El Psicólogo Artista: El Fotógrafo Philippe Halsman

Autorretrato de Philippe Halsman

"En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible". 

Philippe Halsman (1)

Eso era lo que creía Halsman: que un fotógrafo no sólo era un artista, también un psicólogo, cuyo objetivo no era únicamente mostrar al retratado sino también crear una imagen que mostrase su personalidad (2).

Philippe Halsman: Marilyn Monroe, 1952

Einstein y Winston Churchill; Marlon Brando o la bellísima Elizabeth Taylor, Marilyn Monroe (probablemente fue el fotógrafo que más la retrató a lo largo de su vida) ( 3) o Audrey Hepburn; Louis Armstrong, Woody Allen o el genio Alfred Hitchcock.... Incluso miembros de la realeza como el Duque y la Duquesa de Windsor ( Eduardo y Wallis Simpson) fueron objetivos para la cámara de Philippe Halsman (Riga 1906- Nueva York 1979) quien fotografió a todas estas personas y a muchas más.

Philippe Halsman: Albert Einstein, 1947

Fotografía icónica del genio

Philippe Halsman: Winston Churchill, 1951

Philippe Halsman: Marlon Brando, 1950

Philippe Halsman: Elizabeth Taylor, 1948

Philippe Halsman: Tippi Hedren ( "Los Pájaros" de Alfred
Hitchcock) , 1962

Philippe Halsman: Duque y Duquesa de Windsor, 1956

En 1936 estando en EEUU ( era judio y debió huir debido a los terribles acontecimientos que comenzaban a cernirse sobre Europa) ya era conocido como uno de los grandes fotógrafos de retratos (4)

Philippe Halsman: Louis Armstrong, 1966

Philippe Halsman: Andy Warhol, 1968

Muchas de sus instantáneas se convirtieron en iconos que todavía hoy se siguen reproduciendo, convirtiéndose en un maestro absoluto de la fotografía y obteniendo el record de portadas para la revista Life, habiendo trabajado también para Vogue.

Philippe Halsman con su cámara sobre algunas de sus portadas para Life

Formó parte, además, de la legendaria Agencia Magnun que, fundada en 1947, aglutinó el trabajo de los mejores fotógrafos y reporteros del fotoperiodismo mundial convirtiéndose en un gran referente en esta disciplina.

Philippe Halsman: Alfred Hitchcock, ( Los Pájaros,  1963)

Philippe Halsman:  La bailarina Tony Worth y detrás 

una escenografía creada por Dalí, 1946

Halsman, además, creó el denominado " Jumping style": mandaba saltar a sus retratados. Con el salto, las facciones de sus rostros se contraían, se transformaban; saltando no se puede controlar la expresión de la faz. Y eso es lo que él quería. Mostrar la verdadera esencia de las personas, "sin máscaras", como él afirmaba.

Philippe Halsman: Merce Cunningham y Martha Graham

Philippe Halsman, portada de la revista Life con Marilyn Monroe ( noviembre, 1959)

Philippe Halsman: más ejemplos del Jumping Style con distintos personajes de la farándula y 

del mundo de la política, incluído Richard Nixon, el tercero en la primera fila desde la izquierda

Pero si lo traigo hoy aquí, no solamente es por su novedosa y rompedora propuesta estética, sino y también, por la magnífica colaboración que tuvo con el extravagante y fundamental puntal del Surrealismo Salvador Dalí desde el año 1941,  algo que he conocido gracias a uno de los periódicos más importantes de nuestro país.

Philippe Halsman: Dalí, 1954

 La noticia se refería a la inauguración de una exposición que va a tener lugar en el Museo Reina Sofía el 27 de abril sobre la obra de Dalí y que, procedente del Centro Pompidou, permanecerá en Madrid hasta el 2 de septiembre. En París, ha roto estadísticas de visitantes: ochocientos mil. Todo un record.

Philippe Halsman: Dalí, 1954 

Philippe Halsman: " Voluptas Mors", 1951

 La considerada obra maestra de Halsman muestra a un Salvador Dalí en suspensión al igual que todos los elementos de la fotografía incluyendo gatos, agua y una silla sostenida por alguien a quien no vemos y que está fuera del objetivo de la cámara. Sin trucos, sin montajes. Una absoluta genialidad.

