El Intimismo en la Obra de Carl Larsson

 

"Tiemblo al recordar la pérdida de tiempo y los años de destrucción del talento" .

Carl Larsson ( Suecia, 1853-1919), se subió a la oleada de naturalismo que se impone durante la segunda mitad del siglo XIX. Procedente de una familia muy humilde fue ayudado por un conocido de la familia que le dio lápices y libretas para pintar. Ingresó en la Escuela Elemental de Arte que se oponía a la pintura "plein air" parisina. De ahí, la cita que abre esta pequeña reseña. 

Realizó ilustraciones para diversas publicaciones para ayudar a su familia y estando en París, se mostró pictóricamente, en un punto medio entre lo que suponía entrar de lleno en las propuestas impresionistas y los defensores de los maestros anteriores a este ismo. Los paisajistas de Barbizon fueron tomados por él como modelo .Éstos fueron los primeros en plasmar la realidad de forma directa, una realidad intimista a través de una mirada limpia, cariñosa sobre lo privado, sobre lo cotidiano. Fueron los artistas previos al desarrollo del Impresionismo. La fotografía, el japonismo, los simbolistas y los nabis incidieron en su comprensión del Arte. 

Se unió a un movimiento denominado "Los Oponentes" en 1885 que se "oponía" a la Academia de Bellas Artes de Estocolmo. Autores como Strindberg denunció que los suecos estaban siendo demasiado influidos por lo que pasaba en París y que las cuestiones nacionales estaban dejándose de lado. 

Fue un maestro del dibujo, acuarelista, trabajando del natural, con una gama reducida de colores y una valoración importante de la línea, utilizó un pincelada fina y minuciosa, de empastes delicados y realistas, con temas agradables que serían queridos por el público burgués. ( 2)

Se habla de la relación artística que este autor tuvo con la escuela de los maestros del Ukiyo-e ( 3). El Art Nouveau y el Simbolismo también se manifestaron en su obra. 

La existencia tranquila, idealizada quizás...Esa fue su visión del mundo .... 

La obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons 

En cuanto a la obra utilizada, de la cual se han usado las citas, y que ha servido para realizar esta pequeña reseña se ha utilizado : 

- Soto Vicario, María Dolores: Carl Larsson, Ilustrador de una vida. Aportaciones a partir de un estudio plástico de Imágenes.

 Tesis doctoral dirigida por la Dra . Blanca Rosa Pastor Cubillo.

 En línea, consultada el 29/ 5/ 2022. 

2- pág. 86

3. pág. 86

Las Chinoiseries de François Boucher

La obra de Françoid Boucher ( París, 1703-1770), se enmarca de lleno en el estilo llamado Rococo. Este estilo significó, libertad, mucho colorido y encanto en el arte. Michael Levey, sin embargo, afirma que fue uno de los estilos más insignificantes de todos los que creó la Historia del Arte y que no podría haber sido, si antes no se hubiese desarrollado el Barroco. Diderot, uno de los creadores de la Enciclopedia junto a d'Alembert,  arremetió sin contemplaciones contra Boucher. 

 Lo acusaba de falta de observación de la naturaleza, de la corrupción de la moral. Era un momento muy importante: el de "Las Luces", el de la Ilustración que puso en jaque a todas las ideas del Antiguo Régimen. Pero Boucher, únicamente seguía las pautas del movimiento Rococó y su gusto por lo asiático . En Francia, donde desarrolla su obra nuestro protagonista, la muerte de Luis XIV en 1715, la aparición en escena de Luis XV y el reinado de Madame de Pompadour marca el momento. El Rococó no buscaba llevar un mensaje religioso, moral o que fuese serio. Todo lo contrario, se buscaba lo decorativo,  el movimiento heredado del Barroco, la sorpresa, lo erótico, lo banal...

Los dos grandes creadores franceses del momento serán  Tiépolo y nuestro protagonista,   Boucher. Centrándonos en él, diremos que su gran mecenas fue Madame de Pompadour,  a cuya muerte , Boucher quedó "huérfano" y fue atacado más, si cabe, por Diderot. Lo que nos interesa recoger en esta pequeña entrada es la realización por su parte de una serie de cuadros basados en Oriente llamados Les Chinoiseries o chinerías.  

