Sobre Teoría del Arte (I)

 Anne Vallayer-Coster (París 1744-1818)

Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura, 1769

Vía Wikimedia Commons 

Hace algunos años un individuo, compañero de profesión, con mucha malicia y sobre todo, mucha ignorancia, me espetó en una comida con otros compañeros que cómo era posible que yo no supiese definir qué era el Arte, si tenía un blog dedicado a él. Pretendía menospreciarme y también a mi trabajo. Me hizo sentir mal. Me quedé callada. Y no porque no supiese contestar sino porque no me parecía el momento y porque fue un claro ataque hacia mí. Fue una situación muy incómoda y se me quedó grabada. Por supuesto, hoy sabría qué decirle perfectamente y dejarlo en el sitio correspondiente. Lo que el ignorante no sabía es que durante la carrera teníamos que cursar una materia específica anual para estudiar este tema. 

Johann Zofanni

El tribunal de los Uffizi ( 1772-1778)

La cuestión de qué es arte o qué no lo es, trae cola desde el principio de los tiempos. Todos los teóricos han observado lo difícil que es definir aquello que es artístico. Y es que: ¿cuántos son los libros que tratan sobre esta cuestión? ¿ Cuántos autores desde Platón han reflexionado sobre el tema? 

Rafael Sanzio: " La Escuela de Atenas" 1509-1511

La Stanza della Segnatura donde se encuentra el fresco. 

En el centro de la composición de la obra, encontramos a un maduro Platón

charlando junto a Aristóteles, todavía joven. 

Podemos preguntarnos cuáles son los signos que hacen que una obra pueda ser considerada como artística o no y, aún más, ¿ es más importante si alguien de fuste dice que esa obra es digna de tenerla en cuenta y no lo que pueda decir un indocto en la materia? ¿ Qué provoca en nosotros? ¿ Algo positivo? ¿Algo negativo?

Marcel Duchamp: " La Novia desnudada por sus solteros, incluso" o " El Gran Vidrio", 1923

Dadaísmo

Vía HA!

De todo esto se ocupa la Teoría del Arte.

Y hablando de teorías hay muchas:  la teoría ritual, la formalista, de la imitación, de la expresión, la cognitiva y la moderna . Para Cynthia Freeland, los " datos" ( sic) del Arte son tan variados que tratar de unificarlos y explicarlos parece desalentador. (1) Tomás de Aquino, David Hume, Immanuel Kant, Nietzsche y personajes del siglo XX como John Dewey, Arthur Danto, Michel Foucault y Jean Baudrillard entre otros propusieron teorías artísticas y estéticas diferentes. 

Andy Warhol: Caja de Brillo, 1964

Pop Art

Jean Baudrillard

La simulación en el Arte

Vía Fundación Sala Mendoza

Hume y Kant lucharon teóricamente sobre cómo se podía explicar que unas obras de arte fuesen mejores que otras. Hume afirmaba que la educación y la experiencia hacía obtener determinadas capacidades que conducirían a un  acuerdo en cuanto a qué autores y obras de arte son los mejores. Estas personas establecían un criterio del gusto. 

Vía 

Frente a Hume, Kant explicaba que los buenos juicios sobre la belleza en estética se basarían en rasgos de las propias obras de arte, y no sólo en nosotros y en nuestras preferencias. Esta visión de Kant tuvo ramificaciones hasta bien entrado el siglo XX.

Vermeer: La Joven de la Perla, 1665-1667

Hay además teóricos que estudian el arte en otros campos del saber : parten de la sociología , la historia y la crítica del arte, la antropología, la psicología y la educación entre otras....(2)

Psicología y arte 

Vía 

Cerámica nazca polícroma en forma de pez 

Vía 

El Arte además se expresa en distintos géneros: el cine, llamado el séptimo arte, la música, la literatura, la danza, la arquitectura, ......

Fotograma de Muerte en Venecia de Luchino Visconti, 1971

Vía 

Escher Quartet

Schubert : " La muerte y la doncella" 1824, allegro

Vía

Vía 

Además, no únicamente lo bello es Arte, lo feo también puede serlo y...¿qué decir sobre los museos? 

