La Genial Modernidad de Félix Vallotton

 

Femme avec un poudrier

Quizás viendo obras de Félix Vallotton  , se nos venga a la mente algo que nos recuerde a la obra de Edward Hopper ( Nueva York, 1882-1967). Y es que así es. Éste último se vió influido por el primero. 

La Chambre rouge, 1898

Intérieur avec femme en rouge de dos, 1903

Sur la plage, 1899

La loge de théatre, 1909

Félix Vallotton ( Suiza, 1865- Francia,1925), formó parte de los Nabis , los profetas, nombre invención del poeta Henri Cazalis muy amigo de Sérusier. Ellos recogieron sobre todo, la obra de Gauguin, pero también la de Toulouse Lautrec y de Van Gogh para convertirse en adelantados a las convenciones de su tiempo inspirando a la vez, otros movimientos. 

Cinco Pintores, 1902-1903

De izquierda a derecha, de pie, el autor (Félix Vallotton), sentados, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard y Charles Cottet, y de pie Ker-Xavier Roussel

Los Padres del Artista, 1886

Retrato de Édouard Vuillard, 1893

Retrato de Baudelaire, 1901

Retrato de Emile Zola, 1902

Félix Feneon en la Revue Blanche, 1896

Retrato de Gertrude Stein, 1907

Retrato de la actriz Marthe Mellot, 1898

La obra de Paul Sérusier, " El Talismán" fue la que hizo posible la creación de este núcleo de pintores. Nuestro autor, trabajó en La Revue Blanche, revista difusora mensual de las propuestas del grupo y también el altavoz de músicos y literatos que se arremolinaron en torno a ella. 

Femme fouillant dans un placard, 1901

Gabrielle_Vallotton_agenouillée, 1905

_Portrait_de_Gabrielle_Vallotton, 1908

Pintó, escribió, y fue considerado un grande de la xilografía ( grabado en madera) que bebió directamente de la estampa japonesa tan querida por los artistas del momento. Estamos a finales del siglo XIX.  Su pintura se caracterizó por la simplicidad de las formas y la planitud de los colores; por los encuadres atrevidos y las perspectivas especiales que remiten a la fotografía y al, ya comentado, grabado japonés.

Coucher de Soleil, 1913

Le Rayon, 1909

Coucher de soleil à Grasse, 1918

Le champ fleuri, 1912

Sus años más creativos se centraron entre 1895-1912. Tocó todos los temas posibles: mitología, bodegones, el desnudo femenino, el retrato, el paisaje y los interiores. En estos últimos encontramos a los personajes en espacios íntimos y cotidianos, rodeados por un aire solitario, ensimismado a veces y casi siempre aislados.  También escribió una novela autobiográfica llamada: " La vida asesina" publicada tras su muerte, acaecida muy pronto tras una operación.  

El Rapto de Europa, 1908

Femme au châle rouge, 1920

La liseuse, 1922

Naturaleza muerta con pimientos rojos, 1905

Still Life with Pitcher, 1897

P or último diremos que su ideología fue la anarquista. Que en su obra xilográfica así como también en sus cuadros al óleo fue crítico con la sociedad burguesa del momento y su doble moral. Mostró parejas que furtivamente se encontraban en distintos espacios, alejados, desconocidos. 

Conversación privada, 1898

Que pintó a mujeres desnudas que levantaron muchas críticas en su momento. 

Las dos mujeres, 1913

Que hizo un guiño al pintor Courbet y su " Origen del Mundo " que tanto escandalizó, realizando su propio estudio del cuerpo femenino en un cuadro en el que únicamente unas nalgas llenan una composición maravillosamente realizada. 

Estudio de unas nalgas, 1889

 Fue un... Otro , hombre especial......

Félix Vallotton, 1905 

 

Toda la obra gráfica ha sido extraída en su mayor parte de Wikimedia Commons. 

En cuanto a la obra de referencia hemos utilizado los siguientes enlaces: 

Aquí

Aquí 

Aquí 

Los Paisajes Modernistas de Santiago Rusiñol

"En mis paisajes se puede hablar de todos los temas relacionados con la vida y la muerte. Ponte delante de mis cuadros y deja que te hablen" ( 1)

Santiago Rusiñol ( Barcelona, 1861- Aranjuez, 1931) fue escritor pero además pintor. Realizó muchos retratos pero muchos más paisajes. Estos que os mostramos,  pertenecen a su tercera etapa en su devenir plástico tal como afirma Isabell coll cuyas ideas recoge Valeriano Bozal (2) en su obra "Arte del siglo XX en España". 

