martes, 4 de septiembre de 2018

El Artista Etíope Gedewon



Gedewom Makonnen ( 1939- 1995),  conocido únicamente como Gedewon fue un artista etíope. Clérigo de la Iglesia Ortodoxa Etíope, mayoritaria en el país junto a la religión musulmana,  utilizó su pintura, realizada fundamentalmente con tinta,bolígrafo y lápices sobre papel, como si de talismanes se tratase. Estos dibujos eran utilizados para orar y curar. Su obra bebíó en las mismas fuentes helénicas ( para los griegos todos los negros eran etíopes) como la alquimia árabe y la Cábala hebrea. 



Gedewon denominó a sus dibujos como "talismanes de investigación y estudio". El propósito de su arte era curar el cuerpo y el alma a través de los diseños antiguos y la imaginería y la invocación. Nos resulta fascinante como las líneas se entrelazan sin final e introducen imágenes que recuerdan al imaginario medieval occidental. 



La mayor parte de su obra se centró cronológicamente en los años 90' del siglo XX . Su estética y  los colores utilizados son maravillosos



Toda la obra gráfica ha sido extraída fundamentalmente de esta página: Aquí

En cuanto a la obra de referencia, nuestro texto casi ha sido traducido (del inglés) de la entrada que con motivo de la exposición sobre arte africano tuvo lugar en Houston en 2005 : 

- VV. AA: " African Art Now. Masterpieces from the Jean Pigozzi Collection", Houston, 2005. Pag. 98

domingo, 2 de septiembre de 2018

La Diversidad en la Obra de Dis Berlín



Dis Berlin o Mariano Carrera Blázquez nació en Ciria, Soria, en 1959. Ambos son el mismo. Está considerado como uno de los mayores representantes de la nueva figuración madrileña, comenzando a crear a partir de los años 80' del siglo XX. 



La diversidad en su creación es su máxima ya que no solamente pinta. Utiliza el dibujo , la escultura, la fotografía, el fotomontaje, la cerámica y el collage. Éste último nutrió a algunas películas de Pedro Almodovar ( Kika, 1993), quien, a la larga, se convertiría en uno de los grandes coleccionistas de su obra. 



Nos fascina su calidez a la hora de trabajar su última obra, su imaginario fantástico y surreal que le hace utilizar objetos cotidianos o paisajes planos en los que coloca elementos poco afines con la escena representada. En eso es un neosurrealista que rememora de cierta manera la obra metafísica de De Chirico.



También mostramos otras obras que nos han gustado personalmente y que no han sido realizadas tan cercanamente en el tiempo. Pertenecen a distintos ciclos que el autor utilizó para clasificar su producción y a la que podéis tener acesso en su propia dirección:  Aquí


Esta entrada ha sido realizada únicamente para dar a conocer su obra y las imágenes han sido tomadas de una búsqueda general en Internet.

domingo, 12 de agosto de 2018

Las Chinoiseries de François Boucher



La obra de Françoid Boucher ( París, 1703-1770), se enmarca de lleno en el estilo llamado Rococo. Este estilo significó, libertad, mucho colorido y encanto en el arte. Michael Levey, sin embargo, afirma que fue uno de los estilos más insignificantes de todos los que creó la Historia del Arte y que no podría haber sido, si antes no se hubiese desarrollado el Barroco. Diderot, uno de los creadores de la Enciclopedia junto a d'Alembert,  arremetió sin contemplaciones contra Boucher. 



 Lo acusaba de falta de observación de la naturaleza, de la corrupción de la moral. Era un momento muy importante: el de "Las Luces", el de la Ilustración que puso en jaque a todas las ideas del Antiguo Régimen. Pero Boucher, únicamente seguía las pautas del movimiento Rococó y su gusto por lo asiático . En Francia, donde desarrolla su obra nuestro protagonista, la muerte de Luis XIV en 1715, la aparición en escena de Luis XV y el reinado de Madame de Pompadour marca el momento. El Rococó no buscaba llevar un mensaje religioso, moral o que fuese serio. Todo lo contrario, se buscaba lo decorativo,  el movimiento heredado del Barroco, la sorpresa, lo erótico, lo banal...




Los dos grandes creadores franceses del momento serán  Tiépolo y nuestro protagonista,   Boucher. Centrándonos en él, diremos que su gran mecenas fue Madame de Pompadour,  a cuya muerte , Boucher quedó "huérfano" y fue atacado más, si cabe, por Diderot. Lo que nos interesa recoger en esta pequeña entrada es la realización por su parte de una serie de cuadros basados en Oriente llamados Les Chinoiseries o chinerías.  


