El Cubismo De Cristal: Jean Metzinger

Suzanne Phocas : retrato de Jean Metzinger, su compañero. 

Sobre la griega Suzanne Phocas no se sabe apenas nada, excepto que fue compañera de nuestro

protagonista a partir de 1929, tras la muerte de su primera mujer.  Una vez más la obra de una artista ha sido ninguneada por el mundo de la Historia del Arte. 

El francés Jean Metzinger (1883-1956), se vió desde bien temprano interesado por las matemáticas, la música y la pintura, disciplina a la que consagraría su vida. 

Como le ocurre a la mayoría de los artistas su obra transcurrió, evolucionando, desde el Fauvismo y el Neoimpresionismo hasta el Cubismo. De hecho, si se le conoce por algo, es precisamente por militar en el ismo Cubista. En esa etapa de producción recogió la fase sintética, no la primera, la analítica, aquella que descomponía y fracturaba en planos una realidad monocromática llegando casi a la abstracción. 

Época Neoimpresionista

Jean Metzinger: El Pavo Real, 1906

Jean Metzinger: Parc Monceau, 1906

Jean Metzinger
 

 

Jean Metzinger: Los Ibis, 1907

Cubismo

 Jean Metzinger: 

Jean Metzinger: Naturaleza Muerta, 1911

Jean Metzinger:  El pájaro azúl, 1913

 Él toma la segunda fase: la imagen que ya no se fractura, " la agitación se calma" (1) En esta evolución los colores son uniformes, incorporando elementos cotidianos como letras y números incluyendo  el collage en las obras. Crea sobre todo bodegones predominando la planitud y las diagonales en la composición y dando una importancia primordial al color.

Jean Metzinger: Naturaleza Muerta, 1917

Jean Metzinger: Mesa en la ventana, 1917

Jean Metzinger: Still Life Playing Cards Coffee Cup And Apples, 1917

Para Maurice Raynal el Cubismo realizado por Metzinger, al que se le unen Juan Gris y el escultor Lipchitz que utilizan las mismas premisas, es denominado Cubismo de Cristal (2) lo que no dejó de ser considerado como algo amanerado, poco original, frente al "Cubismo de Salón" de Picasso y Braque quienes colgaban sus obras en el galería de Kahnweiler.

Jean Metzinger: La Ruleta,  1924

Jean Metzinger: Jean Metzinger, sitll life with shells and a saw, 1927

 

Jean Metzinger: El istmo de Corinto, 1928

Sin embargo, para muchos historiadores del arte esto no es así: el Cubismo de Metzinger refleja su amor por las matemáticas. De hecho, el formó parte del grupo de Puteaux, también denominado la Section d'Or en 1912 que aglutinó el trabajo de los Duchamp  entre otros. (3)

Jean Metzinger: Composición Alegórica, 1929

Jean Metzinger: Globo y Banjo, 1930

Pero la I Guerra Mundial volvió a los vanguardistas en clásicos (4). Es la " llamada al orden" (5); una llamada que significó dar entrada al clasicismo de nuevo en las telas. De esa manera, a partir de 1919, las pinturas de Metzinger, como de otros muchos, vuelven al naturalismo, al intento de aunar modernidad y antigüedad, casi a la estética entendida como tradicional dejando de lado la innovación y la "modernidad"que había inspirado a toda una generación de artistas antes y durante la I Guerra Mundial .

Jean Metzinger: Nu aux Hortensias, 1935

Jean Metzinger: Nu Au Soleil Nude In The Sun, 1935

Jean Metzinger: La Baigneuse Nu, 1937

" Metzinger, uno de los más tempranos e influyentes teóricos del cubismo, interesado en la filosofía de Bergson y las especulaciones sobre las nuevas geometrías (Riemann, Poincaré), apasionado de las matemáticas y seducido por las explicaciones de Maurice Princet sobre estos asuntos, redacta en 1912 una de las principales fuentes del cubismo, "Du Cubisme", una defensa del fundamento matemático de la pintura que quedó liberada de las restricciones de la linealidad, idea que desarrollada posteriormente, se cree que fue la base de la interpretación de Copenhague’ de la mecánica cuántica que inspiró a Niels Bohr, coleccionista de arte en 1927" (6)

Jean Metzinger: Still Life

Jean Metzinger: Suzanne Phocas con sombrero, 1940

Toda la obra gráfica ha sido extraída de WikiPaintings. Si no ha sido así tenéis debajo de la obra la página de la que ha sido obtenida.

