Los Chapines

Chapines,  Venecia, 1600 aprox

La base de esta plataforma está labrada en filigrana de plata brillante y tachonada con alfileres de  cabeza grande. 

"Taburetes andantes", así se conocía a las mujeres que utilizaban los chapines que eran unos zapatos de plataforma que llegaban a alcanzar la altura de 70 cm y que eran realizados en madera o corcho. Posteriormente se tapizaban en piel o terciopelo. 

Chapín de madera y piel, Venecia , finales del siglo XV

Su origen se remonta a la época romana hispana y en época hispanomusulmana fue empleado para ir a los baños públicos. De esta manera, el pie permanecía aislado del calor y la humedad. Igual ocurrió en el Imperio Otomano para proteger sus pies del polvo de las calles. Algunos tenían incrustaciones de madreperla que eran utilizadas en ocasiones especiales. A veces se les llamaba onomatopéyicamente kapkap al zueco alto de madera utilizados por las mujeres del harén.  

Coturnos griegos

Realizados en corcho y con tiras de cuero eran utilizados por los actores en las tragedias

de la Grecia Clásica ( S.V a.C) para elevarlos y que sobresaliesen sobre el coro. 

Imperio Otomano, finales siglo XIX

Incrustaciones de madreperla

Kapkap, primeros años del siglo XX

Zoccolo, Italia, 1600

Este chapín (arriba) italiano llamado zoccolo se sostenía por columnas de 18 cm. de altura que dejaban la bóveda del pie en el aire, de tal forma que caminar se volvía muy difícil.

En la España del siglo XV, tantos chapines se realizaron que casi se acabó con las existencias de corcho del país. De España, pasaron a Venecia dando prestigio social y económico a quién los llevaba. Por supuesto, para que una mujer mantuviese el equilibrio sobre ellos debía de ser ayudada por dos sirvientes. 

Chapin de Solsona, cuero, corcho y plomo con decoración de motivos vegetales, 

ferreteados y gofrados en oro. Procedentes de Cardona ( el Bages) 

Vía

Luego llegaron a Francia e Inglaterra. Las mujeres y los propios chapines fueron ridiculizados ya que las llamaron "patas de vaca" y "hocicos de buey". Los maridos venecianos estaban encantados con que los utilizasen para ternerlas más controladas y las autoridades eclesiásticas  otro tanto de lo mismo ya que al limitar los movimientos se evitaba que las mujeres cayesen en tentaciones y vicios realizando "actividades pecaminosas" como el baile. (sic) ( O'Keeffe, 356)

De ahí salieron los zapatos de tacón, cuando se dieron cuenta de que si la parte delantera fuese menos gruesa se podría utilizar más fácilmente, y más tarde las plataformas. Los modistas y zapateros contemporáneos han tenido muy en cuenta la historia de los chapines y, creadores como Guo Pei  o Alexander McQueen, se han inspirado en ellos para realizar sus zapatos. 

Guo pei

Guo Pei 

Alexander McQueen

Finalmente y como curiosidades diremos que si una novia inglesa del siglo XVI mentía sobre su altura por llevar chapines , el marido tenía el derecho a pedir la anulación de la boda. Y por último, llegó un momento en el que fueron prohibidos, pues una cantidad muy alta de mujeres embarazadas se caían de ellos y sufrían abortos. Sin  embargo, la moda se extendió por toda Europa hasta el siglo XIX. 

India, Siglo XIX

Y por último, pero no por ello menos importante, comentaremos las dos fotos anteriores. Son sandalias con espiga de sujeción, de siglos de antigüedad y que tienen su origen en Oriente Próximo. En India, en donde está prohibida el uso de la piel de vaca, dadas sus creencias, las sandalias se realizan en madera, a veces revestida con plata muy trabajada, como podemos ver en estos dos anteriores ejemplos.

Toda la obra gráfica ha sido obtenida en una búsqueda general en la web. 

En cuanto a la obra de referencia, utilicé un precioso libro de la editorial Könemann, titulado "Zapatos", realizado por Linda O'Keeffe.  

El Rococó en Jean-Étienne Liotard

 Jean -Étienne Liotard: Autorretrato en traje tradicional turco, 1746

Tras el desarrollo del Barroco a lo largo del siglo XVII, le siguió por cronología el Rococó. Este estilo vive a partir de 1700. Será el reflejo de la vida de los grupos privilegiados, de la vida cortesana, de la alegría, de lo sensual plasmado a través de un colorido limpio y fresco, de una luz pura y brillante. 

Liotard : Retrato de María Adelaida de Francia vestida a la turca, 1753

Liotared: La Chocolatera, 1744-45

Es uno de sus cuadros más famosos. 

El Rococó lo inundó todo. Se realizaron muebles, porcelanas, dormitorios, paredes. Las fiestas campestres fueron un motivo pictórico. Lo erótico, lo sensual, el realismo decorativo lo definieron. Jean -Antoine Watteau fue , si cabe, uno de los más importantes autores rococó del momento ( Francia, 1684-1721).