Philippe Halsman: Dalí Atomicus, 1947

Hace referencia a la obra del pintor titulada Leda Atómica y

que se encuentra a la derecha de la fotografía

suspendida con hilos (5)

Philippe Halsman: Dalí y Rino, 1956

 

 Philippe Halsman: Dalí y Rino, 1956

Más tarde ,en 1954, ambos publicaron "Dali's Mustache: a Photographic Interview" en el que el bigote de Dalí, su mayor rasgo distintivo físicamente, se convertía en protagonista.  Halsman dijo al respecto: 

" Ví que el bigote de Dalí le había llegado de repente a las cejas, me di cuenta de que Dalí había saltado al vacío. El gran pintor se había convertido en el gran bigote de nuestros tiempos. Como fotógrafo me di cuenta de mi deber. Encendí el foco y durante tres horas fotografié los detalles y matices de su bigote (...)  (6)

  Philippe Halsman : Dalí

  Philippe Halsman : Dalí

  Philippe Halsman : Dalí, 1946

  Philippe Halsman : Avida Dollars, 1954

  Philippe Halsman: Dalí, 1954

 Surrealismo puro 

Toda la obra gráfica ha sido extraída de estás páginas: Wikimedia Commons, Aquí , Aquí , Aquí y Aquí

En algunos casos, el link al que pertenece la fotografía está debajo de ella. 

En cuanto a las citas y la obra de referencia he utilizado fundamentalmente este texto: 

- Philippe Halsman: Imaginación Superlativa. Minerva Editores, 2011

1- Idem, pág. 8

2- Idem, pág. 56

3- Idem, pág. 73

4- Idem, pág. 11

5- Idem, pág. 45. Podréis leer cómo fue realizada la fotografía Dalí Atómicus mientras que en

6-http://www.analisisfotografia.uji.es/root/analisis/muestras/0029a-Philippe%20Halsman.pdf, Pág. 2, podréis leer un análisis más técnico de la misma fotografía realizada por el Dr. César Fernández Fernández de la Universitat Jaume I de Castellón.

Pablo Picasso: 40 Años Después

 Hoy se cumplen cuarenta años desde la muerte del genio de Pablo Picasso, un autor que llevó a cabo una de las grandes rupturas en el mundo del arte contemporáneo cuando en 1907 pinta " Las Señoritas de Avignon". Con él inaugura un período de gran experimentación que fue el Cubismo influyendo sobremanera en multitud de artistas plásticos. Pero Picasso no sólo fue Cubismo. No vamos a desgranar todas las fases por las que pasó su pintura y su obra. Muchos ámbitos, en Internet, distintas páginas y blogs, así como multitud de libros se ocupan de ello. Únicamente quiero dejaros un vídeo realizado técnicamente, desde mi punto de vista, de forma maravillosa, en la que las imágenes de la obra picassiana se suceden al compás de la música del gran Astor Piazzolla. ¡ Qué lo disfrutéis!

Vía http://xosea.wordpress.com/

El Revolucionario Leon Bakst

Leon Bakst: Autorretrato, 1906

Sí, lo fue. Leon Bakst fue un auténtico revolucionario en la producción de decorados y trajes para los ballets rusos, aunque también trabajó como ilustrador de libros, para poder comer, hasta que no alcanzó cierta fama.

  Valentin Serov: Sergei Diaguilev, 1909

Este judio ruso ( Bielorrusia 1866- París 1924), encontró la horma de su zapato con Sergei Diaguilev un hombre singular, visionario y carismático, empresario, fundador de los ballets rusos que supo ver, siendo un adelantado a su tiempo, a artistas sobresalientes con quienes podría llevar a cabo una unión profesional para crear todo aquello que bullía en su mente. Hablamos de ballet.

 Decorados

 

Leon Bakst: Daphnis et Chloe, 1912

Leon Bakst: Elisium, 1906

Leon Bakst: Les Femmes de Bonne Humeur

Leon Bakst: Le Dieu Bleu,1911

Diaguilev,  necesitaría una entrada específica pues mucho se le debe, y la tendrá, quizás, en este blog. Sin embargo, me gustaría destacar aquí, únicamente, que no sólo trabajó con nuestro protagonista Leon Baskt sino también con Alexandre Benois y otros autores de vanguardia.

Alexandre Benois: decorados para Petrushka, 1911

Gente como Braque, Matisse, De Chirico, Picasso, Miró, Juan Gris, Sert, la diseñadora Coco Chanel o escritores como Jean Cocteau. Músicos como Debussy, Ravel, Stravinsky, Satie, Manuel de Falla, Prokófiev, Rimski-Korsakov y coreógrafos como Fokine, relevado por Nijinsky más tarde, pusieron su talento al servicio del empresario.

