domingo, 10 de enero de 2021

Lo Híbrido en la obra de Tsuguharu Foujita

 

A Léonard Tsuguharu Foujita (Tokio, 1886- Zurich, 1968) lo occidental siempre le gustó. Su propia educación lo fue, abierta y occidental. Nacido en una familia aristocrática, al llegar a la veintena y tras haber estudiado arte y música se fue a París para ganarse la vida como pintor y conocer a los grandes  de la historia del arte contemporáneo: Modigliani, Soutine, Pascin, Léger o Picasso, formaron parte de su círculo.  Conoció a Isadora Duncan que le dio clases de danza. 




Su aspecto lo hizo ser conocido y reconocido rápidamente. Su estética era especial. Era un dandi: utilizaba unas gafas de pasta redondas;  pelo lacio negro con flequillo, pendiente en uno de los lóbulos. Fue un pintor compulsivo de gatos, los pintó en casi todas las posiciones posibles. Pero también se autorretrató, realizó pinturas de mujeres desnudas y escenas de ciudad. 


Iwata Nakayama: retrato del pintor, 1926






Y entonces pensó en amalgamar en su obra, la experiencia occidental con su herencia oriental. Se dice que sus influencias fueron las impresionistas y del simbolismo .Con un pincel fino, realizaba una pintura suave con una importantísima valoración de la línea sobre cualquier otra consideración en su pintura. Ni volumen , ni forma, tuvieron interés para él. Trabajaba con tinta china, su trazo y su línea eran esencialmente japonesas(1) Su paleta estuvo llena de tonos claros, pasteles, aplicados en capas ligeras, finas y delicadas. ( 2)   Durante la II guerra Mundial, regresó a su país pero finalmente vivió en París, se convirtió al catolicismo y se nacionalizó francés. 






Siempre vivió de su pintura. Se inscribió como copista en el Louvre y creó una pintura híbrida, como se ha comentado más arriba,  mezclando su propia visión asiática con el arte occidental que fascinó a público y crítica. (3) En su primera exposición en 1917 en París, 110 acuarelas se agotaron en poco tiempo y el propio Picasso, compró tantos lienzos como pudo cargar sin ayuda ( 4) Tuvo dinero para instalar un baño con agua caliente, un lujo que atrajo a muchas modelos a su estudio entre ellas a Kiki, la musa de Man Ray. Sin embargo, las deudas y los impuestos lo ahogaron y dilapidó su fortuna. 


Iwata Nakayama: Kiki y Foujita en París, 1926

Por esa razón, en 1931, realizó un largo viaje por América Latina, un periplo que le llevaría a recorrer Brasil, Argentina, Bolivia, Perú, Cuba, Panamá, México y el sudoeste de los Estados Unidos, y que terminaría en Japón a finales de 1933. En una entrevista que le realizaron en 1930, tras las exposiciones en Tokio y Osaka, le preguntaron si había vendido muchos cuadros en Estados Unidos, pues de regreso tuvo que arribar en Nueva York y San Francisco; el artista contestó: «Los Estados Unidos no me interesan. Ex profeso no he querido vender casi nada en ese país. En cambio, México es una tierra que me encanta, y adonde iría de buena gana. Conocí un mexicano, un gran pintor, se llama Diego Rivera» (5) 


Foujita en su estudio mexicano, 1934-36

Dibujó figuras de amerindios, compuso escenas de grupos campesinos, estudios de imágenes que el nuevo continente le ofrecía, personajes y tipos que el pintor encontraba en las ciudades y campos por los que pasaba, dibujos y acuarelas que iba vendiendo en reuniones y exposiciones por las ciudades en las que se instalaba. (6). Se convirtió además en una especie de vehículo entre un coleccionista mexicano llamado Eychenne y toda una serie de artistas europeos consiguiendo cuadros para este hombre. (7)



Llegada la II G. M.  Foujita iniciaba uno de los capítulos más polémicos de su trayectoria artística al servicio de la propaganda y el ejército japonés durante la II Guerra Mundial. Fue obligado a glorificar la guerra para recuperar el respeto de sus compatriotas y prolongó el augurio que un crítico le dedicó en los años veinte al calificarle de un hombre que «pasaba por un pintor francés a los ojos de los japoneses y por un puro japonés a los occidentales» .Tuvo que componer inmensos lienzos para el ejército imperial, ajenos a su estilo y a su comedido formato, pero fue una empresa que pudo llevar a cabo gracias a su estancia en México, a su relación con los grandes muralistas y al interés y conocimiento que mostró por la pintura mural (8)



Cuando ya contaba con 80 años pintó los frescos de la capilla de Notre-Dame-de-la-Paix, conocida como Capilla Foujita.




