La Primera Etapa del Expresionismo Alemán, Die Brücke.

 

Ernst Ludwig Kirchner

Si bien se puede hablar de expresionismo desde la misma aparición de los objetos artísticos: los que crearon los habitantes de las islas del Pacífico, en la Polinesia, en África pasando por el arte medieval (primer estilo internacional en Europa en el siglo XI), se dice que la primera fase del Expresionismo alemán fue una aberración gótica teutónica que utilizó la distorsión como medio artístico ( 1). Su creación como grupo se realizó en 1905. 

    Ernst Ludwig Kirchner, 1919

Schmidt-Rottluff

Y 1905 fue también el año en el que se produjo el  escándalo de los fauvistas que habían expuesto en el salón de Otoño de París. Fue entonces cuando una serie de arquitectos: Emil Nolde ( 1867-1956), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1893-1970),Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) y fugazmente Fritz Bleyl ( 1880-1966) abandonaron la arquitectura para crear en Dresde el primer grupo de expresionistas alemanes. Fue el llamado "El Puente" ( Die Brücke) 

Emil Nolde

"Porque creemos en el progreso y en una nueva generación  de gentes creativas y receptivas hacemos un llamamiento a toda la juventud. Como jóvenes, portadores de un futuro, deseamos alcanzar la libertad de vivir y trabajar en contra de las antiguas fuerzas establecidas. Consideramos que son de los nuestros todos aquellos que, directamente y sin disimulos, representan lo que les impulsa a crear" 

Manifiesto realizado en madera por Ernst Ludwig Kirchner .

                                                                      

Manifiesto de Kirchner

 Para los creadores de este grupo, el arte debería tener vida y tratar de la vida. Ellos pensaban que el arte de su tiempo era insulso y poco interesante. Dresde no era un lugar artístico importante, en eso se diferenciaba de Munich.  Y por esa razón, supuso un revulsivo que hizo que también Max Hermann Pechstein o Müelller formasen parte , temporalmente de El Puente. 

Pechstein

Estudiaron y se vieron influenciados por Van Gogh y Gauguin; las pinturas rupestres e indias, por Gauguin y Munch , por el arte alemán de Durero, Cranach y Grünewald y conocieron a los fauves. Vivían pobremente y sus creaciones decoraban sus sencillas habitaciones que estaban llenas de muebles realizados por ellos.

             Nolde

Bleyl

Heckel

Trabajaron, al óleo, grabaron , dibujaron, y realizaron xilografías , es decir , recogieron el grabado en madera, muy típico en Alemania. Por esa influencia, sus formas eran angulosas, utilizando líneas gruesas de color, un color importantísimo, agresivo y plano. Como a los fauves, ni el espacio, el volumen , el detalle o la luz, ni la atmósfera importaban. 

Ambas obras pertenecen a Kirchner

Crearon figuras figurativas pero antinaturalistas con una carga muy agresiva de expresividad. La belleza tampoco era primordial. Al contrario, hubo una exaltación de lo feo. El artista creaba realidades, no las imitaba. 

Nolde

Kirchner

Kirchner

Cuando en 1913, el grupo se trasladó a Berlín se disolvió . Ni que decir tiene que una vez que los nazis suben al poder, toda la obra del grupo será tomada como degenerada. En relación a esto y sobre Nolde diremos que se comportaba de una manera ruda, no le gustaba la gente y su mujer y él se aislaron de todos. Ideológicamente, tenía un sesgo nacionalista muy importante y llevó muy mal que los nazis categorizaran su obra como degenerada. Sus cuadros fueron retirados de las colecciones públicas y vendidas por una miseria.

- Sobre la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons

- Sobre las obras de referencia citaremos: 

- Morante López y Ruiz zapata: Análisis y comentario de la obra de arte. Edit. Edinumen, Madrid, 1997

- Lynton, Norbert: Historia del arte moderno. Ediciones Destino. Barcelona, 1988

- VV.AA: " Arte del siglo XX". Edit. Taschen, Barcelona, 2001 ( 1) 

El Fauvismo Catalán de Miró

Autorretrato, 1917

Así denominó el crítico de arte Jacques Dupin (1) a la primera etapa de la producción de Joan Miró i Ferrá ( Barcelona, 1893- Palma de Mallorca 1983) : fauvismo catalán. Mucho se ha escrito sobre la obra de este pintor. Estudiosos e intelectuales han ido desgranando las etapas de su pintura, explicando sus influencias y su evolución.  A estos estudios, sobre el  autor de los más importantes de nuestro país, nada podemos aportar nosotros. Sin embargo, nos apetece traer a este pequeño espacio, su obra primera que tanto nos gusta y que fue presentada en Barcelona en las Galerías Dalmau, entre febrero y marzo de 1918. Lo que allí expuso supuso el fin de su etapa de formación que comenzó con su maestro Modest Urgell. 