Matthias Grunewald: Tentaciones de san Antonio, 1515
Detalle del retablo de Isenheim, panel izquierdo

Vía 

Y ¿sobre los artistas? ¿quiénes son?¿qué es lo que los hace especiales? ¿tienen en su creación influencias de su género o de su orientación sexual? (3)

Robert Mapplethorpe: fotografía de las nalgas del bailarín Peter Reed

con quién tuvo una relación, 1980

Lolita Lempicka: Grupo de cuatro desnudos, 1925

Vía 

Y hasta aquí la primera parte del desarrollo del tema, seguiremos ocupándonos de las distintas teorías del arte a lo largo de otras entradas. 

Espero que os resulte interesante

Toda la obra gráfica ha sido extraída de páginas a las que doy atribución colocándolas debajo de las fotografías. 

En cuanto a las obras de referencia hay algunas extraídas de la red que os darán más información:  

https://www.librosdeltabano.com/andy-warhol-la-teologia-del-arte-en-el-ultimo-danto/

https://www.bloghemia.com/2019/10/la-simulacion-en-el-arte-por-jean.html

https://idunmedicinaestetica.es/arte-y-experiencia-estetica/?shared=false

https://revistatuk.com/cultura/la-relacion-entre-el-arte-y-la-psicologia/

https://ssociologos.com/2018/09/09/sociologia-del-arte-y-la-cultura/

Y dos libros fundamentales, al primero es al que pertenecen las citas: 

- Freeland, Cynthia: Pero ¿ esto es arte? . Cuadernos Arte Cátedra. Madrid 2003

- Eco, Umberto: Historia de la fealdad, Edit. Lumen ,Barcelona, 2007

El Jilguero de Carel Fabritius

 

Este encantador pajarito, pintado por Carel Fabritius, se encuentra en el Museo Mauritshuis de La Haya. Fabritius vivió la época en la que lo hicieron Rembrandt, del que fue alumno y Vermeer del que se convirtió en maestro. Este animalito alado, lo pintó en 1654 a través de la utilización de pinceladas con una factura muy suelta y creándolo a través de una perspectiva que hacía de la pequeña pintura un trompe l´oleil, un trampantojo como si estuviese vivo y tuviese un lugar en su casa. 

Además Fabritius pintó retratos , naturalezas muertas , paisajes urbanos y cuadros históricos, con colores brillantes. Pero murió muy joven, a los 32 años debido a la explosión de un polvorín en Delft donde él vivía. Se fue dejando 12 pinturas únicas, todas obras maestras. 

La obra gráfica ha sido extraída de wikiart

En cuanto al texto se ha utilizado la información del Museo Mauritshuis que esconde la pieza maestra de " El Jilguero". 

Borges y Georgia O'keeffe

 Georgia O'Keeffe

Cráneo de vaca:  roja, blanca y azul, 1931

Sepan. A manderecha del poste rutinario
(Viniendo, claro está, desde el Nornoroeste)
Se aburre una osamenta -¿Color? Blanquiceleste-
Que da al corral de ovejas catadura de osario.

Jorge Luis Borges: El Aleph, 1949

La Fauna y la Flora en la Obra de Jan van Kessel el Viejo

 Coro de pájaros 

Jan van Kesel ( Ámberes 1626-1679) fue un pintor de flamenco que representa la corriente Barroca del siglo XVII. De larga estirpe de pintores ( principalmente de Brueghel el Viejo) de quienes fue alumno  realizó bodegones, paisajes o  alegorías... 

Fue muy querido en su tiempo y muchos compraron sus obras lo que le permitió vivir con holganza pues alcanzaron precios elevados. Posteriormente, parece ser que hubo problemas de atribución de sus pinturas porque hubo otros artistas de nombres similares en su mismo momento. 

Realizó curiosos estudios de animales y flores que realizaba sobre láminas metálicas utilizando textos científicos ilustrados como fuentes para llenar sus imágenes con objetos representados con precisión casi científica... Insectos, orugas, reptiles, flores y objetos raros de todo el mundo conocido fueron pintados por él y en ello subyacía la querencia existente en aquel momento de recopilar lo que fuese diferente y especial. Esa idea fue la que llevó a realizar los que serían los antecedentes del museo moderno : las Wunderkammen. o cuarto de maravillas. 

Una influencia importante fue la obra del padre de Jacob Hoefnagel, Joris Hoefnagel, que realizó manuscritos iluminados y naturalezas muertas. También hizo pinturas de guirnaldas. Eran colaboraciones entre un bodegón (realizado por nuestro pintor) que enmarcaba una figura, realizada por un pintor de figuras. Lo que pintaba van Kessel era naturalezas muertas. 

