viernes, 12 de octubre de 2018

Los Paisajes de Oskar Kokoschka



Venice Dogana, 1948

Cuando la mayor parte de nosotros pensamos en la obra de Kokoschka (Pöchlarn, Austria 1886- Montreaux, Suiza 1980) se nos viene a la cabeza su obra más conocida " La novia del viento" en la que quiso registrar su amor por Alma Mahler por quien sintió una pasión enfermiza. De hecho , ella terminó dejándolo por la tortuosidad de su relación. Parece que ello lo marcó para siempre. 


La Novia del Viento, 1914

A pesar de ser un pintor de retratos que finalmente no eran queridos por los retratados dado su fiereza a la hora de captar psicologías,  en esta entrada queremos recoger la serie  de paisajes que realizó tras viajar por Europa, Oriente Medio y el Norte de África.


 Polperro II, 1949


Lyon, 1927




Praga, Nostalgia, 1938




Nueva York, 1966

Nos noquean y encantan porque de nuevo aparece su pincelada empastada con la utilización de un color fauvista, cálido, fuerte, simbólico, irreal.Son telas abigarradas



Londres, 1957

Su obra hay que enmarcarla en la Viena de fines del siglo XIX y principios del XX  bullente de jóvenes artistas e intelectuales. Klimt fue su mentor y él se incorporó a la Wiener Werstätte. 


 Florencia, 1948

Finalmente diremos que tras el ascenso de Hitler en Alemania ( 1933) Kokoschka se va a Londres. Su obra fue considerada como Arte Degenerado por los nazis por lo que muchos de sus cuadros fueron destruidos. Él mismo llegó a  autorretratarse llamándose artista degenerado (1937). 


Autorretrato de un artista degenerado, 1937

Fue un representante muy especial del Expresionismo.


Vista de Constantinopla, 1929

La obra gráfica de esta entrada ha sido recopilada de una búsqueda general de Internet. 

En cuanto a la obra de referencia os citamos dos: 



domingo, 23 de septiembre de 2018

El Preciosismo en el Ilustrador Edmund Dulac



Edmund Dulac ( Toulouse, 1882- Londres 1953) fue,  junto a Arthur Rackham,  uno de los grandes creadores de la Ilustración de libros de cuentos. 




En estos cuatro ejemplos de ilustraciones se observa una diferencia importante en la composición de las mismas: en esta última, y las siguientes, se observa la valoración de la línea y el poco interés por el volumen con la  utilización de colores muy vivos. Son muy contemporáneos. En las demás, la forma de trabajar es distinta. Son dibujos abigarrados y oscuros. 



Representante del Art Nouveau, puso imágenes a las obras de las hermanas Brontë, así como a Las Mil y Una Noches ( 1907) o a La Tempestad de Shakespeare ( 1908). De igual manera, dibujó una obra de Omar Khayyam de 1909, titulada Rubáiyat . En todas estas obras pudo hacerse eco de la querencia que por lo oriental se tenía a principios del siglo XX. 





 A Los Cuentos de Andersen (1911) y a los poemas de Edgard Allan Poe  (1912) también les puso imágenes. En estos últimos se dejaría llevar por el Romanticismo, el Prerrafaelismo y el Simbolismo.




Con la I y la II Guerras Mundiales dejó de lado la ilustración porque el mercado decayó y se decantó, durante la I por realizar retratos a la acuarela y a diseñar sellos y barajas de cartas. Durante la II, diseñó billetes de banco y sellos para la Francia Libre, encargo directo de Charles de Gaulle. 








En el período de Entreguerras, en contacto con el que sería su amigo, W.B. Yeats, trabajó en la creación de decorados y vestuario de obras de teatro, trabajo que se hizo más importante con el fin de la II Guerra Mundial, dirigiendo, incluso obras de teatro. Murió en 1953 de un ataque al corazón. 





Sobre la obra de referencia hemos utilizado la entrada de un blog que podéis visitar para tener una visión más completa de la obra y vida de Dulac: https://elojoenelcielo.com/tag/edmund-dulac/

Sobre la obra gráfica ha sido extraída de https://www.wikiart.org/es/edmund-dulac, en donde encontraréis muchas más obras.

martes, 4 de septiembre de 2018

El Artista Etíope Gedewon



Gedewom Makonnen ( 1939- 1995),  conocido únicamente como Gedewon fue un artista etíope. Clérigo de la Iglesia Ortodoxa Etíope, mayoritaria en el país junto a la religión musulmana,  utilizó su pintura, realizada fundamentalmente con tinta,bolígrafo y lápices sobre papel, como si de talismanes se tratase. Estos dibujos eran utilizados para orar y curar. Su obra bebíó en las mismas fuentes helénicas ( para los griegos todos los negros eran etíopes) como la alquimia árabe y la Cábala hebrea. 



Gedewon denominó a sus dibujos como "talismanes de investigación y estudio". El propósito de su arte era curar el cuerpo y el alma a través de los diseños antiguos y la imaginería y la invocación. Nos resulta fascinante como las líneas se entrelazan sin final e introducen imágenes que recuerdan al imaginario medieval occidental. 



