La Violación de Europa

Martin de Vos, creador manierista ( Ámberes, 1532-1603) 

 Realizado en  1590

Esta es la primera entrada que vamos a realizar teniendo a la mitología en mente para ver cómo a lo largo del tiempo se han ido plasmando en la Historia del Arte y en el ámbito pictórico, todos los mitos y leyendas. No lo hice a propósito al principio, pero esta primera entrada quiero que se refiera a la violación de Europa. Y digo violación porque en español se dice una y otra vez rapto en multitud de lienzos y ya no sólo referido a la escena que nos ocupa, si no a muchas otras, cuando en inglés se utiliza la palabra "rape" que significa tener relaciones sexuales violentas y no consentidas. En otros cuadros se refiere al "secuestro de Europa". 

Mosaico romano antiguo encontrado en una villa que se encuentra entre Pompeya y Herculano

Anónimo siglo XV

Si seguimos a Agustí Bartrá en su diccionario de Mitología dice sobre Europa: 

" Europa ( princesa fenicia de Tiro raptada por Zeus)  fue hija de Agenor y Telefasa. Zeus vio a Europa cuando ésta se encontraba jugando con otras doncellas en la playa de Sidón o de Tiro, y se enamoró de ella. Para acercarse a la doncella, Zeus se transformó en un toro de resplandeciente blancura y cuernos, cortos, lisos y del color de la perla. De esta guisa se mezcla Zeus con la vacada y marcha mugiendo a lo largo de los pastos hasta que se detiene cerca de Europa.

Paolo Veronese ( Verona, 1528-Venecia, 1588): El Secuestro de Europa, 1580

Veronese junto a Tiziano y Tintoretto son los tres grandes pintores venecianos del siglo XVI

 Vía 

 

 Rembrandt( Leiden 1606-Amsterdam 1669): El secuestro de Europa, 1632

Vía

Rembrandt, detalle

 " Al contemplar a un toro tan bello - nos dice Ovidio- la hija de Agenor no osa al principio tocarlo, pero luego le cubre con flores los cuernos. El fuego amoroso de Zeus se contenta de momento con lamerle las manos: más tarde goza con la caricia de la mano femenina. Ella , confiada, se sienta sobre el lomo del bruto, el cual avanza lentamente por la orilla...

Erasmus Quellinus: " La Violación de Europa". 1636-38

 Vía 

Simon Vouet ( Paris 1590-1649): " La Violación de Europa". 1640

Vía

De pronto, se lanza al agua, Europa tiembla, grita, llora, se agarra a los cuernos. Así unidos desaparecen empujados por todos lo vientos...". El toro Zeus y Europa llegaron a Creta, donde se unieron bajo unos plátanos que, en memoria de aquellos amores , tuvieron el privilegio de no perder sus hojas. 

Jacob Jordaens ( Ámberes 1593-1678): " La Violación de Europa" 1615-1616

Pintor flamenco de época barroca

En este cuadro, la escena es totalmente distinta a la posterior , evoca a la Naturaleza y trabaja muy bien los cuerpos femeninos

Jacob Jordaens: En 1643, la violación de Europa la convierte en una escena pastoral 

Vía

Rubens: El Rapto de Europa, boceto

Rubens: " La Violación de Europa" 1628-1629

Esta obra se  encuentra en el Museo del Prado y es una copia exacta del mismo cuadro que realizó  Tiziano en 1562 al que le fue encargado por Felipe II entre 1553 y 1562. Estando Rubens en España Pacheco cuenta que copió todas las obras de Tiziano  de la colección real española, una de las mejores en número y por temática. Copiando a Tiziano utilizó el color y las composiciones , en diagonal, de una manera diferente dando una factura más suelta

 Vía 

Europa dio tres hijos a Zeus: Minos, Sarpedón y Radamante. Zeus hizo tres regalos a Europa: Talos, el robot de bronce, un perro y una jabalina que siempre daba en el blanco. Luego la casó con Asterión , rey de Creta, quien adoptó a los hijos de Zeus. El toro blanco fue convertido en una constelación y colocado entre los signos del Zodíaco". 

