Aubrey Beardsley y la Salomé de Oscar Wilde.

Aubrey Beardsley

En la última reseña que escribí para este blog sobre los Prerrafaelitas, terminaba el pequeño trabajo comentando que muchos fueron los pintores que, una vez agotada la vía abierta por éstos, a comienzos de los años 70' del siglo XIX, se convirtieron en meros imitadores de los Burne-Jones, Rossettis y demás pesos pesados del movimiento. Timothy Hilton salvaba a uno. Era Aubrey Beardsley, un autor que, aún comenzando a trabajar bajo la tutela de un anciano Burne-Jones, que supo ver en él mucho talento, finalmente, desligado ya de su influencia, abrió, por sí mismo, caminos interesantes y diferentes en un momento en el que el arte estaba comenzando a cambiar.

 Aubrey Beardsley: Alí Baba, 1897.

Para René Huyghe, Beardsley ( 1872-1898) constituye el gozne entre el Prerrafaelismo y el Modernismo. Fundamentalmente fue ilustrador (solo realizó un óleo), en una corta vida artística de apenas seis años,  ya que murió de tuberculosis con solo 26.

Aubrey Beardsley: Un capricho, 1894

Le tocó vivir la Inglaterra victoriana de finales del siglo XIX, marcada por una moral encorsetada, constreñida que, una y otra vez, el artista se impuso romper con su forma de vivir y su propio trabajo: fue un dandy como lo era su amigo Wilde. Fue atacado implacablemente por ello y por sus dibujos que fueron considerados obscenos.  Estudió en la Westminster School of Art de Londres, aunque sólo durante un breve período, y por ello, se puede decir que fue autodidacta.

Aubrey Beardsley: Valmont, Portada de " Las amistades peligrosas" de

Choderlos de Laclos, 1896

 Como el azar juega un intenso papel en nuestras vidas, una vez publicada la reseña de los Prerrafaelitas, paseando por las calles de mi ciudad, me topé en una librería con la Salomé de Oscar Wilde, drama bíblico en un acto, que contenía las ilustraciones de Beardsley y cuya traducción ( del original francés de 1892 y editado un año más tarde) corría a cargo de Rafael Cansinos Assens, escritor ultraísta español, políglota, íntimo amigo y colaborador de Borges y muy admirado por éste.

Fuente de la imágen: Aquí.

Además, en este libro, realizado por la editorial "Libros del Zorro Rojo" , se incluye un artículo del albacea de Wilde, Robert Ross, el cartel de la primera representación de la obra en Inglaterra en 1905 y el programa de la ópera de Richard Strauss estrenada en Alemania ese mismo año. 

Portada

 El Climax

Juan y Salomé

La obra está hoy en mi biblioteca por todo ello y, también , porque incorpora todas las ilustraciones que Aubrey pintó, sin censura, incluyendo cuatro que no estaban ni en la primera ni en ediciones posteriores y porque, finalmente, esta obra se encuentra entre las mejores y más personales del ilustrador. 

Los ojos de Herodes

Entra Herodías

La Danza del Vientre

 En todas sus imágenes, se observa la influencia estilística de la estampa japonesa que tanto influjo tuvo en los Impresionistas y, también, la del que fue su primer maestro: el prerrafaelita Burne-Jones. Sus dibujos eran hechos sin boceto previo, en  blanco y negro, realizando modificaciones a lápiz antes de fijar la tinta china. El resultado fue siempre elegante, maravilloso en su simplicidad de líneas incurvadas, sin uso de sombras, espacio, y sin ,apenas, proporciones fijas.

La Capa Negra para Salomé de Wilde

El personaje de Salomé ha sido revisitado una y otra vez en el mundo de la música, del cine, y en el mundo del arte desde el siglo XI. Fue protagonista de cuadros de Boticelli, de Lucas Cranach, de Lippi, de Van der Weyden, de Caravaggio, de Rubens, de Reni... 

Roger Van der Weyden: Decapitación de San Juan Bautista, 1446-1453

Sandro Boticelli: Salomé con la cabeza de San Juan

el Bautista. Cerca de 1488.