Finalmente, comentaremos que una de sus obras pertenecientes a Dagoberto y Martha David de Dusseldorf, una pareja judía que huyó de Alemania a Bélgica en 1939, formó parte del arte saqueado por los nazis. En 2020, y tras varias visicitudes la Galería de Arte de Ontario en dónde terminó la obra restituyó la creación a los herederos de la pareja. 

Toda la obra gráfica así como el texto para realizar esta pequeña reseña ha sido extraído de: 

Wikiwand

Wikimedia Commons

El Solitario Otto Dix

 

 Stefan Moses: Otto Dix, 1964

Fuente

"  Confía en tus Ojos". 

En 1925, el director de la galería municipal de Mannheim, G. F. Hartlaub, escogió el nombre de Neue Sachlichkeit ( Nueva Objetividad), para una exposición que recogió las obras de distintos artistas que tenían como única característica común, la inclinación hacia el realismo a la hora de pintar. Intentó hacer dos diferenciaciones: un ala derecha, o neoclasicista y el ala izquierda, denominada verista, con autores como Beckmann,  Grosz, Drexel, Scholz y otros.

Max Beckman

 En la entrada realizada en este blog sobre la obra de George Grosz, se da un contexto histórico-artístico para entender el surgimiento de esta " llamada al orden". De hecho, Grosz participó en la exposición y escribió un folleto, junto con otros autores, que tituló " El arte está en peligro", en el que se define como un luchador que pretendía hacer surgir una sociedad nueva a partir de la pintura. Esta tendencia criticaba su época, la del período de Entreguerras.. Y en este grupo estaba también, nuestro autor,  Otto Dix ( Gera, Alemania 1891- Singen, 1969) 

George Grosz 

Fuente

Fue, dicen, el artista por excelencia de la Nueva Objetividad, aunque en sus principios trabajó siguiendo principios expresionistas, dadaístas y hasta se pueden rastrear, en determinadas obras, influencias futuristas.  Plasmó en ellas, la época que le tocó vivir, pero a través de la exploración de este nuevo estilo de pintura. Su obra sobre la I Guerra Mundial en la cual participó yendo como voluntario, muestra la brutalidad y el desgarro del enfrentamiento entre los dos bloques de países en alianzas, que dejó una Europa devastada y que produjo millones de muertos entre soldados y civiles. Realizó, de hecho, un ciclo de aguafuertes sobre esta guerra. 

Autorretrato como Marte, 1915

Jugador de billar, 1914

Tras la petición de armisticio por parte de Alemania y la desaparición del Imperio se estableció la República de Weimar que nació sin casi apoyos.  La realidad fue vivida de forma general como algo feo y negativo  y los cuadros de Dix dieron a sus contemporáneos, la deseada confirmación de sus vivencias de la fealdad de la realidad : la prostitución, la atmósfera de la gran ciudad, los tiempos de posguerra con sus héroes de solapa llena de medallas y condecoraciones pero pidiendo limosna por las calles, fueron temas que escogió para mostrar la descarnada realidad de los años 20' en Alemania.  

Mutilados de Guerra, con autorretrato,  1920

Este cuadro fue confiscado en 1937 y desde entonces está desaparecido, posiblemente 

destruído en Berlín en 1942.

La subida al poder de Hitler en 1933, hizo que Dix no pudiese volver a exponer. Además se le confiscaron 260 obras de colecciones alemanas, no sólo aquellas que fuesen críticas de alguna manera, sino también algunas "inofensivas", entre ellas algunos retratos. Parte de estas obras fueron vendidas en 1939 por el Ministerio de Propaganda en Lucerna; el resto, sería  quemado en el parque de bomberos de Berlín. 

El Cerillero, 1920

Prager Strasse, 1922

" Lo externo de las cosas es para mí importante, ya que con la reproducción de lo externo se capta el interior...La primera impresión es la verdadera, y debe conservar todo su frescor. Yo quiero ver solamente lo externo, el interior se da por sí mismo"

 Retratro del fotógrafo Hugo Erfurth con perro, 1926

 Así es como entendía su arte y de esa manera y dejándose llevar por los consejos que le dió el fotógrafo Hugo Erfurth (al que haría un retrato que se considera una obra maestra), realizó otros, magistrales, francos, realistas, en detalle  y sin idealización , en los que dominan las manos y el rostro de los retratados. Pintó la decadencia corporal y también los rasgos individuales así como las características típicas de la persona. 

