego Wilhelm Worringer y Herwarth Walden concibieron el concepto de expresionismo entendiéndolo como el cambio del arte, distinto al Impresionismo y a la obra de los postimpresionistas : Van Gogh , Cezanne o Gauguin. Los expresionistas creaban la expresión desde "dentro". Eran además alemanes, aunque Alemania los minusvalorara. Volvía a resurgir el " Sturm und Drang" (tempestad y empuje) romántico.

Carl Blechen: paisaje en Gebirgsschlucht ( 1825)

Vía 

La segunda fase del grupo tendría lugar en Berlín exponiendo en la galería "Sturm" de Herwarth Walden, encontrando de nuevo la incomprensión de la prensa y del público. Fueron atacados y la pintura de Kandinsky fue adjetivada de idiotismo (2)

Kandinsky: Paisaje con chimenea de una fábrica, 1910

Se dice que es absurdo pretender saber quién fue el primer pintor que rompió con la figuración creando el lenguaje abstracto: siempre estudiamos que había sido Kandinsky pero también habría que citar a Kupka, Hölzel, Ciurlionis, Delaunay,Lariónov...A ellos habría que añadir a Hilma af Klint y sus amigas de creación que cronológicamente estarían realizando su obra antes que Kandinsky utilizando el esoterismo de madame Blavastky como base teórica para crear .

Frantisek Kupka

Robert Delaunay: Contraste simultáneo, sol y luna, 1914

Hilma af Klint

Lo que sí es cierto es que Kandisnky fue el líder de este grupo alemán: ( El jinete azul). Se trataba de buscar el arte puro que ya no tendría dentro de sí la semilla del amor, del placer...de determinadas emociones. Eso no tenía importancia. Era un arte de pintores reflexivos para el hombre del siglo XX.(3)

Kandinsky: Composición VI, 1913

Jawlensky, su esposa y pintora la baronesa Marianne von Verefkin, Gabriele Münter ( artista que donó la la mayor colección del mundo sobre la historia del Jinete Azul), Erbslöh, Kanoldt, Kubin, Fauconnier, Hofer, junto con el compositor Schönberg, que pintaba ocasionalmente, formaron parte de este grupo . 

Alexej Jawlensky: Retrato del bailarín Sacharoff, 1909

Marianne von Werefkin: autorretrato, c.1910

En los círculos académicos era conocida como " la Rembrandt rusa"(4) 

Sin embargo, murió en la pobreza en 1938

                                    Gabrielle Münter: " Jawlensky y Werfkin" ( 1908-1989)

Fue alumna de Kandinsky, una artista naïf que pintaba paisajes y naturalezas muertas de brillantes colores. 

Arnold Schönberg: La mirada roja, 1910 

Sin embargo, las diferencias entre todos ellos hizo que fuese imposible que siguiesen juntos mucho más tiempo. Un par de creadores entendieron que no podían seguir a Kandinsky, así que él y Marc sacaron un almanaque para explicar al público lo que pretendían. Se publicó en 1912, año entendido como el momento del nacimiento de este conglomerado de personalidades.

 

Pero la I Guerra Mundial, destrozó lo creado: Macke y Marc, movilizados, murieron en ella. 

August Macke

Franz Marc: Tigre,1912

Con respecto a Kandinsky fascinado por la música pronto se dio cuenta de que podía expresar los sonidos a través del color y la forma. Dio entrada en su obra al arte popular ruso, al simbolismo y el art nouveau. Comenzó a crear obras teniendo como fondo a Murnau, un pueblo en el que vivía con Gabriele Münter para posteriormente suprimir paisajes y figuras. Estudió los efectos psicológicos del color para llegar al alma del espectador.

Kandinsky: Murnau, 1909

Kandinsky: gris, 1919

Kandinsky: Circulos en círculo, 1923

Kandinsky: Acciones varias, 1941

" El color es la tecla. El ojo es el macillo.El alma es el piano, con muchas cuerdas"

Creó tablas en las que relacionaba colores y sentimientos creando un vocabulario totalmente nuevo al hablar sobre arte. A partir de 1933 cuando Kandinsky emigra a París sus formas aparecieron, ya no geométricas como sus primeras composiciones, sino biomórficas recordando a Miró. 

Franz Marc: En la lluvia, 1912

Franz Marc: El mandril . 1913

Franz Marc: Formas luchando, 1914

Esta fue su última fase antes de morir y estaba convencido de la fealdad de la Naturaleza dejando de lado la representación de los animales

Sobre Franz Marc diremos que es el pintor de los animales de colores y que los nazis tuvieron que retirar de la exposición "arte degenerado" porque su obra dejaba noqueada a masas de " arios admirados" . Su noción de la pintura era crear, a través de ella, un mundo mejor y más puro que veía en la pintura de animales. Pensó que la I Guerra Mundial, era un infierno inevitable que debía tener lugar antes de entrar en el mundo mejor que él soñaba. Murió en ella, como dijimos, en 1916. 

Franz Macke: La tormenta, 1911

Franz Macke: Casa roja en el Parque, 1914

Otro autor será August Macke, murió también en batalla en Francia en 1914. Creó paisajes con figuras .