François Boucher ( París 1703-1770): " La Violación de Europa" 1747

Representante del Rococó. Elegante al momento de plasmar la alegría de vivir con cierta carga erótica. Colores dorados e imagen cargada de luz diáfana. 

 Vía 

Jean Baptiste Marie Pierre( París, 1714-1789)  " El Secuestro de Europa". 1750

Sucede a Boucher como pintor del rey 

 Vía 

Goya : La Violación de Europa, 1772

Por primera vez, el toro es negro y no blanco. 

Paleta corta en color pero especial en la expresividad

 Vía 

Moreau: " Europa y el Toro" , 1869

Toda la obra gráfica de esta entrada tiene al pie de la misma de dónde procede. 

En cuanto al texto es la entrada que podéis encontrar en el libro : 

- Bartrá, Agustí: "Diccionario de Mitología". Edit Grijalbo, Barcelona, 1985

- Varios: " 1000 obras maestras de la pintura europea del siglo XIII al XIX". Konemann, Barcelona 2000.  

Anglada Camarasa y el Modernismo Pictórico Español

Anglada Camarasa: Sonia de Klamery, 1913

 "(Es un...) Goya ebrio de colores que vive la vida como una feria".

B. Zuckerkandl (1) 

Y eso es así. En su pintura, que no se puede adscribir a ninguna tendencia concreta, más que por cronología y dada su personalísima factura, Anglada juega con el color pero también con la línea que incurva al infinito.

Anglada Camarasa: Flores y Copa, 1889

Hermen Anglada Camarasa ( 1871-1959) comenzó su andadura académica estudiando en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, conocida como la Llotja. Fue discípulo de Modest Urgell y comenzó pintando paisajes y figuras de un "notable narrativismo anecdótico". (2). Sin embargo, pasado el tiempo tendrá una estética propia que lo individualizará en cuanto a que va a  utilizar un cromatismo muy personal que podría entroncarlo con los Nabis.

 Anglada Camarasa: Cuatro apuntes de París

Anglada Camarasa: Jardín de París, 1900

Anglada  Camarasa: El Casino de París, 1900

Muy importante en su devenir artístico fue su ida a París (1897) y sus estudios en la Academia Julien que le dieron la influencia artística de Toulouse-Lautrec pero fundamentalmente, y tal como afirma, Valeriano Bozal de Klimt y Van Dongen,(3), cuestión fácilmente observable en algunas de las telas que creó en ese momento. De igual manera, Gustave Moreau será otra de sus claras influencias. María Blanchard será una de sus discípulas en la Academia Colarossi en París, en la que va a pasar de ser un simple alumno a ser profesor. (4)

Anglada Camarasa: Teatro 1901-1903

Anglada Camarasa: La morfinómana, 1901-1902

Anglada Camarasa: Campos Elíseos, 1904

Danza, música, peinetas y gitanas, mujeres a quienes idealiza ...Todo ello fue protagonista en su obra que fue realizada con una factura muy empastada y muy  art Nouveau. Y ahí se quedó, lo que no es poco. Pero es que nunca le gustaron las llamadas primeras vanguardias, desarrolladas en la primera década del siglo XX. 

Anglada Camarasa: La Novia de Benimanet, 1906

Anglada Camarasa: La Gata Rosa, 1911
 

La figura femenina, el vestido y el almohadón son prolongación uno de otro, inseparables del sofá y del fondo (...) Vestido, sofá y fondo son simultáneamente motivo anecdótico, trama pictórica y marco en el que la fisonomía se presenta. (5)

 Anglada Camarasa: Los Ópalos, 1904

Anglada Camarasa: El Tango de la Corona, 1910

Su obra transita desde una primera etapa de formación, académica como suele ser natural, pasando por el momento en el que pinta, ya en París, escenas nocturnas, de cabarets, fascinado por la utilización de la luz eléctrica. En estas obras el empaste en la pincelada es clara. Posteriormente, en la primera década del siglo XX, su obra, se apega a la tradición regionalista propia de la España de la Restauración ,lo que lo lleva a seguir plasmando a las mujeres para idealizar lo común, lo cotidiano, lo de siempre, pero pintado de una manera diferente. Es el momento en el que es más conocido en Europa.