Y es que Boucher se estaba haciendo eco de una tendencia que comenzó durante el Barroco y el Rococó y que siguió hasta la contemporaneidad influyendo a distintos artistas a partir de Monet. A partir de ese momento ya no se denominarían Chinoiseries.  Esa tendencia se llamaría Japonismo. Tal como afirma David Almazán Tomás, la Chinoiserie tuvo su origen en el coleccionismo de objetos de lujo chinos ( realizados para la exportación) como la porcelana, los paneles y muebles lacados, los tejidos y los marfiles. Y mientras, en Occidente las cortes impulsaron factorías que imitaran estos objetos chinos.Los palacios se llenaron de piezas chinas y de las chinerías de imitación. 


Monet: La Japonesa, 1875
Ejemplo de Japonismo en el que Monet, retrata a su esposa
vestido con un kimono y con preciosos abanicos que llenan el espacio. 

Boucher fue nombrado Primer Pintor del Rey a partir de 1765 y realizó otro tipo de obras de las que nos ocuparemos en otra entrada.

Toda  la obra gráfica es de François Boucher, excepto la última que es de Monet, es de François Boucher y ha sido extraída de esta página: Aquí 

En cuanto a las obras de referencia hemos utilizado fundamentalmente dos:
- Levey, Michael: "Del Rococó a la Revolución". Ediciones Destino, Barcelona, 1998
- Artículo en línea de : Almazán Tomás, David: " La seducción de Oriente: de la chinoiserie al japonismo".  Revista Artigrama,  Universidad de Zaragoza. Nº 18, 2003. Aquí

martes, 7 de agosto de 2018

Louise Te Poele y La Fotografía



Nos ha fascinado el espíritu que las fotografías de esta joven mujer ( 1984, Paises Bajos) es capaz de impregnar en nuestras retinas, rememorando a los maestros holandeses del siglo XVII con sus naturalezas muertas y sus vánitas.




Sólo que ella incorpora materiales contemporáneos, desde neones a plásticos, juega con las texturas, con los colores.  Su página nos muestra varias líneas de trabajo que no hemos querido recoger. Visitadla para conocer más sobre ella. 




Toda la obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda general en Internet y también de esta página: Aquí

Su página web en la que podéis indagar mucho más en su obra es esta: http://www.louisetepoele.nl/site/

Todas las imágenes tienen copyright a su favor y se muestran aquí únicamente para dar a conocer su trabajo.

jueves, 2 de agosto de 2018

Tanagras



Esta figura de Tanagra o " Tanagrina" que se encuentra en el Altes Museum de Berlin, 
lleva en su mano derecha un abanico y luce en  la  cabeza un " tholia" o sombrerito redondo de paja rematado en pico en la parte superior   


Afrodita y Eros

En el último tercio del siglo IV a. C. en Tanagra, una ciudad griega perteneciente a Beocia, comenzaron a realizarse figuritas de terracota que se llamaron de igual modo: tanagras. De Tanagra se expandieron por todo el Mediterráneo y fueron hechas en otros lugares de Grecia. Estamos en la época Helenística del arte griego, su última etapa ( s. III-I a.C)


Estas pequeñas esculturas tuvieron una triple función: fueron utilizadas como ex-votos y enterradas en tumbas ; fueron colocadas en los santuarios como ofrendas a los dioses o en las casas como ofrendas particulares y también se utilizaron como una simple decoración ( 1) Estas figuritas eran fabricadas en arcilla o barro mezclados con agua y arena para obtener una pasta que debía de ser trabajada para llegar a la textura óptima y darle la forma que se quisiese. (2)





Las figuras fueron fundamentalmente representaciones de mujeres en actitudes cotidianas o bien representaciones de seres mitológicos. En el texto que seguimos para realizar esta pequeña entrada y que ha sido escrito por Josefa Almagro, ésta, recoge lo siguiente:


"El escritor viajero Heracleides, cuando hablaba de las jóvenes beocias tanagrinas decía de ellas que eran hermosas y que " su conversación no tenía nada de lo beocio (sinónimo de imbécil para un ateniense) y que su voz estaba llena de modulación y seducciones". ( 3)



Primero, se realizaron a mano y  posteriormente se crearon modelos tan bien realizados que sirvieron como orígenes de copias hechas en serie (4) con moldes que fueron objeto de un comercio muy intenso. Estos moldes sirvieron primero para la parte de delante, luego también para la de atrás y posteriormente y para que la figura no estallase, debido a las altas temperaturas que soportaba al cocerse, se les dejaba un hueco en la espalda. 