Mas d'en Poca, 1914

 El color es emoción 

Paisaje de Mont-roig, 1914

En todas las obras que realizó hasta los años 10 del siglo XX, utilizó líneas negras para enmarcar los contornos para dejar entrar al color, exhuberante, poco afín a la naturaleza, , con una factura muy gruesa, espesa, pastosa, a la manera de los fauvistas. Utilizó además tonos como verdes, amarillos y violáceos. Cuando tuvo lugar su primera exposición de mano de Dalmau, el  final de ésta ,  fue terrible: no vendió nada, no hubo tanto público como hubiese gustado y las críticas,  aún divididas en dos, se inclinaron a aquellas que apreciaron negativamente su obra. Incluso algunos espectadores se atrevieron a rasgar algunos de los dibujos allí mostrados.                                           

Mont-roig, Sant Ramon, 1916

Nord-Sud, 1917

La segunda escuela a la que acudió, la de Francesc Galí, le dió el conocimiento de la obra de Van Gogh, de Gaugin, de Cézannne. Galí, se centraba en el estudio de la forma, la materia, el color y Miró contó en alguna ocasión que realizaban un ejercicio consistente en dibujar objetos que habían palpado pero no visto (2). Miró dijo de Galí que " era de visión amplia , un hombre muy abierto" . (3) 

Ermita de Sant Joan d'Horta, 1917

El propio Miró  nunca aplicó las reglas de la perspectiva al realizar paisajes y en muchos estaba presente el cubismo de un temprano Picasso 

Siurana, el sendero, 1917

Con el desarrollo de las vanguardias, en Barcelona, destacó una figura crucial que fue el pintor, restaurador, anticuario, marchante y galerista, Josep Dalmau, del que hemos hablado más arriba. Resaltó fundamentalmente como marchante y galerista. Conocía bien los movimientos de vanguardia y a él se le debe la exposición de 1912 en la que mostró  pintura cubista con obra de Jean Metzinger, Fernad Léger, Juan Gris y Marcel Duchamp. En otras exposiciones posteriores, introdujo obra de Kees van Dongen o Albert Gleizes, Marie Laurencin para finalmente en 1917 mostrar obras en otra exposición que produjo un fuerte impacto en Miró. Ahí conoció a Picabia, que le impresionó tanto por sus imágenes como por sus poemas (4)

Prades, el pueblo, 1917

Trabajos de Maurice Denis, Degas, Pierre Bonnard, Matisse, Monet, Courbet o Toulouse Lautrec expuestos de nuevo en Galerías Dalmau, convirtieron a Barcelona, en un centro muy importante receptor de vanguardia. 

La Rosa, 1916

 Flores, 1918

En 1920, Miró llegaría a París, en donde su obra cambiaría 

 En cuanto a la obra gráfica ha sido extraída de varias páginas web para poder ilustrar la primera  obra  de este autor que consideramos es poco conocida para aquellos que no son estudiosos de su trabajo. 

Recomendamos la visita a https://iessonferrerdghaboix.blogspot.com/, el blog de Antonio Boix Pons , doctor en Historia del Arte, profesor y especialista en la obra de Joan Miró . 

En cuanto a las citas y obras de referencia citaremos las siguientes: 

- 1: Ribot Martín, Domènec: Miró . Successió Miró, 2010. Pag. 27

- 2- Ibidem: Pág. 22

-3- 4- Bozal, Valeriano: Arte del siglo XX en España. Tomo 1. Pag. 320

Helene Funke Redescubierta

De nuevo, traemos a este pequeño espacio a una mujer artista, a una pintora alemana ( 1869-1957) que trabajó influenciada por los Impresionistas primero ( expuso en el Salón de los Independientes en París) y por los Fauvistas después.

Julie M. Johnson afirma que estuvo entre los más radicales pintores de vanguardia en Viena, ciudad de acogida después de 1911. Terminó pintando a la manera Expresionista. Poco conocemos de su vida. Todos sus papeles personales fueron destruidos o perdidos durante la II Guerra Mundial. Pero lo que sí sabemos es que durante los años 30' del siglo XX, el régimen nazi consideró el arte de vanguardia como degenerado y miles de cuadros fueron quemados o requisados formando parte de la exposición Entartete Kunst

Una muestra actual, exhibida en Viena, hará salir del olvido a ésta y otras mujeres desconocidas. 

Todas, tendrán su espacio, en este blog. 

Toda la obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda general en Internet. 