Anglada Camarasa:  Retrato de Marianne Willumsen - 1911

 Anglada Camarasa: Tórtola Valenciana. 1912
 ¿Influencia aquí de León Bakst?
Parece bastante clara

Anglada Camarasa: Valencia, 1910

Con el estallido de la Guerra Civil española, siendo republicano y masón se va a refugiar en Montserrat antes de la caída de Barcelona para exilarse  posteriormente y vivir en Francia durante 10 años. (6) 

Anglada Camarasa: Granadina, 1914

Anglada Camarasa: Árboles cerca del Monasterio de Montserrat - 1938

Anglada Camarasa: Paisaje, 1938

Anglada Camarasa: Pins de Formentor, 1923

Pero antes, con el estallido de la I Guerra Mundial,  Anglada se retira a Mallorca, y teniendo a Pollença  en la retina, pinta sus paisajes para ya, en los años 30' del siglo XX su obra caiga casi en la abstracción. (7) Una abstracción que se ve  en los fondos que hay que mirar de cerca para observar la pasta y la mezcla de colores. 

Anglada Camarasa: Fons de Mar, 1927-1928

Anglada Camarasa: Gallo de San Pedro, 1949

Finalmente, aquel que junto con Sorolla y Zuloaga había sido lo mejor del panorama español de finales del s. XIX transición al XX, cae en un olvido injustificado.Sirva esta pequeña entrada para reivindicarlo como uno de nuestros pintores más especiales.

Toda la obra gráfica ha sido extraída de :

- Ciudad de la Pintura y

- Vacío es forma, forma es vacío

En cuanto a las obras de referencia y citas han sido las siguientes:

1-( Fontbona, 1981:34) citado en Trabajo definitivo anglada camarasa: Aquí  pág.5



2- Bozal, Valeriano: " Arte del siglo XX en España. Pintura y escultura 1900-1939". Espasa Calpe, Madrid, 1995. ( pag. 56)
3- Ibidem
4-Artículo del periódico El País : aquí
5-Bozal, Valeriano: " Arte del siglo XX en España. Pintura y escultura 1900-1939". Espasa Calpe, Madrid, 1995. ( pag. 58)
6- Periódico El País : Aquí 
7-  Bozal, Valeriano: " Arte del siglo XX en España. Pintura y escultura 1900-1939". Espasa Calpe, Madrid, 1995. ( pag. 58)

El Perverso Erotismo de Gustav Klimt

Gustav Klimt: Mujer con abanico, 1918

" El que quiera saber algo sobre mí.. ( como artista)...deberá observar detenidamente mis cuadros e intentar reconocer en ellos qué soy y qué quiero" (1).

Cuando el "perfect gentlemen" (2) Josef Hoffmann ( 1870-1956), vienés, estrella de la arquitectura del momento,  tímido y reservado, crea el Palacio Stoclet, encargado por el industrial de igual nombre en  Bruselas, y Klimt realiza para el mismo edificio el llamado Friso Stoclet, ambos hacen posible la eclosión, pero sobre todo la afirmación de que crear una, la, obra total que quería llevar a cabo el  Modernismo, era posible. 

Josef Hoffmann: Palacio Stoclet, 1905-11, Bruselas

Fuente

Desde 2009 es considerado por la Unesco

Patrimonio de la Humanidad

Gustav Klimt: Árbol de la Vida, Palacio Stoclet, 1905-1909

Este arte se denominó de distintas maneras según en el país en el que se desarrolló. En Austria fue el estilo Secessión y ahí nació el pintor Gustav Klimt ( 1862- 1918 ). Se ha comentado en otros lugares del blog cómo la Viena de fin del siglo XIX es un hervidero de artistas e intelectuales que dotaron a la ciudad de un ambiente espléndido para crear. Podríamos citar a músicos como Richard Wagner, Schöberg o Mahler; grandes arquitectos, cuyas ideas serían trascendentales para el discurrir de la disciplina como el propio Hoffmann, Otto Wagner o Adolf Loos y, por supuesto, Freud cuyas teorías sentarán las bases de la representación de las mujeres por los estetas de fin de siglo. 