Alexej Jawlensky

Alexej Jawlensky

El trabajo de Jawlensky estuvo centrado en el rostro humano utilizando colores intensos y con un importante trabajo de la línea. Por último citaremos a Paul Klee del que haremos una entrada específica de su trabajo. 

Paul Klee

Todas las imágenes han sido extraída en su mayoría de Wikimedia Commons. 

En cuanto a la obra de referencia se han utilizado los siguientes libros: 

- (2,3  Düchting, Hajo: " El Jinete azul". Taschen, 2009

- (4)Wolf, Norbert: Expresionismo. Taschen , 2008

-VV. AA: " Arte del siglo XX". Taschen, 2001

- Lynton, Norbert: " Historia del Arte Moderno". E. Destino, 

 

El Fotografo de Moda Nick Knight

Diseño de Philip Treacy

 Es uno de los fotógrafos más influyentes y originales de la actualidad. Ha creado un canal de  Internet (SHOWstudio.com) para expandir y dar a conocer la moda y el arte de hoy en día.

Nacido en Londres en 1958 sus obras se encuentran en el Victoria & Albert o la Saatchi Gallery. Ha trabajado y creado editoriales para revistas así como publicidad para los grandes de la moda. Al mismo tiempo ha diseñado también portadas de discos de muchos de los iconos musicales como David Bowie, Paul Weller o la contemporánea Björk.

Naomi Campbell

Björk

Actualmente, la Fundación Barrié de A Coruña, Galicia, España expone una muestra de su creativo y especial trabajo. Se convierte así en la primera exposición monográfica de este autor en España, en concreto de sus rosas, que trabaja con un software de IA para ampliar y filtrar las fotografías. 

Especial

Vía La opinión A Coruña

Vía 

Los Retratos de Lotte Laserstein

 En el Restaurante, 1927

Es una de sus obras más conocidas

Otra mujer no conocida por el gran público. Su obra se encuadra en la  Nueva Objetividad  ( Neue Sachlichkeit) así llamada por el director del Kunsthalle de Mannheim, Gustav Hartlaub. Esa objetividad será la llamada "retorno al orden". Esta recupera la realidad tras las experiencias de las primeras vanguardias que serán encuadradas en el llamado "arte degenerado" (1) por el nazismo lo que conllevará que desaparezcan quemadas o simplemente se pierdan. 

En esa Nueva Objetividad y la vuelta al realismo que llenarán sus cuadros de retratos, nuestra autora se alineará estéticamente con la obra de Christian Schad, Otto Dix o George Grosz. 

Realizó fundamentalmente retratos de personas que vivieron, políticamente,  la débil República de Weimar. Las pintó envueltas en la intimidad de sus  espacios, con una cierta tristeza y en el caso  de las mujeres, en los años 20 y 30  no deja de mostrarlas cosmopolitas, fuertes, siendo ellas mismas.

Tarde sobre Potsdam, 1930

Esta es otra de sus obras más conocidas de nuevo, ella se encuentra rodeada

de sus amigos

Lotte, nacida en el seno de una familia judía en Alemania en 1898, tuvo que a partir de 1933, exilarse a Suecia en donde seguiría pintando. Mientras, su madre moriría en 1943, en el campo de concentración de Ravensbruck, hecho que incidió en su ánimo y también en su pintura. 

Este es el Stolpersteine de la madre de Lotte.

Denominamos Stolpersteine ( literalmente en alemán, una piedra en el camino que puede hacerte tropezar)  a un proyecto del artista alemán Gunter Demnig. Consiste en la realización de un  pequeño bloque de cemento de forma cúbica cubierto por una lámina de latón en  el que figuran los datos de cada victima del Holocausto ( nombre, nacimiento, datos de la deportación y fecha del fallecimiento o de la liberación).Se hace en su homenaje, en los que encontraron la muerte en los campos de concentración y trabajo entre 1933 y 1945.Se suelen colocar, previo permiso del ayuntamiento, en la acera, delante de la casa donde nació o vivió la víctima . Si no se supiera podría  ser ubicado en un sitio público de la localidad. Hay Stolpersteine de prisioneros republicanos españoles que corrieron la misma suerte (1) Actualmente hay 60 mil adoquines en 1.800 ciudades europeas  

El Moderna Museet de Estocolmo realizó una de sus primeras retrospectivas (noviembre de 2023-abril de 2024)  que llevó por título "Una vida dividida", aludiendo a los momentos en los que estuvo en Alemania y, posteriormente, en Suecia para salvar la vida. Viviendo allí fue olvidada dado el auge de la abstracción. Murió en 1993, aún siendo recuperada su figura en los años 70'. 