En cuanto a las citas y obras de referencia:

1-2-3-: Aquí.Página, 202.

4-5 Aquí

6-  Aquí

El Neoimpresionismo: el cientificismo en pintura.

El verano se extiende por todas partes, despótico, incoloro, pesado...como si un rey sin nada mejor que hacer infringiera penas de muerte, bajo el resplandor al rojo vivo del cielo que te atrapa y bosteza. Liberado, el hombre dejó el trabajo y descansó.

Paul Verlaine, Alegoría, 1884. (1).

Georges Seurat: " Baño en Asniêres". 1883-84

Esta obra fue rechazada en el Salón de 1884.

La expuso en el Salón de los Independientes, junto a otras

de un millar de artistas y donde Seurat conocería 

a Signac que lo seguiría en sus teorías.

Georges Seurat: " Baño en Asnières" . Detalle. 

George Seurat : "Baño en Asnières" .Estudio.

Georges Seurat fue el pivote sobre el que se movió el movimiento Neoimpresionista, también denominado Puntillismo o Divisionismo.Se habla de Puntillismo, cuando nos referimos a la forma en que se aplica la pintura y Divisionismo, cuando se alude a la división de los colores en sus elementos. Ambos son términos más precisos que Neoimpresionismo, un término que fue acuñado por Félix Fénèon, un crítico de arte francés.

 Paul Signac: Retrato de Felix Fénèon, 1890.

Seurat fue el grande del movimiento al que se suma Signac, como se ha comentado. Su obra partió del movimiento impresionista pero su fascinación por la luz dió una nueva dimensión a esta otra tendencia artística. Ambos partían de un conocimiento absoluto de los sistemas clásicos de proporción.

George Seurat: Pose de Perfíl, 1887

George Seurat: estudio para Las Presumidas, 1887

George Seurat: "Las Presumidas". 1888

Se apoyó en la mezcla óptica de colores, pequeños puntos de color que la retina humana debía componer y dar sentido, percibir y mezclar  Por ello, el público, a la vista de los cuadros, no debía acercarse demasiado a la obra. Esta técnica, sin embargo, hacía que los contornos se perdiesen y que las formas se fragmentasen en esos puntos de colores.  Esa fue la razón por la que éstas fueron simplificadas con líneas verticales y horizontales dejando atrás la reproducción naturalista.

George Seurat: La Torre Eiffel, 1889

Seurat, taciturno, serio, solitario y trabajador incansable, solía pasear y visitar la isla boscosa de La Grande Jatte, junto al Sena, desde la que parió uno de sus más conocidos cuadros. Murió joven y quizás hubiese preferido que su estilo se conociera como "cronoluminarismo" o " pintura en color y luz" .Sus obras, a veces, tardaban más de un año en ser acabadas.  (2)

George Seurat: " Un domingo en la Grande Jatte", 1884.

La exposición de este cuadro fue otro gran escándalo, pero en él está

definido el manifiesto de la pintura divisionista y también queda patente el método

científico perseguido por Seurat y los estudios que realizó en el campo de

la óptica y los colores. 

George Seurat: La Parade, 1888

George Seurat: La Parade, detalle. 

George Seurat: Mujer Empolvándose, 1889-90

Es uno de los pocos retratos realizados por Seurat.

Ella era su compañera Madeleine Knobloch.

George Seurat: " El Circo", 1891.

Los escritos de teóricos y de físicos fueron la base para esta tendencia: Dave, Blanc, Helmholtz, Sutter y Rood, y en especial , la doctrina de los "contrastes simultáneos" de Chevreul. Se hacía distinción entre colores primarios ( rojo, azul y amarillo) y complementarios, obtenidos de la mezcla de los anteriores. Los colores complementarios si se yuxtaponen, se potencian entre sí, mientras que si se mezclan o superponen, tienden a anularse. Esa yuxtaposición tenía que ser realizada en la retina del espectador, como se ha comentado anteriormente. 

Modern Chromatics. Libro de Ogden Rood, 1878.

 En este libro Rood,  expone sus principales ideas basadas en Maxwell y Helmholtz, que tanta influencia tuvieron entre los pintores neoimpresionistas, pero también en autores posteriores como Ostwald y Munsell.

Fuentes de esta imágen y de la posterior: Aquí 

Modern Chromatics. Libro de Ogden Rood, 1878. 