 Gustav Klimt: Judit I, 1901

 Sus cuadros enmarcados por su hermano orfebre

van más allá del bastidor

Gustav Klimt: Palas Atenea, 1898

 Fuente

 Para éstos, la mujer es un ser que arrastra al hombre al mal, es la femme fatal, y Klimt llevado por estas ideas freudianas plasmará, como decimos, a esta Lilith tan querida por los Simbolistas y así pinta a aquella que pintó Aubrey Beardsley, von Stuck o Gustave Moreau  , rememorando las obras de Fernand Khnopff  y llenando sus telas de símbolos femeninos tomados de imágenes oníricas freudianas (3). El hombre apenas tendrá lugar en su obra. 

Gustav Klimt: Shubert al piano, 1899

Gustav Klimt: tres ejemplos de paisajes con distintas cronologías

Pero si  lo anteriormente dicho es cierto, Klimt, hombre tímido, callado y humilde, mostró en su obra  dos momentos distintos de creación, ya que antes de llegar a pintar así a la mujer, en su comienzos y en los retratos y figuras femeninas de encargo, insufló a las féminas, un erotismo refinado y elegante, teniendo como referencia a Ingres o a Matisse. En esta primera etapa sus mujeres son inofensivas, bellas, tranquilas, pintadas con una cierta factura impresionista.

Gustav Klimt: Retrato de Sonja Knips, 1898

 Posteriormente, como decimos y sacudiéndose estas premisas, aparece el otro Klimt, un Klimt capaz de crear mujeres fuertes que se enfrentan al hombre, que son libres y que le granjearán el odio y provocarán el escándalo de una alta burguesía de doble moral que puede soportar ver a una mujer idealizada a la manera clásica y desnuda, pero no a una normal y corriente, sin ropa. Lo criticarán sin compasión. Alguien gritó "horribles", "pornográficas" (4) al ver las figuras de la obra encargada por la Universidad vienesa en la que Klimt debía pintar tres paneles para tres facultades diferentes: la Filosofía, la Jurisprudencia y la Medicina.

 Gustav Klimt: Hygieia ( detalle de Medicina) , 1900-07

Gustav Klimt Filosofía, 1899-1907 ( fotografía)

Gustav Klimt: Jurisprudencia, 1903-1907 ( fotografía)

Pero iconográficamente , en la primera y la segunda, Klimt muestra el desconcierto del hombre moderno frente a un mundo que no comprende, y en la Medicina pinta la enfermedad y la fealdad, lo que produjo un ataque social brutal. No pintó la opinión científica dominante y por ello, estas pinturas, fueron entendidas como una afrenta. (5) Desgraciadamente, nada queda de ellas actualmente, más que dos fotografías en blanco y negro y el esbozo de Hygieia que mostramos aquí, ya que esta obras no sobrevivieron a la II Guerra Mundial, porque puestas a salvo en el palacio Immendorf , fueron quemadas por tropas de las SS en retirada.

Cartel realizado por Gustav Klimt para la primera exposición

de la Secesión Vienesa: Teseo y el Minotauro. 1898.  Su concepto era modernísimo pues

contraponía imagen y texto arriba y abajo

mientras que el centro quedaba en blanco. 

(Antes de la censura)

Klimt, además, será el presidente de la Secesión vienesa creada en 1897, y que junto a cincuenta fundadores se constituyeron en un movimiento opuesto a todo academicismo. Era la Asociación de Artistas Plásticos de Austria. Junto a él estarán los ya citados Hoffmann, Olbrich, Otto Wagner así como Koloman Moser y el checo Mucha. Crearon además una revista mensual de arte denominada "Ver Sacrum" (Primavera Sagrada). El cartel de la  primera exposición lo hizo Klimt y, de nuevo, estalla el escándalo pues "Teseo lleva el traje de los héroes, es decir, ninguno (...)" (6) y finalmente a éste le fueron, sobreimpuestos unos árboles.

