lunes, 8 de abril de 2013

Pablo Picasso: 40 Años Después


 Hoy se cumplen cuarenta años desde la muerte del genio de Pablo Picasso, un autor que llevó a cabo una de las grandes rupturas en el mundo del arte contemporáneo cuando en 1907 pinta " Las Señoritas de Avignon". Con él inaugura un período de gran experimentación que fue el Cubismo influyendo sobremanera en multitud de artistas plásticos. Pero Picasso no sólo fue Cubismo. No vamos a desgranar todas las fases por las que pasó su pintura y su obra. Muchos ámbitos, en Internet, distintas páginas y blogs, así como multitud de libros se ocupan de ello. Únicamente quiero dejaros un vídeo realizado técnicamente, desde mi punto de vista, de forma maravillosa, en la que las imágenes de la obra picassiana se suceden al compás de la música del gran Astor Piazzolla. ¡ Qué lo disfrutéis!



Vía http://xosea.wordpress.com/

sábado, 6 de abril de 2013

El Revolucionario Leon Bakst



Leon Bakst: Autorretrato, 1906

Sí, lo fue. Leon Bakst fue un auténtico revolucionario en la producción de decorados y trajes para los ballets rusos, aunque también trabajó como ilustrador de libros, para poder comer, hasta que no alcanzó cierta fama.



Este judio ruso ( Bielorrusia 1866- París 1924), encontró la horma de su zapato con Sergei Diaguilev un hombre singular, visionario y carismático, empresario, fundador de los ballets rusos que supo ver, siendo un adelantado a su tiempo, a artistas sobresalientes con quienes podría llevar a cabo una unión profesional para crear todo aquello que bullía en su mente. Hablamos de ballet.

 Decorados




Leon Bakst: Elisium, 1906






Leon Bakst: Les Femmes de Bonne Humeur


Leon Bakst: Le Dieu Bleu,1911

Diaguilev,  necesitaría una entrada específica pues mucho se le debe, y la tendrá, quizás, en este blog. Sin embargo, me gustaría destacar aquí, únicamente, que no sólo trabajó con nuestro protagonista Leon Baskt sino también con Alexandre Benois y otros autores de vanguardia.



Gente como Braque, Matisse, De Chirico, Picasso, Miró, Juan Gris, Sert, la diseñadora Coco Chanel o escritores como Jean Cocteau. Músicos como Debussy, Ravel, Stravinsky, Satie, Manuel de Falla, Prokófiev, Rimski-Korsakov y coreógrafos como Fokine, relevado por Nijinsky más tarde, pusieron su talento al servicio del empresario.


Sergei Diaguilev a la izquierda sentado junto al genial Igor Stravinsky

Serge Lifar y Alexandra Danilova, mostrando la primera versión de los trajes que realizó Cocó 
Chanel en 1928 en la fotografía inferior. 
En la superior, podemos ver a Sergei Diaguilev, segundo por la izquierda junto a Lifar y otros
bailarines de la compañía a la llegada a Liverpool durante una gira en el mismo año 


De igual manera, dió oportunidades a distintos bailarines que terminarían convirtiéndose en primeras estrellas de la interpretación y de la coreografía: Nijinsky por supuesto, Fokine, ya citado, Balanchine, Ana Pavlova, Karsávina, Nijinska, Massine, Lifar...
 
  


Anna Pavlova




Tamara Karsávina


 Michel Fokine y Vera Fokina, en los papeles de l’esclave doré y Zobéïde, del ballet Schéhérazade (coreografía de Michel Fokine, vestuario de León Bakst, basado en la suite sinfónica Scheherazada, de Nikolái Rimski-Kórsakov). Museo Estatal Central del Teatro A. A. Bajrushin. Moscú. Circa 1914.

Como se ve, lo mejor de lo mejor. 

La estética que se creó a través de la obra de todos estos artistas llegó al gran público que vió y supo que existía una forma diferente de hacer arte:  eran las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX. 