Un hombre muy especial 

Toda la obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda en Internet para divulgar su trabajo. Citaríamos las siguientes páginas





En cuanto a la obra de referencia y citas, y para saber más , además de las dejadas más arriba : 

-1,2,5,6,7,8:Soto Caba, Victoria y García Oria, Francisco: artículo en línea del que se ha extraído la información casi de forma literal en:  

 
- 3, 4: Artículo de El País escrito por Alberto López en: 





viernes, 1 de enero de 2021

El Apropiacionismo en la Obra de Ewa Juszkiewicz

 

 Alexander Roslin: Dama con velo ( esposa del artista) , 1768

Se denomina apropiacionismo al movimiento que usa, de forma total o parcial, obras ajenas ya existentes para crear otras nuevas. Esta idea conlleva una crítica hacia el concepto tradicional de autoría en el arte, en general. El collage, por ejemplo, es una tendencia artística que conlleva el apropiacionismo y que muchas vanguardias histórico-artísticas han usado como modelo creativo. Podríamos poner como ejemplos las obras de Max Ernst, de Duchamp o de Man Ray ...



C.W Eckersberg: Ida Mariane Brockenhuus, 1817

Sin embargo y lejos de entrar en la polémica que supone reflexionar sobre si esa apropiación es legal o no, nuestra autora, la polaca Ewa Juszkiewicz ( 1984), toma retratos de mujeres,  de todo tipo de mujeres extraídas del mundo del Arte. A veces juega con los realizados por grandes maestros. En otras ocasiones, utiliza obras hechas no por grandes nombres,  pero que son pintadas con gran veracidad y calidad respecto al original. Luego, deconstruye lo representado como una especie de broma, dice ella, pero que tiene todo su sentido. 




Joseph Wrigt: Retrato de una mujer, 1770



Joseph van Lerius: Henriette Mayer van den Bergh, 1857

Si nos basamos en una entrevista que realizó para la revista de arte contemporáneo en línea Berlinartlink, la autora reflexiona sobre la imagen femenina a lo largo del tiempo. Explica cómo durante siglos se ha creado una especie de plantilla en la representacion de la mujer que no ha dejado lugar alguno a la individualidad de ésta. Así, ropas, poses y gestos son repetidos y la autora afirma y, sin duda tiene razón, que esa plantilla constriñe y oprime la visión que de la mujer ( de una determinada mujer, de un determinado status, añadiríamos) se ha tenido desde hace siglos.  



C.H. Hodges: retrato de su hija, Emma Jane, 1815




Anton Graff: Las hijas de Johan Julius von Vieth , 1773

Su obra, afirma, significa la demolición de ese modelo, de ese canon, destruye el tema original para crear algo nuevo, más propio del neosurrealismo. Deconstruye para construir, en constraste con lo primigenio para ver y mirar más profundamente. Y nos gusta. La autora trabaja con óleo sobre lienzo. 





Toda la obra gráfica ha sido extraída de la página web de la autora únicamente para dar a conocer su trabajo. Los trabajos primarios sobre los que la autora ha trabajado han sido extraídos en su mayoría de una búsqueda en Wikimedia Commons


- Para saber más y como obra de referencia : 



viernes, 25 de diciembre de 2020

El Tapiz de Bayeux

 


El tapiz de Bayeux, está considerado como la obra textil más importante del mundo medieval. Narra hechos previos a la conquista de Inglaterra en 1066 por las tropas normandas de Guillermo el conquistador. Desde los años 1980, el original se conserva y exhibe en el Musée de la Tapisserie de Bayeux en la ciudad de Bayeux, en Normandía. El Tapiz de Bayeux ha sido presentado para su inscripción en 2007 en el Programa Unesco para la Memoria del Mundo.