Fra Filippo Lippi: El Banquete de Herodes, 1452-1469

Lucas Cranach: Salomé, 1530

Michelangelo Merisi di Caravaggio: Salomé con la cabeza de 

San Juan Bautista, 1607

 Rubens: La Fiesta de Herodes, primera mitad del S. XVII

Guido Reni: Salomé con la cabeza de San Juan Bautista, 1630-1635

Pero no será hasta el siglo XIX cuando Salomé será representada, realmente, como la mujer funesta y letal que arrastra con su maldad al hombre, la "femme fatale" que tanto gustó recrear a los Simbolistas y pintores de fin de siglo.  Uno de ellos, quizás, el que más reprodujo esa iconografía, fue Gustave Moreau, de quien tenéis una entrada en este blog. Repitió a una Salomé danzante o a la que observa la cabeza del Bautista suspendida en el aire, aureolada y mirándola fijamente. 

Gustave Moreau: La Aparición.

Huysmans figura crucial del movimiento literario simbolista la citaba, en su obra " À rebours" como la "danzarina (...) asesina de refinada grandeza", " la Belleza maldita (....), " la Bestia monstruosa, indiferente , irresponsable, insensible, que envenena, lo mismo que la Helena antigua, cuanto se aproxima a ella, cuanto la ve, cuanto ella toca". (1)

 Frank von Stuck: Salomé, 1906

También, y más contemporáneamente, su iconografía estará presente en obras de Henry Lévy, Odilon Redon, Franz von Stuck, G. A. Mossa , Lovis Corinth, Lévy-Dhurmer , George Privat Livemont, Franz von Bayros y otros muchos.

Odilon Redon: Salomé.

Gustave Adolphe Mossa: Salomé

Fuente de la Imágen: Aquí.

Lovis Corinth: Salomé, 1900

Fuente de la imágen: Aquí

Lucien Lévy-Dhurmer: Salomé, 1896. Pastel.

Fuente de la imágen: Aquí.

George Privat Livemont: Salomé. 1900-1910

Salomé no es citada en la Biblia. Lo es su madre, Herodías, que tiene a su hija tras el matrimonio con su tío Herodes Filipo. Posteriormente se casa con el hermano de éste, Herodes Antipas, por lo que es severamente juzgada por Juan el Bautista. Es ella quien, por esta razón, una vez preguntada por su hija qué debe pedir como regalo al tetrarca de Judea tras haber danzado para él, le susurra que pida la cabeza de Jokanaan, el profeta (Mc 6,24). ( 2)

Paul Delaroche: Herodías, 1843

Oscar Wilde, sin embargo, omite este hecho y pone en los labios de Salomé la petición de la muerte del Bautista ya que, enamorada de él, éste la rechaza. La obra de Wilde se ocupa de las pasiones humanas, del deseo, del odio,del despecho, de los celos, de la locura........Una locura que hace que Salomé bese los labios de su amado una vez muerto que la llevará al mismo destino cuando Herodes da la orden de matarla.

Aubrey Beardsley: Colofón a la Salomé de Oscar Wilde.

Especialmente bello, para mí, es el pasaje en el que Herodes Antipas, desgrana todo lo que le puede dar a Salomé si ella renuncia a la muerte del profeta.

Volviendo a Beardsley, también ilustró, antes que la Salomé de Wilde,  "La Muerte del Rey Arturo" de Sir Thomas Malory , obra muy querida por los Prerrafaelitas, y por ende, por Ruskin y quizás, es el trabajo en dónde mejor se observa la influencia de  la estética del movimiento. 

 La Muerte del Rey Arturo

 

También se ocupó de ilustrar " The Works of Edgard Allan Poe" y realizó las imágenes eróticas de "Lisístrata"  de Aristófanes, que en su lecho de muerte, pidió a su editor que fueran destruídas, cosa que no hizo.

Edgar Allan Poe

La Muerte de la Máscara Roja, para los cuentos

de Poe.

Beardsley: Lisístrata

Además también trabajó para de "The Yellow Book", una original revista que reunió a lo mejor de los creadores del momento. Anatole France, Walter Raleigh, H.G. Wells, W.B. Yeats, entre otros, publicaron sus composiciones en ella. La revista fue criticada severamente, sin piedad, por su diseño en general, desde la cubierta,su color, las ilustraciones de Beardsley, e incluso, por la caligrafía empleada. Aubrey trabajó en ella los cuatro primeros números y para Hearst, cuando fue despedido, la revista sufrió una pérdida irreparable y lo fue, no sólo por las críticas sobre un trabajo considerado obsceno, sino también porque coincidió con el momento en el que se le hace el juicio a Oscar Wilde por sodomía siendo condenado a dos años de trabajos forzados.