Diremos que para ella la primera fase estaría centrada entre 1875 y 1889 y nuestro autor realizaría una pintura de corte realista; la segunda se extendería diez años , entre 1889 y 1899, en la que viajaría a París y la expresividad en su pintura tendería al modernismo y a partir de 1905, estaría centrada en su pintura de jardines, de la que nos queremos ocupar hoy. (3)

Rusiñol, junto con Casas fueron considerados los renovadores del panorama pictórico de su tiempo e introductores de la modernidad que conduciría a la vanguardia en el XX. (4)

Rusiñol tuvo de referencia para su obra a Roma. Sin embargo, viajó junto a su amigo Casas dos veces a Paris, para empaparse de la bohemia de Montmartre y formar parte de una colonia catalana de artistas (5)

En 1894 , recaló en Florencia para compiar a los maestros del Quattrocento , Gozzoli, Lorenzo Credi, Giotto, Botticelli, T. Gaddi.

A partir de 1895 viajará a Granada y en estos viajes está el origen de su pintura de jardines que no abandonará ya hasta su muerte. La composición, la simetría , la naturaleza y sobre todo el estudio de la luz , será  increíble en su obra final.  (6)

El 13 de junio de 1931, estando Rusiñol, que por entonces contaba con 70 años en Aranjuez, junto a los jardines que tanto había dibujado (una de los templetes que pintó siete veces lleva su nombre) dijo: “Traedme el cuadro y la paleta”, y a los poco minutos falleció.(7)

Detalle del bodegón que se encuentra a la derecha del cuadro superior

En cuanto a la obra gráfica ha sido extraída de varias páginas . 

En cuanto a la obra de referencia y las citas son las siguientes: 

1- https://elpais.com/ccaa/2017/03/24/catalunya/1490382296_095887.html

2- Bozal, Valeriano: Arte del siglo XX en España. Espasa Calpe. Madrid, 1995. Tomo 1. Pág. 39

3- Ibidem

4- https://www.revistadearte.com/2014/11/13/el-modernismo-de-ramon-casas-y-santiago-rusinol-en-el-museo-carmen-thyssen-malaga/

5- 6- Bozal, Valeriano: Idem, pág. 42-43

7-  https://elpais.com/ccaa/2017/03/24/catalunya/1490382296_095887.html

El Polifacético Mariano Fortuny y Madrazo

Fuente

 En una anterior entrada en la que nos ocupamos de su padre, Mariano Fortuny y Marsal, y en un artículo firmado por Mara Malibrán y Fernando López Agudín se afirmaba:

"Tanta y tan intensa fue la presencia de Mariano Fortuny Marsal en Mariano Fortuny y Madrazo que es inevitable hablar de aquel para intentar entender algo de la vida de éste"(1)

Y si el padre, Mariano Fortuny y Marsal, fue importante en el desarrollo de la pintura del siglo XIX en España,  la obra del hijo lo trasciende para convertirse en uno de los artistas españoles más importartes del siglo XX. 

 Arriba dos ejemplos de sus pinturas sobre el Ciclo Wagneriano, Parsifal

y abajo la imagen de una exposición sobre el mismo tema

Tenía tres años cuando muere su padre que fue un coleccionista de todo tipo de objetos antiguos muchos de los cuales fueron malvendidos a su muerte. Pero aún así el chiquillo creció entre antigüedades maravillosas y empapado de esa belleza, desde los nueve años pinta, y más adelante tocará todos los palos de la creación. Fue pintor como decimos, pero también grabador, fotógrafo, estampador de telas, de trajes, de lámparas, de escenografías... Habría que añadir que fue el nieto de Federico de Madrazo. Arte por los cuatro costados.

Arriba y abajo, muestras de estampación de tejidos por Fortuny y Madrazo

Maravillado por Richard Wagner, con esa edad, nueve años, va con su madre a Bayreuth para ver representadas las obras del autor. Alli se estrenó " El anillo del Nibelungo" y "Parsifal".

A Mariano Fortuny y Madrazo ( Granada, 1871- Venecia, 1949) se le ha denominado el mago o el Leonardo da Vinci del siglo XX(2) por algunos escritores y críticos.  La modernidad que plasmó en todo aquello que acometió fue máxima, fundamentalmente en la obtención de colores para estampar sedas y terciopelos. Inteligente y erudito, vivió la mayor parte de su vida en Venecia, tras pasar algún tiempo en Roma y París, rodeado de refinamiento. Hoy en día el palacio gótico en donde residió, llamado el Palazzo Pesaro degli Orfei, acoge mucha de su obra y se conoce más fácilmente por el Museo Fortuny.

Palazzo Fortuny, Venecia

Ahí es en donde se estableció,  incluído el taller de estampación de telas y de creación de vestidos a donde las mujeres acudían a comprarlos. No creó tejidos pero los compró a alto precio y seleccionó las mejores telas. Telas de India, China y Japón, pero también linos de Alemania, Irlanda y Escocia. 