Según la tradición la reina Matilde , su esposa, lo bordó personalmente, aunque lo más probable es que fuese bordado por artesanos ingleses relacionados con el scriptorium de Canterbury, siendo realizado entre 1077 y 1082.  Más que un tapiz es un bordado de ocho colores sobre tela de 70 metros de largo y medio metro de ancho con 58 escenas (1) 

El tapiz es una fuente documental sobre el modo de vida y costumbres, la arquitectura militar y civil, el arte militar, la navegación o la agricultura de la sociedad normanda e inglesa de la Edad Media. La calidad gráfica de la obra, con recursos para aumentar el dramatismo y la acción, así como la fluidez de la narración, plano a plano, la aproximan a la técnica contemporánea del cómic, por lo que algunos la califican de ser el primer cómic de la Historia aunque carezca de viñetas . En el se pueden contar 626 personajes, 202 caballos y mulas, 55 perros, 505 animales y bestias, 37 fortalezas y edificios, 41 navíos y embarcaciones. 

Y eso es lo que os dejamos un vídeo animado como si de un cómic se tratase. 


Para saber más: 






viernes, 18 de diciembre de 2020

Domenico Gnoli (II)

 

"Nunca intervengo activamente contra el objeto; exploro la magia de su presencia"
Domenico Gnoli (1) 
 




Realizamos una segunda entrada sobre Domenico Gnoli, un autor muy especial, pintor y recreador de objetos cotidianos vistos a través de un ojo inquisitivo que nada se pierde y todo lo aumenta. 







Retrato de Gnoli 

La obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda general en Internet

Sobre la cita la hemos extraído de la información que sobre una obra tiene el Museo Thyssen en red : Aquí 

viernes, 4 de diciembre de 2020

El Color en las Acuarelas de Emil Nolde

 

Nuestro autor formó parte, durante muy poco tiempo (1906-1907) del grupo expresionista alemán Die Brücke ( El Puente) . Nacido entre Alemania y Dinamarca ( Silesia, 1867-1956 Seebüll), estudió arte en Munich y París . Pero pronto se deshizo de lo aprendido para fijarse en lo primitivo y en los artistas alemanes de la época de Durero. Tenía especial admiración por el retablo de Isenheim, de Matthias Grünewald. 


En su propias composiciones, aquellas formas picudas procedentes de la querencia por la xilografía,  duras, tétricas, sin espacio ni aire tal como afirma Lynton,  se diluirían hacia el final de su carrera, para  entregarse al trabajo de la acuarela. En 1913, viajó con una expedición científica a Nueva Guinea, pasando por Rusia, China y Japón. Viajó por los mares del Sur haciendo esbozos de todo aquello que veía. Fue entonces, cuando aparecieron cielos y mares, y nubes y dunas , unos bellos paisajes, creados en papel Japón ( Whasi), plenos de color que es lo que mostramos aquí hoy, llegando hacia casi la abstracción. 




" Los alemanes debemos crear ahora (...) un gran arte alemán, un segundo período- el primero correspondió a la época de Grünewald, Holbein y Durero, una gran lucha por seguir adelante. Yo me siento parte de esta lucha, y espero la llegada del segundo gran período del arte alemán" (1) 

 Y acto seguido, se afilió al partido nazi en 1920, esperando la creación de una gran Alemania. Pero su arte se rechazó , se le prohibió pintar, se ridiculizó su gran retablo " Vida de Cristo" ( 1911-1912). Más de mil obras suyas fueron retiradas de las colecciones públicas y se mostraron algunas en la exposición "Arte Degenerado". Fueron vendidos por una miseria. En 1944, su estudio fue bombardeado ( 2) 




"Esperaba, deseaba ser amado por todos, recibir reconocimiento y condecoraciones, pero su éxito es siempre fruto de equívocos , de su cooptación por gente que espera servirse de él". (3) 


Toda la obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda general en Internet. 

Sobre la obra de referencia y citas : 

1- Lynton, Norbert:" Historia del Arte Moderno". Ediciones Destino, Barcelona, 1988

2- VV.AA: " Arte del Siglo XX". Edit. Taschen. Alemania, 2001

3- Artículo del periódico español El País sobre el autor : Aquí