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miércoles, 21 de julio de 2021

Los Libros de Pasantía y Los Pinjantes Renacentistas

 


En joyería, se denomía Pasantía, al examen de grado que en el gremio de plateros y orfebres, se debía pasar para llegar a ser un maestro. Los " Libros de Pasantía" son volúmenes que conservan los dibujos realizados por los aspirantes que realizaban ante el tribunal de calificación . Tras la creación de la pieza que habían dibujado, el aprendizaje primero y el meritoriaje después, era necesario para entrar en el Gremio. Los más conocidos libros de esta clase son los de Barcelona y fueron estudiados por el Barón de Davillier en el siglo XIX. Estos "Llibres de Passanties" están conservados en el Arxiu Históric de la ciudad y los dibujos más antiguos datan de en torno a 1500. ( 1) Pocas de las piezas creadas en los exámenes han llegado a nuestros días . ( 2) 

Libro del Gremio de Plateros de Valencia, 1713

Fuente

Los Gremios de la Edad Media recogieron el hechizo que hace más de 10 mil años el hombre sintió por las piedras preciosas. Las utilizó  para engalanarse, cada vez menos con aquel tamiz de talismán y objeto mágico como era al principio de los tiempos;  cada vez menos con la pátina ostentosa que marcaba la pertenencia a un grupo o clase y cada vez más, actualmente, por el simple gusto de llevarlas, por su belleza. 



Hay cientos de piedras de color con múltiples características que los gemólogos estudian; cientos de ellas que son extraídas y trabajadas por los lapidarios ( nos ocuparemos de esto en otro momento) . Pero en esta entrada, en concreto, queremos centrarnos en las perlas, sobre todo en las llamadas barrocas y en la creación  de los llamados pinjantes durante el siglo XVI, durante el Renacimiento.  


Sobre las perlas poco tenemos que decir. Se forman en bivalvos de agua salada o de agua dulce , como reacción ante cuerpos extraños que entran entre la concha y el manto . Entonces , el animal excreta nácar , recubriendo los cuerpos extraños que nota, y eso es lo que da lugar a una perla. 



Actualmente , se introduce a propósito el núcleo en el molusco para crear la perla. Los colores son varios. Y varias sus formas: desde las redondas perfectas, a las llamadas gotas, ovales, botones, punta, fantasía o barroca que son de las que nos queremos ocupar hoy. Porque a pesar de no ser adecuadas para la joyería moderna, fueron utilizadas en las joyas renacentistas en collares o en broches en forma de figura o animal de los que el cuerpo era la perla, realizando obras exquisitas y de gran imaginación. Fueron los pinjantes. 





Durante el Renacimiento ( s. XV-XVI) se vuelven a retomar los principios griegos y romanos, se deja atrás la visión teocéntrica del mundo para colocar al hombre por encima de todas las cosas. Es el momento, en el que la joyería utiliza las perlas barrocas, deformes y maravillosas , para, con toda la imaginación del mundo realizar los pinjantes, colgantes de dos cadenas que sostenían seres cuyos cuerpos perlados eran recubiertos por todo tipo de piedras y esmaltes. Se utilizaron hasta la primera mitad del siglo XVII. 




En estos últimos ejemplos los pinjantes están realizados ya no solo con perlas, sino con todo tipo de piedras y de esmaltes. 

Toda la obra gráfica ha sido extraída de páginas que tenéis a los pies de las mismas, pero la mayor parte pertenecen a la siguiente página https://www.messynessychic.com/ en donde encontraréis muchas más extraordinarias piezas así como de esta otra https://www.bizzita.com/

En cuanto a los textos utilizados como referencia citaríamos: 



https://cosas.pe/cultura/- texto de Quiñonez Salpietro, Carolina.

Así como dos artículos en línea consultados el 21/7 / 21

- Muller, Priscilla E: " Joyas en España, 1500-1800". 