Leon Bakst: Ida Rubistein como Istar, 1924


Leon Bakst: Vestido Moderno, Dione, 1910


Leon Bakst: Le Dieu Bleu, 1911  

Volviendo a León Baskt, diremos que creó los escenarios y los trajes para “Cleopatra”; para el “Espectro de la Rosa” en la que el traje del principal bailarín, en ese momento Nijinsky, debía ser preparado sobre su propio cuerpo antes de cada representación;“Scherezade”; los motivos egipcios para Salomé; los griegos para “La Siesta de un Fauno”; para “Narciso”, para ”Dafnis y Cloe” y los bizantinos para la ópera "Borís Godunov", entre otros. 


 

 Leon Bakst: Traje para Cleopatra



 Leon Bakst: Dibujo y traje sobre el cuerpo de Nijisky en "El Espectro de la Rosa"


 Leon Bakst: Dibujo para Narciso, 1911


 Leon Bakst: Dibujo para Dafnis y Chloe, 1912

Bakst utilizó una explosión de color en cada uno de sus trabajos ( el dado a Scheherazade, por ejemplo, ha pasado a la historia como una de las escenografías más importantes del siglo XX) (1), explosión que mantendría en la plasmación de una gran sensualidad  que junto a la especial querencia por lo oriental hizo que a principios del siglo XX en París, se extendiese la moda, entre la clase alta burguesa, por determinadas decoraciones exóticas que recordaban su forma de trabajar.


Leon Bakst: escenario para el ballet Scheherazade con música de Rimsky-Korsakov, 
 después de 1917 y debajo dibujos para trajes del mismo ballet


 

Además del exotismo que era una rareza en este momento y en este mundo hay que unir en su trabajo la influencia de la corriente simbolista, así como cierta pátina naif y la importancia de la línea que bordeaba los contornos de sus dibujos. 


Leon Bakst: Loiseau de feu para Tamara Karsavina


Leon Bakst: Le Dieu Bleu, la novia, 1911 al igual que la imagen que sigue


Con su mente, su creatividad y el empuje y sostén dado por el gran Diaguilev, Leon Bakst no dejó de crear obras maestras que nos han quedado hoy a través de sus imágenes, bocetos y los propios trajes que han pervivido en el tiempo como recordatorio de una época que fue increíblemente mágica y fértil para las artes y, especialmente, quizás, para la menos conocida o "popular" de ellas: la danza.  Con la obra de Bakst os dejo.






Escenario para el Preludio a la Siesta de un Fauno, con música de Debussy, considerada una de las obras maestras de Bakst


Toda la obra gráfica de esta entrada ha sido extraída de Wikimedia Commons, esta página y esta otra.
En otros casos, el link que lleva a la  imagen está debajo de ella.

En cuanto a la cita y la obra de referencia  me he basado fundamentalmente en el libro de Ana Abad Carlés  "Historia del ballet y la danza moderna"  publicado en Alianza Editorial, excelente libro que recomiendo vivamente para aquellos que estén interesados en el tema. 

Por último, os dejo el enlace de una grabación histórica ( 1965) en la que podréis ver al maestro Igor Stravinsky ( Enlace), ya anciano, dirigiendo a la New Philharmonia Orchestra tocando su propia composición: La Suite el Pájaro de Fuego de 1910. 





jueves, 28 de marzo de 2013

El Flamenco Petrus Christus




Petrus Christus: Retrato de una dama joven, hacia 1470

Giorgio Vasari (1511-1574) que fue el primer historiador del arte italiano nos dice en su libro, "Le vite de più eccellenti architettori, pittori e scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, descritte in lingua toscana da Giorgio Vasari pittore aretino. Con una sua utile e necessaria introduzzione e le arti loro" ( Vidas de los célebres arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestro tiempo, escritas en lengua toscana por Giorgio Vasari, pintor aretino. Con una útil y necesaria introducción) , que fue Jan van Eyck ( 1390-1441) quien descubrió la pintura al óleo. Este descubrimiento no fue baladí y aunque hoy se sabe que esta técnica ya era conocida en la antigüedad, fue en la transición del siglo XIV al XV cuando adquiere de manos de los flamencos una utilización de tal maestría y finura que hizo posible crear obras maravillosas que revolucionarían la pintura. 


Roger Van Der Weyden: Retrato de una mujer, 1460



La pintura al óleo consistía en diluir pigmentos molidos en aceites secantes ( linaza, nuez, adormidera, trementina) lo que permitía lograr una superficie brillante, luminosa con gradaciones tonales que serían propias de las tablas de los Primitivos Flamencos: Van Eyck, ya citado y Roger Van der Weyden.