Y es que Boucher se estaba haciendo eco de una tendencia que comenzó durante el Barroco y el Rococó y que siguió hasta la contemporaneidad influyendo a distintos artistas a partir de Monet. A partir de ese momento ya no se denominarían Chinoiseries.  Esa tendencia se llamaría Japonismo. Tal como afirma David Almazán Tomás, la Chinoiserie tuvo su origen en el coleccionismo de objetos de lujo chinos ( realizados para la exportación) como la porcelana, los paneles y muebles lacados, los tejidos y los marfiles. Y mientras, en Occidente las cortes impulsaron factorías que imitaran estos objetos chinos.Los palacios se llenaron de piezas chinas y de las chinerías de imitación. 

Monet: La Japonesa, 1875

Ejemplo de Japonismo en el que Monet, retrata a su esposa

vestido con un kimono y con preciosos abanicos que llenan el espacio. 

Boucher fue nombrado Primer Pintor del Rey a partir de 1765 y realizó otro tipo de obras de las que nos ocuparemos en otra entrada.

Toda  la obra gráfica es de François Boucher, excepto la última que es de Monet, es de François Boucher y ha sido extraída de esta página: Aquí 

En cuanto a las obras de referencia hemos utilizado fundamentalmente dos:

- Levey, Michael: "Del Rococó a la Revolución". Ediciones Destino, Barcelona, 1998

- Artículo en línea de : Almazán Tomás, David: " La seducción de Oriente: de la chinoiserie al japonismo".  Revista Artigrama,  Universidad de Zaragoza. Nº 18, 2003. Aquí

Hiroshige- El Maestro del Ukiyo-e

En el mundo del arte y de la literatura occidental, un tema recurrente, plasmado a lo largo del tiempo, ha sido la idea de la brevedad y de la inconsistencia de la vida. Desde el Antiguo Testamento pasando por la ideología medieval, en el Renacimiento y fundamentalmente en el Barroco, la iconografía de la vanitas pobló multitud de lienzos que, a veces, con un carácter ejemplificante y didáctico, recordaban el carácter efímero de nuestro paso por el mundo. Calaveras y esqueletos pero también pompas de jabón, flores marchitas, espejos que muestran lo engañoso de la realidad, joyas o instrumentos científicos, formaban parte de esas representaciones.

Jan Vermeulen: Vanitas, 1654

Sin embargo, en el arte oriental, y en concreto en la cultura milenaria japonesa, durante el siglo XIX, la plasmación de esa realidad inconsistente, cuajó en la representación pictórica, pero lo hizo de distinta manera que en el mundo occidental. Siguiendo la tradición budista y el Shinto, se representaban paisajes, el teatro Kabuki, el Sumo, las casas de té... La idea que subyacía en esas representaciones era la de dejarse llevar por los sentidos, gozar de la vida y vivir el presente: el carpe diem latino.

En 1661, Asai Ryoi, escribía:

" Vivir para el momento, contemplar la luna, las flores de cerezo y las hojas de arce, amar el vino, las mujeres y la poesía, enfrentarse a la pobreza que salta a la vista con una broma llena de buen humor y no dejarse desanimar, dejarse conducir por la corriente de la vida como una calabaza que fluye río abajo: todo eso significa ukiyo".

Toda una declaración de intenciones. Eso es precisamente el Ukiyo-e, las "imágenes del mundo flotante", que, utilizando la xilografía como técnica, realizaban artistas profesionales anónimos por encargo y a buen precio. La impresión sobre madera, entonces, fue perfeccionada y se convirtió en un medio de producción en masa. Al principio sólo se utilizaba el blanco y el negro, pero a partir de mediados del XVIII se imprimió a todo color.

Trabajo de Ukiyo-e actual

Las planchas de madera no eran hechas por el artista que esbozaba el tema, sino por un artesano de la talla ; la reproducción de las estampas, las realizaba un impresor. El editor, dirigía, organizaba y comercializaba. El proceso de realización era complicado.  

Uno de los mayores representantes del Ukiyo-e fue Hiroshige ( 1797-1858) que comenzó a dibujar con 10 años, entrando en el taller de un maestro de la xilografía para aprender.

Retratos femeninos, actores del Kabuki, ilustraciones de libros, guerreros, flores, aves y peces ( influencia de la naturaleza muerta occidental), lugares de peregrinación (fenómeno de proporciones enormes desde la segunda mitad del S. XVII y principios del XIX) .......Todo esto fue plasmado por Hiroshige en casi ocho mil bocetos, otros autores hablan de cinco mil. 