- de Dalmases, Nuria: La orfebrería barcelonesa del siglo XVI a través de los " Llibres de Passanties"

sábado, 4 de febrero de 2017

Las Poliédricas Formas de Wenzel Jamnitzer



 “Hay geometría en el zumbido de las cuerdas, hay música en el espaciado de las esferas”, 
Pitágoras 



La principal obra de Jamnitzer ( Viena, 1508-85), autor manierista, se tituló " Perspectiva Corporum Regularium" (2) (1568) y en ella, y con ayuda de Jost Amman, un grabador suizo, mezcló geometría, matemáticas y estudios de perspectiva dando lugar a bellísimas formas poliédricas en tres dimensiones.



Además de la belleza en la realización de estos sólidos, se buscaba plasmar los elementos del cosmos neoplatónico según el cual, la tierra se representaría por el cubo ( hexaedro) , el agua por el icosaedro, el aire por el octaedro , el fuego por la pirámide( tetraedro) y el cosmos por el dodecaedro.




El matemático Luca Pacioli con su "De Divina Proportione" ( 1509) y Leonardo da Vinci  así como Daniel Bárbaro siguieron también estos pasos ya que, para ellos,  el conocimiento de esos sólidos eran necesarios para el que pretendiese saber de cosmología. 



 Retrato de Luca Pacioli

El cuadro anterior ha sido atribuido a Jacopo de'Barbari en 1495  siendo una  atribución controvertida . La mesa está llena de herramientas geométricas: pizarra, tiza, brújula, un modelo de dodecaedro. Un rombicuboctaedro medio lleno de agua está suspendido del techo. Pacioli está demostrando un teorema de Euclides.… La identidad del joven es incierta, pero según distintos autores o bien representaría el "eterno estudiante" instruído por Pacioli mientras que otros afirman que podría representar al propio Durero. (2)



Una obra espectacular

Finalmente nos preguntamos si estas realizaciones no serían una seria influencia en la obra de Escher de quien haremos una reseña en este blog .

 Toda la obra gráfica ha sido extraída de esta página siendo recortada para un mejor visionado. Tenéis en este enlace  toda la obra de Wenzel Jamnitzer: Aquí (2)



En cuanto a la obra de referencia: 
- Kemp, Martin: " La ciencia del arte". Ed. Akal, 2000.

sábado, 14 de mayo de 2016

Vittore Carpaccio Y Lo Narrativo



Vittore Carpaccio: La visión de San Agustín. 
Objetos científicos conviven con objetos sagrados
El detallismo es una de las características más claras 
en la realización de esta obra


Vittore Carpaccio: La partida de los embajadores. 
Importancia en este cuadro de la decoración de mosaicos en mármol policromado
y la resolución de la perspectiva al lado derecho de la creación

El pintor Carpaccio ( Venecia 1460- 1526) se encuadra por cronología en el Renacimiento temprano o Quattrocento. Sin embargo y a pesar de ello, su pintura es tan especial que lo hace único. No en vano, nace en Venecia, ciudad que tanto daría a la Historia del Arte de mano de, por poner solamente  un ejemplo, Tiziano y la valoración del color que tan singular fue en esa escuela. 


Vittore Carpaccio: Martirio y funeral de Santa Úrsula, 1490-96
La columna divide el cuadro en dos: a la izquierda se nos muestra cómo son asesinados por los hunos la Santa y sus compañeros; a la derecha ella es llevada a su sepultura


Vittore Carpaccio: La disputa de San Esteban
Esta obra es una galería de retratos. Observad la pintura a vuestra derecha


Detalle de la obra anterior

Realizó ciclos narrativos para distintas instituciones y palacios. El ciclo de la Vida de Santa Úrsula para el cual trabajó seis o siete años; otro realizado para la escuela de los Esclavonios y otro para la de los Albaneses. 


Carpaccio: Llegada de Santa Úrsula a Colonia
El barco escorzado y el estudio de la perspectiva es muy importante en esta obra
colocando el punto de fuga en al final de las murallas de la ciudad
tomada por los hunos


Carpaccio: El Nacimiento de la Virgen, 1502
para el ciclo de Sata María de los Albaneses 
El hecho tiene lugar en cualquier casa hebrea de Venecia


Carpaccio: Caza en la laguna ( anverso) arriba
Cartas en Trompe l'oeil (reverso) abajo


Ambos cuadros son el anverso y el reverso del mismo. 
El que esté pintado por ambos lados hace pensar que
quizás fuese la puerta de un armario o una pequeña contra-ventana (1)