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449
Puede observarse, en la cinta que está sobre la mesa, la creación de un trampantojo


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449, detalle
En este detalle Petrus Christus hace un guiño a su maestro Van Eyck colocando ese espejo
que nos muestra a dos personajes contemplando la  escena situados en la calle, fuera de la escena principal


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449, detalle
Finura y detallismo absoluto en las piedras preciosas, los anillos, cuentas,
coral y otras joyas 


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449, detalle
Doble retrato de dos futuros esposos que probablemente estén comprando el anillo de compromiso
San Eligio era el patrón de los plateros y joyeros.

Ambos autores marcarán la transición hacia el Renacimiento desde el Gótico no sólo por esta novedad técnica de utilización del óleo si no también por valores formales como el detallismo, la representación naturalista de la realidad y el estudio de la perspectiva lineal, cuestiones que forman parte de la manera de pintar de Christus.


Petrus Christus: La Virgen con el niño, 1460-65
La pared de nuestra derecha, que continúa tras la arcada, no está bien resuelta
sin embargo el desarrollo de la perspectiva lineal es clara.

En la obra de nuestro autor, Petrus Christus ( Baerle hacia 1415- Brujas 1472/73) se rastrean influencias de la obra de van der Weyden y, sobre todo ,de Van Eyck del que se dice que Christus fue discípulo. Nuestro autor firmaba y fechaba sus obras como había hecho el maestro y terminó varias de su autoría que habían quedado incompletas.


Petrus Christus: Retrato de Edouard Grimston, 1446

Sus cuadros, tanto de temática religiosa como profana, están cargados de sencillez y de simplicidad. Geométricos en composición, son delicados y elegantes y en sus retratos, por primera vez, situará las figura en un espacio interior concreto.  


Petrus Christus: Un Donante, 1450.


Petrus Christus: Una donante, 1450


Petrus Christus: Retrato de un monje cartujo, 1446. El monje está en una habitación .
De nuevo, coloca un marco en trampantojo y en el que
¿podéis ver una mosca ?


Toda la obra gráfica ha sido extraída de distintas páginas web fundamentalmente Wikimedia Commons , y Aquí

En cuanto a la obra de referencia: 

Stukenbrock y Töpper: 1000 obras maestras de la pintura europea, del siglo XIII al XIX. Edit. Könemann.

martes, 19 de marzo de 2013

Los Caballitos de Madera de Dick Ket




Para ubicar la obra de este autor tenéis la entrada de Pyke Koch , en este mismo blog, cuyo contexto histórico os llevaría al Realismo Mágico, movimiento en el que ambos autores compartieron una exposición que tenía por objeto mostrar la obra que recogía la denominación que " fue usada por el crítico de arte Franz Roh para describir una pintura que mostraba una realidad alterada y que posteriormente fue utilizada por el venezolano Arturo Uslar- Pietri para describir el trabajo de ciertos escritores latinoamericanos" (1) cuyo mejor y más conocido exponente sería el autor de " Cien años de Soledad", Gabriel García Márquez, entre otros.





El holandés Dick Ket ( 1902-1940) nació con una enfermedad congénita denominada Tetralogía de Fallot que afectaba gravísimamente a su corazón. Además tenía otra patología que malformaba sus dedos y que reflejó claramente en sus retratos. Su frágil salud, lo hizo recluirse en su hogar, en el pequeño mundo que lo rodeaba para poder crear unos muy interesantes lienzos, fundamental y únicamente autorretratos y naturalezas muertas.  





Se dice que sus influencias fueron los Impresionistas al principio de su carrera,  la Nueva Objetividad, el cubismo latente en la obra de Cassandre y finalmente el Realismo Mágico, pasando también por los Primitivos Flamencos, a los que revisitó en la simplicidad de sus cuadros.  







 A mí me ha impresionado de forma clara . Me pregunto el porqué de esa querencia por las marionetas con forma de caballitos de madera...







1- http://arttattler.com/archivedutchrealism.html

Toda la obra gráfica ha sido extraída de diversas páginas a las que remito al pie de las fotografías.