En cuanto a la obra de referencia tenéis su propia web : Helene Funke 

y el artículo del periódico español El País 

El Cubismo De Cristal: Jean Metzinger

Suzanne Phocas : retrato de Jean Metzinger, su compañero. 

Sobre la griega Suzanne Phocas no se sabe apenas nada, excepto que fue compañera de nuestro

protagonista a partir de 1929, tras la muerte de su primera mujer.  Una vez más la obra de una artista ha sido ninguneada por el mundo de la Historia del Arte. 

El francés Jean Metzinger (1883-1956), se vió desde bien temprano interesado por las matemáticas, la música y la pintura, disciplina a la que consagraría su vida. 

Como le ocurre a la mayoría de los artistas su obra transcurrió, evolucionando, desde el Fauvismo y el Neoimpresionismo hasta el Cubismo. De hecho, si se le conoce por algo, es precisamente por militar en el ismo Cubista. En esa etapa de producción recogió la fase sintética, no la primera, la analítica, aquella que descomponía y fracturaba en planos una realidad monocromática llegando casi a la abstracción. 

Época Neoimpresionista

Jean Metzinger: El Pavo Real, 1906

Jean Metzinger: Parc Monceau, 1906

Jean Metzinger
 

 

Jean Metzinger: Los Ibis, 1907

Cubismo

 Jean Metzinger: 

Jean Metzinger: Naturaleza Muerta, 1911

Jean Metzinger:  El pájaro azúl, 1913

 Él toma la segunda fase: la imagen que ya no se fractura, " la agitación se calma" (1) En esta evolución los colores son uniformes, incorporando elementos cotidianos como letras y números incluyendo  el collage en las obras. Crea sobre todo bodegones predominando la planitud y las diagonales en la composición y dando una importancia primordial al color.

Jean Metzinger: Naturaleza Muerta, 1917

Jean Metzinger: Mesa en la ventana, 1917

Jean Metzinger: Still Life Playing Cards Coffee Cup And Apples, 1917

Para Maurice Raynal el Cubismo realizado por Metzinger, al que se le unen Juan Gris y el escultor Lipchitz que utilizan las mismas premisas, es denominado Cubismo de Cristal (2) lo que no dejó de ser considerado como algo amanerado, poco original, frente al "Cubismo de Salón" de Picasso y Braque quienes colgaban sus obras en el galería de Kahnweiler.

Jean Metzinger: La Ruleta,  1924

Jean Metzinger: Jean Metzinger, sitll life with shells and a saw, 1927

 

Jean Metzinger: El istmo de Corinto, 1928

Sin embargo, para muchos historiadores del arte esto no es así: el Cubismo de Metzinger refleja su amor por las matemáticas. De hecho, el formó parte del grupo de Puteaux, también denominado la Section d'Or en 1912 que aglutinó el trabajo de los Duchamp  entre otros. (3)

Jean Metzinger: Composición Alegórica, 1929

Jean Metzinger: Globo y Banjo, 1930

Pero la I Guerra Mundial volvió a los vanguardistas en clásicos (4). Es la " llamada al orden" (5); una llamada que significó dar entrada al clasicismo de nuevo en las telas. De esa manera, a partir de 1919, las pinturas de Metzinger, como de otros muchos, vuelven al naturalismo, al intento de aunar modernidad y antigüedad, casi a la estética entendida como tradicional dejando de lado la innovación y la "modernidad"que había inspirado a toda una generación de artistas antes y durante la I Guerra Mundial .

Jean Metzinger: Nu aux Hortensias, 1935

Jean Metzinger: Nu Au Soleil Nude In The Sun, 1935

Jean Metzinger: La Baigneuse Nu, 1937

" Metzinger, uno de los más tempranos e influyentes teóricos del cubismo, interesado en la filosofía de Bergson y las especulaciones sobre las nuevas geometrías (Riemann, Poincaré), apasionado de las matemáticas y seducido por las explicaciones de Maurice Princet sobre estos asuntos, redacta en 1912 una de las principales fuentes del cubismo, "Du Cubisme", una defensa del fundamento matemático de la pintura que quedó liberada de las restricciones de la linealidad, idea que desarrollada posteriormente, se cree que fue la base de la interpretación de Copenhague’ de la mecánica cuántica que inspiró a Niels Bohr, coleccionista de arte en 1927" (6)

Jean Metzinger: Still Life

Jean Metzinger: Suzanne Phocas con sombrero, 1940

Toda la obra gráfica ha sido extraída de WikiPaintings. Si no ha sido así tenéis debajo de la obra la página de la que ha sido obtenida.

En cuanto a las citas y obras de referencia:

1-2-3-: Aquí.Página, 202.

4-5 Aquí

6-  Aquí