Autorretrato 

Foto de ella realizada por Wanda von Debschitz Kunowski

Fotos extraídas de varias páginas web para dar a conocer su trabajo: 

- https://awarewomenartists.com/en/artiste/lotte-laserstein/

1- https://memoriahistorica.org.es/trianguloazul/proyectos/stolpersteine/

La Violación de Europa

Martin de Vos, creador manierista ( Ámberes, 1532-1603) 

 Realizado en  1590

Esta es la primera entrada que vamos a realizar teniendo a la mitología en mente para ver cómo a lo largo del tiempo se han ido plasmando en la Historia del Arte y en el ámbito pictórico, todos los mitos y leyendas. No lo hice a propósito al principio, pero esta primera entrada quiero que se refiera a la violación de Europa. Y digo violación porque en español se dice una y otra vez rapto en multitud de lienzos y ya no sólo referido a la escena que nos ocupa, si no a muchas otras, cuando en inglés se utiliza la palabra "rape" que significa tener relaciones sexuales violentas y no consentidas. En otros cuadros se refiere al "secuestro de Europa". 

Mosaico romano antiguo encontrado en una villa que se encuentra entre Pompeya y Herculano

Anónimo siglo XV

Si seguimos a Agustí Bartrá en su diccionario de Mitología dice sobre Europa: 

" Europa ( princesa fenicia de Tiro raptada por Zeus)  fue hija de Agenor y Telefasa. Zeus vio a Europa cuando ésta se encontraba jugando con otras doncellas en la playa de Sidón o de Tiro, y se enamoró de ella. Para acercarse a la doncella, Zeus se transformó en un toro de resplandeciente blancura y cuernos, cortos, lisos y del color de la perla. De esta guisa se mezcla Zeus con la vacada y marcha mugiendo a lo largo de los pastos hasta que se detiene cerca de Europa.

Paolo Veronese ( Verona, 1528-Venecia, 1588): El Secuestro de Europa, 1580

Veronese junto a Tiziano y Tintoretto son los tres grandes pintores venecianos del siglo XVI

 Vía 

 

 Rembrandt( Leiden 1606-Amsterdam 1669): El secuestro de Europa, 1632

Vía

Rembrandt, detalle

 " Al contemplar a un toro tan bello - nos dice Ovidio- la hija de Agenor no osa al principio tocarlo, pero luego le cubre con flores los cuernos. El fuego amoroso de Zeus se contenta de momento con lamerle las manos: más tarde goza con la caricia de la mano femenina. Ella , confiada, se sienta sobre el lomo del bruto, el cual avanza lentamente por la orilla...

Erasmus Quellinus: " La Violación de Europa". 1636-38

 Vía 

Simon Vouet ( Paris 1590-1649): " La Violación de Europa". 1640

Vía

De pronto, se lanza al agua, Europa tiembla, grita, llora, se agarra a los cuernos. Así unidos desaparecen empujados por todos lo vientos...". El toro Zeus y Europa llegaron a Creta, donde se unieron bajo unos plátanos que, en memoria de aquellos amores , tuvieron el privilegio de no perder sus hojas. 

Jacob Jordaens ( Ámberes 1593-1678): " La Violación de Europa" 1615-1616

Pintor flamenco de época barroca

En este cuadro, la escena es totalmente distinta a la posterior , evoca a la Naturaleza y trabaja muy bien los cuerpos femeninos

Jacob Jordaens: En 1643, la violación de Europa la convierte en una escena pastoral 

Vía

Rubens: El Rapto de Europa, boceto

Rubens: " La Violación de Europa" 1628-1629

Esta obra se  encuentra en el Museo del Prado y es una copia exacta del mismo cuadro que realizó  Tiziano en 1562 al que le fue encargado por Felipe II entre 1553 y 1562. Estando Rubens en España Pacheco cuenta que copió todas las obras de Tiziano  de la colección real española, una de las mejores en número y por temática. Copiando a Tiziano utilizó el color y las composiciones , en diagonal, de una manera diferente dando una factura más suelta

 Vía 

Europa dio tres hijos a Zeus: Minos, Sarpedón y Radamante. Zeus hizo tres regalos a Europa: Talos, el robot de bronce, un perro y una jabalina que siempre daba en el blanco. Luego la casó con Asterión , rey de Creta, quien adoptó a los hijos de Zeus. El toro blanco fue convertido en una constelación y colocado entre los signos del Zodíaco". 

François Boucher ( París 1703-1770): " La Violación de Europa" 1747

Representante del Rococó. Elegante al momento de plasmar la alegría de vivir con cierta carga erótica. Colores dorados e imagen cargada de luz diáfana. 

 Vía 

Jean Baptiste Marie Pierre( París, 1714-1789)  " El Secuestro de Europa". 1750

Sucede a Boucher como pintor del rey 

 Vía 

Goya : La Violación de Europa, 1772

Por primera vez, el toro es negro y no blanco. 

Paleta corta en color pero especial en la expresividad

 Vía 

Moreau: " Europa y el Toro" , 1869

Toda la obra gráfica de esta entrada tiene al pie de la misma de dónde procede. 

En cuanto al texto es la entrada que podéis encontrar en el libro : 

- Bartrá, Agustí: "Diccionario de Mitología". Edit Grijalbo, Barcelona, 1985

- Varios: " 1000 obras maestras de la pintura europea del siglo XIII al XIX". Konemann, Barcelona 2000.