Joseph Maria Olbrich: edificio de la Secesión en Viena, 1897-1898

Fuente

Al mismo tiempo, Joseph Maria Olbrich creó un maravilloso edificio de exposiciones para la tendencia,  que coronó con una especie de cúpula suspendida, realizada con miles de hojas de laurel, que se sostenía sobre  cuatro pilares. El edificio era todo simetría. En la primera exposición, convivieron obras de Puvis de Chavannes, de Arnold Böcklin, de Rodin, de Jan Toorop y Fernand Khnopff.

Max Klinger Beethoven, 1902

 Fuente

Pero en la XIV exposición, creada únicamente para mostrar la escultura de Beethoven realizada por Max Klinger, Klimt crea el friso Beethoven que supondrá un viraje y una nueva concepción en su obra. De nuevo, las críticas no se hicieron esperar. Compuesto por tres partes utilizó pintura a la caseína ( se utiliza como aglutinante una proteína de la leche) sobre fondo de escayola, pan de oro, láminas de nácar, y piedras ornamentales coloreadas. (7)

Gustav Klimt: Detalles del friso Beethoven

De nuevo, con la II Guerra Mundial, el edificio será medio derruído hasta que se restaure y la obra permanecerá cerrada al público hasta 1986. De cualquier manera, las críticas que Klimt y los demás autores de la Secession soportaron supuso dos cosas: la primera, que Klimt cae en desgracia y el gobierno no le volverá a hacer ningún encargo más; y segundo, la Secession se deshace: los pesos pesados del movimiento se retiran ( Koloman Moser, Otto Wagner, Hoffmann y el propio Klimt) lo que supone, de hecho, que el movimiento no vuelva a ser lo que era.

El pabellón de la Secession tras los bombardeos

Fuente

Y terminamos, casi como empezamos, con la obra de arte total que Hoffmann y Klimt crearon para los Stoclet. En el palacio, Klimt mezcla en su friso abstracción y figuración. Utiliza más que nunca la ornamentación, lo dorado, lo incurvado, la repetición. Repetición, por ejemplo, del exotismo que supone utilizar el ojo egipcio, mientras presenta a las mujeres hieráticas y distantes.

Gustav Klimt: La Expectación, para el friso Stoclet, 1905-06

Gustav Klimt: El Árbol de la Vida, para el friso Stoclet, 1905-09

Finalmente, comentaremos que Emilie Flöge dieñadora de modas para las burguesas vienesas y compañera de Klimt, disfrutó de la creación por parte de éste de diseños de telas para crear vestidos y otro tipo de creaciones.

Gustav Klimt: retrato de Emilie Flöge, 1902

Gustav Klimt: Adele Bloch-Bauer I, 1907

Gustav Klimt: Adele Bloch-Bauer II, 1912

En los últimos años de su vida, cada vez más el pintor, piensa en la vejez y en la muerte. Va a París y entra en contacto con los Fauvistas y de nuevo, vuelve a pintar mujeres inofensivas, bellas, en estructuras piramidales y grandes influencias del grabado japonés. La guerra terminará, desgraciadamente, con el florecimiento cultural de la Viena fin de siglo que tan excepcional fue para el desarrollo posterior de la vanguardia. 

Gustav Klimt: Dama con Sombrero y Boa, 1909

Gustav Klimt: Retrato de Friederike Maria Beer, 1916

Gustav Klimt: La Vírgen, 1913

Todas las imágenes han sido extraídas de Wikimedia Commons y si no ha sido así, tenéis debajo de donde proceden. 

En cuanto a lass obras de referencia y citas provienen de las siguientes obras: 

- Néret, Gilles: "Klimt", edit. Taschen, 2005

- 1. Idem, pag. 79

- 2. Sarnitz, August: " Hoffmann", Edit, Taschen, pág. 7

- 3 Néret: pág. 21

- 4. Fahr- Bechker, Gabriele: " El Modernismo" h.f. Ullmann, 2008. Pág. 341

-5. Néret: Pág. 22-23

-6. Fahr- Bechker pág. 339

-7. Idem, 342

Interesante la lectura de: 

http://secession.nyarc.org/omeka/beethoven ( en inglés)

Álbum Letras y Artes  

Mi Moleskine Arquitectónico con un texto sobre Olbrich y el Pabellón de la Secesión