Sergei Diaguilev a la izquierda sentado junto al genial Igor Stravinsky

Serge Lifar y Alexandra Danilova, mostrando la primera versión de los trajes que realizó Cocó 
Chanel en 1928 en la fotografía inferior. 
En la superior, podemos ver a Sergei Diaguilev, segundo por la izquierda junto a Lifar y otros
bailarines de la compañía a la llegada a Liverpool durante una gira en el mismo año 

De igual manera, dió oportunidades a distintos bailarines que terminarían convirtiéndose en primeras estrellas de la interpretación y de la coreografía: Nijinsky por supuesto, Fokine, ya citado, Balanchine, Ana Pavlova, Karsávina, Nijinska, Massine, Lifar...
 

  

Anna Pavlova

Tamara Karsávina

 Michel Fokine y Vera Fokina, en los papeles de l’esclave doré y Zobéïde, del ballet Schéhérazade (coreografía de Michel Fokine, vestuario de León Bakst, basado en la suite sinfónica Scheherazada, de Nikolái Rimski-Kórsakov). Museo Estatal Central del Teatro A. A. Bajrushin. Moscú. Circa 1914.

Como se ve, lo mejor de lo mejor. 

La estética que se creó a través de la obra de todos estos artistas llegó al gran público que vió y supo que existía una forma diferente de hacer arte:  eran las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX. 

Leon Bakst: Ida Rubistein como Istar, 1924

Leon Bakst: Vestido Moderno, Dione, 1910

Leon Bakst: Le Dieu Bleu, 1911  

Volviendo a León Baskt, diremos que creó los escenarios y los trajes para “Cleopatra”; para el “Espectro de la Rosa” en la que el traje del principal bailarín, en ese momento Nijinsky, debía ser preparado sobre su propio cuerpo antes de cada representación;“Scherezade”; los motivos egipcios para Salomé; los griegos para “La Siesta de un Fauno”; para “Narciso”, para ”Dafnis y Cloe” y los bizantinos para la ópera "Borís Godunov", entre otros. 

 

 Leon Bakst: Traje para Cleopatra

 Leon Bakst: Dibujo y traje sobre el cuerpo de Nijisky en "El Espectro de la Rosa"

 Leon Bakst: Dibujo para Narciso, 1911

 Leon Bakst: Dibujo para Dafnis y Chloe, 1912

Bakst utilizó una explosión de color en cada uno de sus trabajos ( el dado a Scheherazade, por ejemplo, ha pasado a la historia como una de las escenografías más importantes del siglo XX) (1), explosión que mantendría en la plasmación de una gran sensualidad  que junto a la especial querencia por lo oriental hizo que a principios del siglo XX en París, se extendiese la moda, entre la clase alta burguesa, por determinadas decoraciones exóticas que recordaban su forma de trabajar.

Leon Bakst: escenario para el ballet Scheherazade con música de Rimsky-Korsakov, 

 después de 1917 y debajo dibujos para trajes del mismo ballet

 

Además del exotismo que era una rareza en este momento y en este mundo hay que unir en su trabajo la influencia de la corriente simbolista, así como cierta pátina naif y la importancia de la línea que bordeaba los contornos de sus dibujos. 

Leon Bakst: Loiseau de feu para Tamara Karsavina

Leon Bakst: Le Dieu Bleu, la novia, 1911 al igual que la imagen que sigue

 

Con su mente, su creatividad y el empuje y sostén dado por el gran Diaguilev, Leon Bakst no dejó de crear obras maestras que nos han quedado hoy a través de sus imágenes, bocetos y los propios trajes que han pervivido en el tiempo como recordatorio de una época que fue increíblemente mágica y fértil para las artes y, especialmente, quizás, para la menos conocida o "popular" de ellas: la danza.  Con la obra de Bakst os dejo.

Escenario para el Preludio a la Siesta de un Fauno, con música de Debussy, considerada una de las obras maestras de Bakst

Toda la obra gráfica de esta entrada ha sido extraída de Wikimedia Commons, esta página y esta otra.

En otros casos, el link que lleva a la  imagen está debajo de ella.

En cuanto a la cita y la obra de referencia  me he basado fundamentalmente en el libro de Ana Abad Carlés  "Historia del ballet y la danza moderna"  publicado en Alianza Editorial, excelente libro que recomiendo vivamente para aquellos que estén interesados en el tema. 

Por último, os dejo el enlace de una grabación histórica ( 1965) en la que podréis ver al maestro Igor Stravinsky ( Enlace), ya anciano, dirigiendo a la New Philharmonia Orchestra tocando su propia composición: La Suite el Pájaro de Fuego de 1910.