Watteau: Retrato de mujer vestida como un arlequín, 1755-1823

Pero nosotros, queremos centrarnos en Jean-Étienne Liotard ( Ginebra, 1702-1789).

Liotard: Mujer vestida a la turca, 1750

Liotard: Mujer con su sirvienta vestidas a la turca en su Hammam, ?

Utilizó el pastel para crear pero también los esmaltes, grabados en cobre y pinturas en vidrio. En vez, de utilizar papel, Liotard utilizó como soporte para su obra pergamino y vitela. Esto permitía dar un brillo que no obtendría si utilizaba papel.  Trabajó en Italia y en París y fue uno de los grandes retratistas de la época.

Liotard: Retrato de María van Reeda Athlure a los 7 años ,1755-1756

Liotard: Retrato de Marie Tronchin,1758

Por ello fue el pintor de figuras de fuste de su época, desde el Papa hasta los miembros de distintas casas de familias reales europeas.  Su paso por Oriente le permitió dar entrada en su obra a múltiples ejemplos de lo exótico, de escenas amables y costumbristas.

Liotard: Retrato de Marianne Liotard con una muñeca, 1765

Liotard: Dama pensante en un sofá, 1749-02

Retrato de Catherine Bégon, esposa de Joseph Bouër, 1746

Liotard: Retrato de la actriz Mademoiselle Jacquet, 1748-52

Terminó pintando bodegones.

Liotard: Juego de Té, 1781-83

Liotard: Fruta con pan y cuchillo; 1782

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikiart.

Las Vírgenes Abrideras

 

Virgen abrideira, Allariz , Ourense

Procedentes de las cajas-relicario carolingias, las vírgenes abrideras o "abrideiras"( en gallego y portugués) son imágenes de la Virgen María que se abren quedando la escultura de bulto redondo abierta en tres partes como si fuese un tríptico. 

Virgen Abrideira de Triacastela, Lugo

Madera policromada

Su cronología abarca el siglo XIII, momento en el que se expanden por toda la Europa Occidental hasta la primera mitad del siglo XVI. En ese momento, con la Reforma Católica de Trento empezaron a ser criticadas, mal vistas y discutida su iconografía, teniéndola por irreverente. Muchas fueron destruidas. 

Virgen Cheyres Yvonand

Virgen cerrada de Notre Dame de Quelven

Virgen con Trinidad, Prussia Occidental 

Sin embargo, a nivel popular su culto siguió ligado al parto y a la salvación de los niños del limbo: los fallecidos en el nacimiento o antes de ser bautizados. Por esta razón siguieron siendo realizadas hasta el siglo XIX. 

Virgen de Vergara, abierta, Guipúzcoa

Hay tres tipos de vírgenes abrideiras: las que representan la Trinidad en su interior, las que representan los gozos de la virgen y las que muestran los dolores de la virgen ( la pasión de Cristo, la circuncisión, la huida a Egipto, la pérdida de Jesús en el templo, el Vía Crucis, la crucifixión, su descendimiento y el entierro). 

Virgen Abridera, Pasión de Cristo

Virgen De Évora

En marfil, madera policromada, su iconografía llegó hasta el siglo XVI y hay algunas en México. 

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons.

Si queréis saber más visitad esta página: : https://www.ucm.es/bdiconografiamedieval/virgen-abridera

y  visitasguiadas.es

El Universo de Audrey Flack

El 15 de junio de 2023, hicimos una entrada sobre la obra fotorrealista de Audrey Flack, tendencia que se une al hiperrealismo. Supimos de su fallecimiento este mes, pero falleció en junio de 2024 en Nueva York.

Os dejamos un vídeo con sus palabras y tres obras más realizadas por esta artista. 

La obra gráfica ha sido extraída de https://www.wikiart.org/es/audrey-flack

El vídeo ha sido extraído de la página de Youtube del Museo de Arte Americano de la Institución Smithsonian

Gracias a Ana que siempre nos enseña. 

El Color en Mark Rothko

 

Mark Rothko: autorretrato, 1936, expresionismo

"Vivió con el miedo de que sus obras fueran sólo algo bonito que colgar sobre el sofá". (1)

Durante y tras la II Guerra Mundial(1939-1945), los autores de vanguardia europea decidieron exilarse a los EEUU: primero, para salvar la vida y segundo, para poder seguir creando después de que los nazis llamasen Arte Degenerado, creado por mentes enfermas (sic), a las nuevas experiencias artísticas que se estaban llevando a cabo.

Mark Rothko:Interior , 1936

Mark Rothko:Metro, 1937

De esa manera, de París el centro imanador de arte desde fines del XIX tras el conflicto, se pasa a Nueva York y allí, una mujer como Peggy Guggenheim, que ayudó a tantos en su huida a esta ciudad americana, apoya al que sería el protagonista del primer ismo creado al otro lado del charco. Hablamos del Expresionismo abstracto americano y de Jackson Pollock (Estados Unidos, 1912- 1956). Fue una pintura muy gestual, de grandes formatos, tirados en el suelo, mientras que con la técnica del dripping o chorreado, se dejaba caer la pintura en el bastidor al azar. Esta sería una sumaria explicación de la obra de Pollock (Wyoming, 1912-Nueva York 1956), por ejemplo.