Fue el momento de la llamada Belle Époque, un período que comprende la última década del siglo XIX y los principios del siglo XX. Fueron momentos de grandes cambios, a todos los niveles y en todos los ámbitos, tanto científicos como técnicos como, por supuesto, en el mundo del arte lo que supuso la eclosión de los grandes ismos de vanguardia. Este momento fue vivido frívolamente por cierta parte de la sociedad.

La Señora Condé Nast llevando el que haría mundialmente famoso

a Mariano Fortuny: el vestido Delphos, 1917

Fascinado por la luz, estudió luminotecnia, patentando en 1901 un sistema que se denominó Fortuny y que supuso la iluminación de la escena de un teatro por luz indirecta creando la "cúpula Fortuny", una cúpula en cuarto de esfera. 

Dibujos y maqueta de la cúpula Fortuny

Como diseñador hizo preciosas lámparas de metal y seda influído por la corriente orientalista que se vivió hacia finales del siglo XIX y principios del XX y que todavía hoy se comercializan hechas totalmente a mano.

Igualmente atraído por la fotografía llegó a realizar más de doce mil fotografías, conservadas, la mayor parte en su biblioteca personal. La mayoría tienen a su mujer Henriette, o a él mismo como principal motivo. 

Mariano Fortuny en su mesa de trabajo en el palacio Orfei, 1940

Pero si en algo sobresalió fue en el diseño textil creando vestidos que pasarían a los anales de la historia y que le dieron fama internacional. El más importante de ellos fue  el llamado delphos, un simple y sencillo traje largo plisado que revisita el chitón jónico y que es cerrado por cuentas de vidrio de Murano que a veces se ciñen al talle a  través de cintas de seda a modo de cinturón o el chal knossos, que fue anterior en creación al delphos, realizado en gasa de seda y adornado con motivos cretenses, pues fue inspirado en Creta y en el himation griego. El color se obtenía bañando cada tela en múltiples tintes lo que hacía que se consiguiesen unos colores distintos e irrepetibles. 

El chal Knossos por encima de

un Delphos 

Dos Delphos uno con chiton por encima y otro

negro con mangas en el que se puede apreciar 

cómo Fortuny utilizaba los botoncitos de Murano

para cerrar las cuatro piezas que formaban el vestido

y que le daban una caída especial. 

A ambos les ciñe una cinta estarcida a modo de cinturón

Natasha Rambova, 1924

Influído, pues como decimos, por la tradición griega y minoica, también se vió atrapado por el Renacimiento, por los motivo musulmanes o hispano-moriscos y la moda del japonesismo de fines del XIX y principios del XX . 

Hera de Samos, S. VI a. C

Influencia clara de esta Koré en la obra de Fortuny

También creó capas con capuchones de varios  picos ( burnous), túnicas largas y sin mangas ( abas), los djellabah, vestidos largos con mangas tipo kimono, y túnicas. Marcel Proust afirmó que los trajes de Fortuny eran a 

"....la manera de la decoración de Sert, de Bakst y de Benoist...evocando como un decorado la Venecia toda llena de Oriente donde aquellos trajes se llevaron...”

El Delphos fue un vestido que lucieron desde Sara Bernardt y Eleonaora Duse, pasando por Isadora Duncan o aquellas que salieron de la imaginación de Marcel Proust, como se ha citado, o Gabriele D'Annunzio. Liberó, por primera vez,  a las mujeres del corsé que las constreñían y las hacían andar de una manera especial además de molestar su respiración.  Aún actualmente, y dado que rescató las formas de estampación antiguas los restauradores tienen dificultades en saber, cuáles son las telas históricas y cuáles las que hizo imitando las antiguas. Por último diremos que actualmente las formas del Delphos se revisitan por diseñadores que hacen guiños a Fortuny.

Un genio

Las obras de referencia son muchas  y diversas pero citaría dos como fundamentales: 

-  El catálogo de la exposición de Fortuny realizado por el Museo del Traje de Madrid en 2010: Aquí  y Aquí 

- La Hornacina

- Aquí ( en italiano)

- Aquí ( sobre Fortuny y Wagner) en italiano .

En cuanto a la obra gráfica han sido muchas las fuentes consultadas, muchas imágenes han sido extraídas del Museo del Traje, únicamente para dar a conocer el legado de tan genial artista con un motivo únicamente educativo. Pero también han sido extraídas de Paperblog  o de esta otra página, . así como de las que se han dado como obras de referencia. 

 Por último os dejo el link a un vídeo de un documental realizado por Televisión Española sobre el genio de Mariano Fortuny, titulado : Fortuny y la Lámpara Maravillosa.

Fortuny y la lámpara maravillosa