Serie de las ocho vistas: comparación de mujer y paisaje, 1820

Los actores Ichikakawa Danjuro VIII y Segawa Kikunojo V, 1835

La casa de la Lealtad, Acto XI, 1836

Cuenco de Sushi 

Pez y conchas, 1835-1845

El martín pescador vuela sobre las gloriosas mañanas purpúreas, 1850

Peregrinación al santuario de la diosa Benzaiten en la gruta rocosa de Enoshima,

en la provincia de Sagami, 1850

Crisantemos

Sin embargo, Hiroshige, quizás influído por otro maestro del momento, Hokusai y su serie de vistas del monte Fuji, se centró en el género del paisaje, realizando series de "vistas urbanas sobre Edo" ( la actual Tokio), "Famosas vistas de la capital oriental", "53 estaciones"...

 Hokusai: 36 vistas del monte Fuji:  la gran ola de Kanagawa, 1830-33

Hiroshige: Famosas vistas de las 60 provincias. 

El mar bravo rompiendo en las rocas,1856

Historicamente, el aislamiento a la influencia occidental del archipiélago es roto en 1853, cuando el comodoro Perry fuerza a abrir varios puertos al comercio norteamericano. Japón desgarrado por luchas intestinas entre señores feudales tuvo un momento de cierta estabilidad cuando el clan de los Tokugawa asume el poder, lo centraliza y lleva la capital de Kyoto a Edo. Sin embargo, el fin del feudalismo está cerca, y en 1868 comienza la Era Meiji que supuso el momento de la modernización de Japón hasta 1912.

Este hecho fue importante para el mundo del arte , ya que, los contactos comerciales entre Japón y otras potencias supusieron el conocimiento de libros de toda clase de materias que dió una visión totalmente nueva a los artistas: conocieron la representación del espacio, de lo tridimensional y la perspectiva lineal ( aquella en la que la representación confluye matemáticamente en un punto de fuga central que "arma" toda la composición), y de la cual, Hiroshige fue un maestro. Además supieron de la linterna mágica, tan utilizada por el maestro Vermeer.

La ciudad floreciendo, 1857

100 Vistas de Edo

Su observación de la naturaleza fue nueva en el arte nipón; fue realista, estética, serena. Integró a la figura en el paisaje, con un interés especial por la luz y la atmósfera desde un ángulo muy personal. No idealizaba. Apelaba a lo emocional, al sentimiento, conectando muy bien con sus contemporáneos, que gustaban de esas representaciones.   

Uno de los colores más queridos por Hiroshige fue el azul prusia, llegado a Japón desde el exterior, que utilizó en todos sus tonos e intensidades. 

100 Vistas de Edo

Las 69 estaciones de Kiso Kaido

Zorros de fuego en la Nochevieja bajo
el árbol emoki, de las 100 vistas de Edo, 1857

Además de todos los temas referidos anteriormente, y junto a estampas de carácter erótico, Hiroshige creó otras con apariciones sobrenaturales y  humorísticas con una simpatía y sensibilidad que, según los críticos, influenció al moderno comic japonés: el manga.

Finalmente, comentaremos, que la influencia de las estampas de Hiroshige en la pintura europea fue extraordinaria, sobre todo en los Impresionistas. La importancia dada por el maestro a la luz y a las condiciones atmosféricas, la demanda de nuevos temas y medios pictóricos, hiceron el resto. Un nuevo modo de interpretación de la realidad se abría paso.

Manet, Degas, Monet, Van Gogh, Toulouse-Lautrec... marchantes que abrieron sus tiendas a la venta de arte asiático, revistas... Todos se vieron influidos por el "japonismo" del que hablaba Emile Zola.

Estampa de Hiroshige a la izquierda, reinterpretada por Van Gogh a la derecha

Hiroshige murió como consecuencia de una epidemia de cólera que, a mediados del siglo XVIII, segó la vida  de casi treinta mil personas en Japón.  Con su desaparición se fue , tal como afirma, Mary McNeill Fenollosa, " el artista de la niebla, la nieve y la lluvia" y ,sobre todo, un modelo del arte universal.

Hiroshige

Fuentes gráficas: 

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Hiroshige

 

 Obra de referencia: 

 

- Schlombs, Adele: Hiroshige. Editorial Taschen.