Carpaccio: San Jorge y el Dragón, 1502-07
 Los habitantes de Silena tenían que aplacar a un terrible dragón dándole una oveja cada día
pero al ser más feroz exigió un ser humano. 
La víctima diaria era elegida por sorteo sin dejar fuera a la familia real, pero un día en que la suerte recayó en la hija del rey, San Jorge, un caballero errante que llegó a la ciudad , fiel al espíritu caballeresco medieval , desafió al dragón y lo hirió mortalmente. 
Nótese, a la izquierda de la obra, la ambientación que hace introducir  a Carpaccio elementos 
orientales, como el paisaje urbano extraño y exótico. (2)


 Vitore Carpaccio: Retrato de Caballero, 1510

"Malo mori queam foedar" ( "Mejor la muerte que el deshonor") aparece escrito a la izquierda en primer plano y los colores que viste el paje del fondo montado a caballo, son los de la Orden caballeresca napolitana del Armiño que está representado bajo el escrito.

 La importancia de este cuadro reside en que está considerado como el primer retrato de cuerpo entero de la pintura italiana  que tendrá una gran trascendencia posteriormente. (3)



Vittore Carpaccio: Dos Cortesanas, 1496-98

Finalmente y como corolario podríamos decir que, en general, las figuras en escorzo, la fastuosidad a la hora de crear a los distintos tipos humanos vistiéndolos a la oriental como se ha dicho más arriba y la importancia de la atmósfera, son otras tantas cuestiones a tener en cuenta en su obra.



La obra gráfica ha sido extraída de varias páginas con el único sentido de dar a conocer la obra de Carpaccio.

En cuanto a la obra de referencia primordial y citas hemos utilizado el catálogo completo, realizado por Peter Humfrey publicado por Akal en 1992.

domingo, 7 de diciembre de 2014

El Manierismo de Parmigianino



Parmigianino: autorrretrato en espejo convexo, 1524

" Cuando faltan las noticias, informa la obra" (1)

Se entiende por Manierismo la tercera de las etapas que forman parte del Renacimiento, tras el Quattrocento o Renacimiento temprano en el siglo XV y el Cinquecento o Pleno Renacimiento en los 20 primeros años del siglo XVI, momento considerado de verdadero esplendor . Una etapa que no siempre fue entendida de forma positiva sino más bien, al contrario, como un momento de crisis con connotaciones anticlásicas. Ese momento, pues,  que lo fue de ruptura, de reacción, de heterodoxia con respecto al Clasicismo puro de las dos primeras décadas del siglo XVI sería marcado con un gran sesgo peyorativo.


Parmigianino: Conversión de San Pablo, 1528

Algunos autores, afirman que Vasari ni mencionó esta fase, otros dicen que sí lo hizo pero dándole esa característica despectiva. Habría que esperar a la segunda mitad del siglo XVII,  a finales del XVIII con Luigi Lanzi y fundamentalmente al S. XX para que el término Manierismo " a la manera o al estilo de" los grandes del Renacimiento fuese sentido como positivo al entender que las características de los artistas adscritos a esta tendencia se acercaron a las vanguardias del siglo XX pues, la búsqueda de nuevas soluciones,  la experimentación y la reacción frente a lo ortodoxo fueron sus características principales.


Parmigianino: Antea, 1524-1527

Así, en el norte de Europa, en Francia, en Inglaterra, en el mundo germánico o en España no faltaron pintores, escultores y arquitectos que trabajaron siguiendo premisas manieristas.


 Lucas Cranach, el Joven: Lucretia, 1538



Jean Cousin el Viejo:  Eva como primera Pandora, 1550


Hans Vredeman de Vries: Capricho Arquitectónico con Figuras, 1568


 Goltzius: Ikarus, 1588


Sofonisba Anguissola:
Retrato de Felipe II de España, 1565


George Gower: Isabel I de Inglaterra en el llamado Armada Portrait, 1588

La entrada de hoy se dedica a Italia, a Parma en concreto y al pintor llamado Parmigianino. Su nombre real fue Francesco Mazzola ( Parma 1503- Cremona, 1540). Marcado desde pequeño por un carácter melancólico y triste, de Parma fue a Roma y de ésta a Bolonia para terminar de nuevo en su ciudad natal en un tour en el que aprendió a pintar observando las obras de los grandes. Retratos,cuadros históricos y mitológicos fueron realizados por encargo al igual que lo fueron los frescos de Santa María della Stacatta que tan caros le salieron. Correggio, Rafael y Miguel Ángel lo inspiraron.