Mark Rothko:Sin título, 1942, Surrealismo

Mark Rothko:Remolino lento en el borde del mar, 1944 Surrealismo

Pero hoy quisieramos hablar de una tendencia dentro del Expresionismo abstracto: es el llamado Colour Field Paiting o pintura de campos de color y para ello tenemos que centrarnos en Marcus Rothkowitz también llamado Mark Rotko ( Letonia, 1903- Nueva York, 1970). Tuvo que emigrar huyendo de los pogromos cosacos contra los judíos. Una vez más os mostramos cómo pasa, a la hora de crear, por el expresionismo y por el surrealismo hasta llegar al sumun de su creación. Yo no conocía su primera etapa surrealista y orgánica, que podéis ver arriba, pero sí por lo que se hizo famoso: por esa pintura rectangular en planos o campos de colores: dos o tres rectángulos de pigmento que flotan unos encima de otros sobre un fondo de otro color. (1)

Mark Rothko:Sin título: 1948

Mark Rothko:Violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo. 1949

Sus obras serán numeradas y no tendrán título. 

Mark Rothko:Sin título: Azul, verde y marrón, 1952

Para ver bien estos cuadros hasta dio instrucciones: había que dar dos pasos en el sentido opuesto al lienzo para alinearse con el centro de la obra como si nos mirásemos en un espejo. Aconsejaba colocarse a 46 centímetros para concentrarse y así entender su trabajo. Otras condiciones serían que las obras debían colgarse a ras de suelo, como en el taller de un artista y con luz tenue que forzase un silencio sepulcral, como sucedería en el interior de un templo religioso. ( 2) 

Mark Rothko:Negro sobre Rojo profundo, 1957

La directora artística de la fundación creada por Bernard Arnault, hacedor de la Fundación Louis Vuitton de París y gran admirador de Rothko, Suzanne Pagé, afirma que "Rothko es el artista que necesita el mundo de hoy. Hay pocos que hayan profundizado tanto en las emociones humanas fundamentales, como  las llamaba él. Es decir, la tragedia, la muerte y el éxtasis". (3)

                                                                    Mark Rothko

Mark Rothko

Para terminar con esta pequeña reseña, os contaré varias curiosidades: la primera consiste en comentaros que en noviembre del postpandémico 2021,la subasta que realizó Sotheby's en Nueva York de un Rothko, llegó al récord de venta de 73 millones de euros. Fue una petición de un juez que dadas las diferencias irreconciliables entre una pareja de coleccionistas que quería separarse (el magnate inmobiliario que daba nombre a la colección, Harry  Macklowe de su mujer Linda), obligó a que el arte reunido durante cincuenta años, fuese vendido y el dinero obtenido dividido entre ambos.(4)

                                                                        

                                                                        Mark Rothko

Otra anécdota es que un niño pequeño dañó una obra suya de 50 millones de euros expuesta en 2025 en el museo Boijmans de Róterdam. El proceso de restauración es complejo porque Rothko no utilizaba barniz al finalizar sus obras lo que hace más difícil la mezcla de pigmentos, resinas y colas que usaba el artista. Otro cuadro del autor fue dañado por un joven en la Tate Modern de Londres. Éste firmó el cuadro con su nombre artístico y lo atribuyó al movimiento artístico del "amarillismo" al que decía pertenecer. Fue condenado a dos años de  prisión. (5) Ignoramos lo que le pasó al niño.

Mark Rothko: Sin título, 1968

Finalmente, citaremos la existencia de la llamada Capilla Rothko en Houston, Texas al sur de Estados Unidos que fue creado como un espacio de meditación en dónde caben todo tipo de ceremonias de todos los credos , cursos y conferencias. Es un centro ecuménico como afirma Susan J. Barnes. ( 5) 

Vía Wikipedia (6)

El material empleado es ladrillo creando una planta octogonal irregular con paredes de estuco gris o rosa. El arquitecto fue Philip Johnso aunque otros también modificaron el diseño. Actualmente, catorce pinturas de nuestro autor se exhiben en la capilla. (6) Es considerada su testamento artístico ya que se inauguró un año después de su muerte.

En cuanto a la obra gráfica ha sido extraída de Wikiart.org para mostrar su obra. 

En cuanto a las citas y obras de referencia: 

- Lynton, Norbert: Historia del Arte Moderno. Ediciones Destino, Barcelona, 1988. 

- 1,2,3, : El País

- 4. El País

-5- https://elpais.com/cultura/2025-04-30/un-nino-arana-un-cuadro-de-rothko-valorado-en-50-millones-de-euros.html

 Para saber más: 

https://elpais.com/espana/catalunya/2022-01-14/tragedia-en-rojo.html

https://elpais.com/cultura/2024-03-29/colores-con-los-que-no-sonamos.html