 Con una técnica exquisita y una elegancia especial centenares de estas piezas fueron encontradas cuando a partir de 1870 se comenzaron a exhumar muchas tumbas que contenían cientos de estas figurillas. También se supo que en un par de años, ocho o diez mil tumbas fueron saqueadas solo para obtenerlas debido a la gran fama que llegaron a tener y poder cubrir así la demanda.



Pero afortunadamente, las mejores fueron a parar a manos de los grandes coleccionistas de entonces y de los principales museos de Europa de forma que el de Atenas, el de Berlín, el Louvre o el British Museum así como el Hermitage contienen en sus salas, estás fantásticas figuritas femeninas polícromas.

Toda las imágenes han sido extraídas de Wikimedia Commons: Aquí 


En cuanto a la obra de referencia  fundamental se ha obtenido en línea, texto al que se ha seguido fielmente y al que pertenecen las ideas y las citas de esta pequeña entrada. Pertenece a un catálogo realizado  por Josefa Almagro y que podéis consultar para saber más : Aquí. A ese trabajo también pertenecen dos imágenes: la del vaciado y la de la figurita de espaldas.

1- pág. 3
2-pág. 7
3-pág.4
4-pág.8


lunes, 23 de julio de 2018

Wyndham Lewis, Un Esqueleto en el Armario



Así se definía a sí mismo : el esqueleto en el armario de la historia del Arte (1). Y es que Julia Luzán habla de él como un " olvidado en el trastero de la historia". (2)


Y sin embargo, Lewis ( 1882-1957) fue la cabeza visible de la que es considerada la única vanguardia específicamente británica que surge en la primera mitad del siglo XX: el vorticismo.  También fue el director de la revista  BLAST de la que sólo se publicaron dos números: uno en 1914, otro un año más tarde.  Paul Overy afirma que BLAST contenía algunas de las críticas más inteligentes que jamás se hayan escrito sobre el cubismo y el futurismo 


Fue el escritor, Ezra Pound quien  lo denominó Vorticismo, y básicamente fue un estilo basado en la geometría y la abstracción, que quiso ser una reacción contra el movimiento futurista italiano.  En el Vorticismo se puede rastrear la influencia de la fotografía aérea y los descubrimientos de la tecnología, de la ingeniería y la arquitectura.





También se pueden observar conexiones con obras suprematistas . De hecho, El Lissitzky,consideraba la tipografía de la revista Blast tan importante que sostenía que iba a revolucionar el diseño gráfico de los años veinte y treinta del siglo XX.La letra y Blast  fue la última contribución importante de Inglaterra al movimiento moderno en el campo del diseño, precediendo a las innovaciones tipográficas de De Stijl, de la Bauhaus y de diseñadores rusos como Rodchenko o el propio Lissitzky.






No todos los artistas británicos se vincularon al movimiento vorticista, aunque todos expusieron en alguna ocasión con los vorticistas o mantuvieron contacto con ellos. Entre los vorticistas podemos citar además de Lewis y Ezra Pound a Jessica Dismor, Frederick Etchells, Helen Saunders, Dorothy Shakespeare, Lawrence Atkinson,  el escritor TS Eliot, el escultor Jacob Epstein y algunos más.



Este movimiento constituyó una tentativa seria de establecer un estilo moderno que fuese viable en Inglaterra y probablemente hubiera tenido éxito de no haber estallado la guerra.





En este cuadro realizado por William Roberts se muestran a algunos de sus miembros entre ellos Wyndham Lewis en el centro.


De una personalidad arrolladora Lewis, en su autobiografía "Estallidos y Bombardeos" escribió: "Soy artista -si es que eso es una credencial-. Soy novelista, pintor, escultor, filósofo, dibujante, crítico, político, periodista, ensayista, panfletista, todo en uno, como esos hombres del Renacimiento italiano"(3)




Toda la obra gráfica ha sido extraída de una búsqueda general en Internet.

En cuanto a las citas y la obra de referencia : Aquí . 

 -  Stangos, Nikos: "Conceptos de arte moderno". Alianza Forma.