Michel Eugène Chevreul. Círculo Cromático (1864) M. C. Chevreul, Des couleurs et leurs applications aux arts industriels. A l‘aide de cercles chromatiques, París 1864

Munsell: "Esfera de Color", 1905

Seurat buscaba la intelectualidad en la creación del cuadro, la geometría, el canon, el análisis preciso, la racionalidad, la objetividad.  Él fue el artífice que hizo posible la disolución gradual de planos de color en partículas cada vez más minúsculas del mismo.(3)

Paul Signac. " La Vela Verde". 1904. 

Signac afirmó:

" Se ha llevado a cabo un intento de obtener la riqueza del espectro lumínico solar con todos sus tonos. Un naranja que combina con el amarillo y el rojo, un violeta que tiende hacia el rojo y el azul, un verde entre el azul y el amarillo son, junto con el blanco, los únicos elementos de los neoimpresionistas. Por medio de la mezcla óptica, de estos colores puros, cuya relación mutua puede variar a voluntad, se puede obtener un número infinito de matices, desde el más brillante hasta el más gris. Cada pincelada que se toma en estado puro de la paleta permanece en estado puro en la tela".( 4).

 Paul Signac: Constantinopla

 Signac continuó la obra de su colega. A las líneas ascendentes, que significan la alegría, corresponden tintas cálidas y tonos claros; con las líneas descendentes, que expresan la tristeza, predominan las tintas frías y los tonos oscuros; un equilibrio más o menos perfecto de tintas cálidas y tintas frías, de tonos pálidos e intensos se añadirá a la calma de las líneas horizontales. (5).

Paul Signac: " Domingo". 1888-90

Paul Signac: " Mujeres en el Pozo". 1890

Paul Signac: " Puerto de Saint Tropez".1899

Paul Signac: " Gran Canal. Venecia". 1905

 Paul Signac: " El Puerto de la Rochelle". 1921.

Tal como afirma Lynton, la técnica divisionista ejerció una gran influencia en la pintura moderna, en parte gracias a la exposición que hizo Signac de las teorías y métodos del neoimpresionismo. La influencia de Seurat fue duradera pudiéndose rastrear a través de Mondrian y del constructivismo. (6)

Además de Seurat y Signac, otros muchos autores, se acercaron en algún momento al Divisionismo o Puntillismo, desde Camille Pissarro y su hijo Lucien, pasando por Van Gogh y Toulouse- Lautrec, así como, posteriormente, lo hicieron Matisse, Derain, Braque y Delaunay hacia 1905, momento en el que se crea el Fauvismo.

 Camille Pisarro

Camille Pissarro: "Recogida de la manzana en Eragni", 1888

Van Gogh: " Autorretrato". 1887-88

Fuente de la imágen: Aquí

Otros representantes de esta tendencia en Bélgica formaron el llamado Círculo de los XX, cuyos máximos expontentes fueron Theo van Rysselberghe, Georges Lemmen o Willy Finch.

Theo van Rysselberghe: Retrato de la mujer de Henry van de Velde, 1921

Georges Lemmen: " Playa en Heist", 1891-92

Willy Finch: " En el Teatro". Antes de 1930.

En Italia, Gaetano Previati, Daniele Ranzoni, Giovanni Segantini y Giusseppe Pelizza de Volpedo  utilizaron también los puntos de color al igual que hizo en Alemania, Christian Rohlfs.

Giovanni Segantini: "Vanidad". 1897

Giusseppe Pelizza de Volpedo

Christian Rohlfs: obra de 1902

Para René Huyghe, el Neoimpresionismo fue un procedimiento y , fundamentalmente, una técnica de transición de lo que quedaba por venir. (7).  Pero eso es otra historia.



Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons, si no ha sido así tenéis el link del que proceden. Haced click sobre ellas para ampliarlas.

En cuanto a las citas y referencias: 

1- Reichold, Klaus y Graf, Bernhard: " Pinturas que cambiaron el mundo". Ed. Electa, 2006
2-VV.AA: " Arte del Siglo XX". Ed. Taschen, 2001
3- Idem.
4- Idem.
5- Huyghe, René: " El Arte y el Hombre". Tomo III. Ed. Planeta,1974.
6- Lynton, Norbert: " Historia del Arte Moderno".Ediciones Destino,1988
7- Huyghe, René: " El Arte y el Hombre". Tomo III. Ed. Planeta, 1974
- Grimme, Karin: "Impresionismo". Ed. Taschen,2008
- El Gran Arte en la Pintura. Editorial Salvat. Volumen V,1985