Parmigianino: La Esclava Turca, 1527-1530
Se dice que se llamó así debido a la confusión
que se produce al ver el tocado de la joven. 
Podéis encontrar esta obra con el título de
Retrato de Mujer Joven


Parmigianino: Retrato de Gian Galeazzo Sanvitale, 1529


Parmiginianino: Frescos en el arco del presbiterio en la iglesia
de Santa Maria della Stecatta, 1531- 1539








Frescos en el arco del presbiterio en la iglesia
de Santa Maria della Stecatta, 1531- 1539
Detalles

Y decimos que le resultó caro realizarlos, de hecho, no llegó a terminarlos, porque según Vasari, tenía una pasión enfermiza que destrozó su vida y su obra ( 2). Era la alquimia, aquella disciplina, conectada con el Hermetismo que buscaba transformar cualquier metal en oro o también la vida eterna. Siguiendo de nuevo a Vasari, éste afirma que el pintor se volvió loco y que"malgastó días enteros jugando con carbón, botellas de vidrio y otros disparates semejantes que le hicieron gastar más en un día de lo que ganaba con una semana de trabajo en la Stecatta (...) Los de la cofradía de la Stecatta al advertir que había abandonado la obra totalmente habiéndole pagado más por adelantado, entablaron un pleito contra él (...) Huyó una noche con algunos amigos. Para Vasari, esta obsesión lo hizo transformarse y de " una persona melindrosa y dulce, se transformó en un hombre casi salvaje e irreconocible...(...) cayó víctima de una fiebre alta y una cruel fluxión, que en pocos días le hizo pasar a mejor vida." (3)


Parmigianino: Cupido fabricando el arco, 1531

Sin embargo, otros muchos autores (4) niegan estas afirmaciones de Vasari y no suscriben ese cambio en su vida. Lo que sí es cierto es que la obra fue encargada a Giulio Romano que después de recibir una carta de Parmigianino molesto porque éste había aceptado la continuación, éste se retira y Parmigianino muere cuatro meses más tarde sin haber trabajado más en la Stecatta. 


Parmigianino:
David

Por último diremos que si algo caracteriza a la pintura manierista en general y la pintura de Parmigianino, en particular, es que siguen como decimos, las pautas generales del Manierismo y con ellas la idealización de unas imágenes que van a deformar su canon: de lo natural transitan a unas formas extraordinariamente alargadas. Se habla de formas filiformes que en la Madonna del  " collo lungo" una de las obras más importantes y conocidas del Parmigianino son obvias.


Parmigianino: Madonna del " collo lungo", 1535.

Fijaos en la figura de la virgen y del niño. Ahora contraponedlas con las imágenes que están a nuestra izquierda; ahora, de nuevo, con la imagen de nuestra derecha. Mirad el cuello de la Mujer y mirad la columna que tiene detrás. Mirad los dedos rozando su pecho.Mirad el abigarramiento de las figuras y un cierto horror vacui que colman la mirada a la izquierda del espectador.


Parmigianino:Las bodas místicas de Santa Catalina

Junto a esa asimetría en la composición que provee de un cierto desconcierto al espectador comentaremos por último el uso que los manieristas, y por ende, Parmigianino hacen del color, un uso libre, estridente en sus conexiones y mezclas, que choca, que es ácido, frío y que mueve a la irrealidad a veces.


 Parmigianino: Madonna de la Rosa, 1530

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons: Aquí y Aquí

En cuanto a las citas y obras de referencia: 
1-Aquí.  Pag. 807
2 y 3: Vasari en Wittkower, Rudolf y Margot: " Nacidos bajo el signo de Saturno". Cátedra, Madrid, 1988. Pág. 88-89.
4- Citado en De Hoyos, Antonio: " Homenaje al profesor Juan Torres Fontes".