La mayor parte de su obra se centró cronológicamente en los años 90' del siglo XX . Su estética y  los colores utilizados son maravillosos



Toda la obra gráfica ha sido extraída fundamentalmente de esta página: Aquí

En cuanto a la obra de referencia, nuestro texto casi ha sido traducido (del inglés) de la entrada que con motivo de la exposición sobre arte africano tuvo lugar en Houston en 2005 : 

- VV. AA: " African Art Now. Masterpieces from the Jean Pigozzi Collection", Houston, 2005. Pag. 98

domingo, 2 de septiembre de 2018

La Diversidad en la Obra de Dis Berlín



Dis Berlin o Mariano Carrera Blázquez nació en Ciria, Soria, en 1959. Ambos son el mismo. Está considerado como uno de los mayores representantes de la nueva figuración madrileña, comenzando a crear a partir de los años 80' del siglo XX. 



La diversidad en su creación es su máxima ya que no solamente pinta. Utiliza el dibujo , la escultura, la fotografía, el fotomontaje, la cerámica y el collage. Éste último nutrió a algunas películas de Pedro Almodovar ( Kika, 1993), quien, a la larga, se convertiría en uno de los grandes coleccionistas de su obra. 



Nos fascina su calidez a la hora de trabajar su última obra, su imaginario fantástico y surreal que le hace utilizar objetos cotidianos o paisajes planos en los que coloca elementos poco afines con la escena representada. En eso es un neosurrealista que rememora de cierta manera la obra metafísica de De Chirico.



También mostramos otras obras que nos han gustado personalmente y que no han sido realizadas tan cercanamente en el tiempo. Pertenecen a distintos ciclos que el autor utilizó para clasificar su producción y a la que podéis tener acesso en su propia dirección:  Aquí


Esta entrada ha sido realizada únicamente para dar a conocer su obra y las imágenes han sido tomadas de una búsqueda general en Internet.

domingo, 12 de agosto de 2018

Las Chinoiseries de François Boucher



La obra de Françoid Boucher ( París, 1703-1770), se enmarca de lleno en el estilo llamado Rococo. Este estilo significó, libertad, mucho colorido y encanto en el arte. Michael Levey, sin embargo, afirma que fue uno de los estilos más insignificantes de todos los que creó la Historia del Arte y que no podría haber sido, si antes no se hubiese desarrollado el Barroco. Diderot, uno de los creadores de la Enciclopedia junto a d'Alembert,  arremetió sin contemplaciones contra Boucher. 



 Lo acusaba de falta de observación de la naturaleza, de la corrupción de la moral. Era un momento muy importante: el de "Las Luces", el de la Ilustración que puso en jaque a todas las ideas del Antiguo Régimen. Pero Boucher, únicamente seguía las pautas del movimiento Rococó y su gusto por lo asiático . En Francia, donde desarrolla su obra nuestro protagonista, la muerte de Luis XIV en 1715, la aparición en escena de Luis XV y el reinado de Madame de Pompadour marca el momento. El Rococó no buscaba llevar un mensaje religioso, moral o que fuese serio. Todo lo contrario, se buscaba lo decorativo,  el movimiento heredado del Barroco, la sorpresa, lo erótico, lo banal...




Los dos grandes creadores franceses del momento serán  Tiépolo y nuestro protagonista,   Boucher. Centrándonos en él, diremos que su gran mecenas fue Madame de Pompadour,  a cuya muerte , Boucher quedó "huérfano" y fue atacado más, si cabe, por Diderot. Lo que nos interesa recoger en esta pequeña entrada es la realización por su parte de una serie de cuadros basados en Oriente llamados Les Chinoiseries o chinerías.  


Y es que Boucher se estaba haciendo eco de una tendencia que comenzó durante el Barroco y el Rococó y que siguió hasta la contemporaneidad influyendo a distintos artistas a partir de Monet. A partir de ese momento ya no se denominarían Chinoiseries.  Esa tendencia se llamaría Japonismo. Tal como afirma David Almazán Tomás, la Chinoiserie tuvo su origen en el coleccionismo de objetos de lujo chinos ( realizados para la exportación) como la porcelana, los paneles y muebles lacados, los tejidos y los marfiles. Y mientras, en Occidente las cortes impulsaron factorías que imitaran estos objetos chinos.Los palacios se llenaron de piezas chinas y de las chinerías de imitación. 


Monet: La Japonesa, 1875
Ejemplo de Japonismo en el que Monet, retrata a su esposa
vestido con un kimono y con preciosos abanicos que llenan el espacio. 

Boucher fue nombrado Primer Pintor del Rey a partir de 1765 y realizó otro tipo de obras de las que nos ocuparemos en otra entrada.

Toda  la obra gráfica es de François Boucher, excepto la última que es de Monet, es de François Boucher y ha sido extraída de esta página: Aquí 

En cuanto a las obras de referencia hemos utilizado fundamentalmente dos:
- Levey, Michael: "Del Rococó a la Revolución". Ediciones Destino, Barcelona, 1998
- Artículo en línea de : Almazán Tomás, David: " La seducción de Oriente: de la chinoiserie al japonismo".  Revista Artigrama,  Universidad de Zaragoza. Nº 18, 2003. Aquí