Retrato sobre piel de leopardo, 1927

Retrato de la vendedora de arte Johanna Ey, 1924

Protectora de los artistas de Düsseldorf

Retrato de la periodista Sylvia von Harden, 1926

Retrato de la bailarina Anita Berber, 1925

Utilizó la técnica de las veladuras:  " Casi siempre hago un dibujo exacto del modelo, después lo paso a la tela y le doy pintura con el modelo presente. Después viene lo importante: pintar sin modelo".  Dix componía sus modelos con una exactitud arquitectónica. Hay un cierto "manierismo" en la composición de los personajes y en sus figuras alargadas. 

Retrato del pintor Ivar von Lücken, 1926

Y así llegamos al Tríptico de " La Gran Ciudad" realizado entre 1927 y 1928 que junto al tríptico de "La Guerra "( 1929) es su obra más monumental. En la primera, muestra  la estructura social de la República de Weimar, en un ambiente de clase adinerada.  

En el panel central , un grupo de mujeres, con plumas y joyas , en un ambiente de lujo, están atentas a un grupo de jazz que toca mientras una pareja baila . 

Panel central 

En el panel de la derecha, prostitutas de lujo se dirigen a ofrecer sus encantos mientras bajan unas escaleras. En la primera de ellas, Dix muestra el carácter de objeto sexual de la mujer, al  pintar las pieles y la capa roja simulando un sexo femenino . 

Panel de la derecha

En el de la izquierda, una calle adoquinada sirve de escena en la que una fila de mujeres pasa, sin darse cuenta, al lado del mutilado de guerra que  las saluda desde el suelo. Para crear este tríptico Dix, realizó bocetos, estudios previos, cartulinas en las que trabajaba con las proporciones exactas de la que sería la obra final, con temple y aceite. Los colores se mostraban transparentes y ello le gustaba enormemente.

Panel de la izquierda

Haremos mención también de su retablo en cuatro partes " La Guerra". ( 1929-1932). Éste recuerda un retablo medieval , una forma que utilizó Grünewald. En la izquierda , soldados en la niebla. En el centro, la batalla y sus terribles consecuencias...Dix no podía olvidar la guerra de trincheras. Fue un cronista del escándalo de la guerra a la que fue como voluntario como se ha podido adivinar. Los nazis requisarían la obra para incluirla en la Entartete Kunst. Dix fue despedido como profesor de la Academia de Dresde y se le prohibió exponer sus obras. Se le acusó de que "entre sus cuadros se encontraban algunos que herían profundamente la decencia del pueblo alemán y que además servían para promover el antimilitarismo en él". A partir de ese momento su situación se volvió peligrosa, incluso para su familia. Es el momento de la confiscación , de la venta y de la quema de sus obras como se comentó más arriba 

Panel central 

La Guerra

Dresde,  1929 - 1932

Dix pintó sobre la guerra hasta la extenuación: terminó escribiendo en su diario en 1915: " piojos, ratas, alambradas,chinches, granadas, bombas, cuevas, cadáveres, sangre, aguardiente, ratones, gatos , gases, cañones, suciedad, balas, morteros, fuego, acero, eso es la guerra. Una obra del diablo!!!"

Pequeño Autorretrato, 1913

Finalmente, los años 30 y 40 del siglo XX, fueron una etapa diferente en su obra , realizando pinturas que proyectarán la difícil vida por la que estaba pasando en aquellos momentos. Creó paisajes con las técnicas de veladuras: brillantez, intensidad, perfección técnica e impecable belleza , son los adjetivos que utiliza Eva Karcher para adjetivar estas obras. Los realizó para poder trabajar sin ser molestado. Miró hacia la obra de la Escuela del Danubio del siglo XVI de Albrecht Altdorfer y también, teniendo en cuenta a Caspar David Friedrich, el paisajista romántico. 

Autorretrato con paleta ante cortina roja, 1942

Un pintor entre los grandes

Toda la obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda general en Internet. 

En cuanto a las obras de referencia utilizadas para realizar esta entrada citaremos: 

- Karcher , Eva: Dix, Editorial Taschen, 2010. De esta obra están extraídas todas las citas.  

- Lynton, Robert: Historia del Arte Moderno, Barcelona, 1988

- VV.AA: "Arte del siglo XX". Editorial Taschen. Barcelona , 2001