Fuente de la Imágen: Aquí.

Su respuesta fue trabajar en una nueva revista, The Savoy, dirigida por Leonard Smithers en donde publicó sus propias obras, ensayos en prosa y en verso, aún estando ya muy enfermo. En ella se pudo leer " Under the Hill" y, de nuevo, la revista fue la fuente en la que  se dieron a conocer los trabajos de intelectuales de la talla de Mallarmé, Joseph Conrad, Bernard Shaw, Paul Verlaine o W. B. Yeats, así como obras de Rossetti, Whistler o William Blake.  

 Beardsley: Ilustración para The Savoy

La modernidad de Bearsdley es indiscutible y su influencia en el Art Nouveau y en determinados ilustradores y cartelistas posteriores es indudable. Para Hearst, Beardsley llevó el arte del " Black and White" más lejos que cualquier otro grabador desde Durero. Muchos fueron los que aseguraron que tras su muerte su arte sería olvidado. Nada más lejos de la verdad.  La senda abierta por este joven creador fue seguida por otros. Su fama no sólo fue incrementada en Inglaterra, también lo fue en América, Francia, Bélgica, Rusia, Holanda y sobre todo en Alemania en donde la demanda de los libros ilustrados por él se aumentó espectacularmente. A las críticas que distintos medios, entre ellos The Times,  le hacían, Beardsley siempre contestó con cortesía y humor.

Sigfrido

Por último, os comentaré que puso las imágenes a la obra " The Rape of the Lock" escrita por Alexander Pope con un estilo más recargado y barroco, " The Pierrot of the Minute" fantasía en un acto de Ernest Dowson y "Ben Ionson, his Volpone: or the Fox" de su albacea Robert Ross.

The Rape of the Lock de Alexander Pope

The Rape Of The Lock de Alexander Pope

Fuente de la imágen: Aquí

Fuente de la imágen: Aquí

Finalmente os diré que la Salomé de Wilde ilustrada por Bearsdley es un libro que os recomiendo vivamente. Es un pequeño gran lujo que os llevará apenas una hora leer y que impregnará vuestras retinas de algo verdaderamente enriquecedor y valioso.

Firma de Beardsley

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons. Si no ha sido así , tenéis al pie de las fotos  los links de las páginas de las que proceden. Haced click en ellas para agrandarlas. 

En cuanto a las obras de referencia y citas:

1: Castelló- Joubert, Valeria: " La ficcionalización de la crítica de Arte. La obra de Gustave Moreau en  Rebours de Joris- Karl Huysmans".Boletín de Estética, Año III, / julio 2008. 

2: Browning, W.R.F: "Diccionario de la Biblia". Ediciones Folio, 2006.

- Bornay, Erika: "Las Hijas de Lilith". Ensayos de Arte Cátedra, 1990.

- Lucie-Smith, Edward: " El arte de los Simbolistas". Ediciones Destino, 1991

-Hilton, Timothy: " Los Prerrafaelitas". Ediciones Destino, 1993

-Hearst, W. R: "Aubrey Beardsley and the Yellow Book". En inglés. Interesante libro que podéis leer en línea escrito por Hearst en donde encontraréis cartas de Bearsdley en contestación a críticas en diversos periódicos, imágenes de su obra y todo tipo de reflexiones que hemos utilizado 

http://www.archive.org/stream/aubreybeardsleyy00hearrich#page/n0/mode/2up 

http://www.archive.org/details/aubreybeardsleyy00hearrich

- Huyghe, René: "El Arte y el Hombre". Editorial Planeta, 1974.

- Wilde, Oscar: "Salomé". Ediciones del Zorro Rojo. 2011

El mundo de los Prerrafaelitas.

"Yo contemplo los cuadros de Rossetti, de Burne Jones y quedo admirado de que estos talentos, tan poderosos y al mismo tiempo tan sensibles, buscasen su inspiración en el pasado. ¿ Por qué no querían o no podían aproximarse a la vida contemporánea? porque en la sociedad actual la vida se ha hecho estrecha, incolora y deslucida (...). Tal forma de vida apenas deja un resquicio para los poetas quienes se ven obligados a buscar la belleza en el comentario del pasado. No existe ni un presente estimulante ni un futuro luminoso y ello les obliga a dedicarse al lejano pasado. La miseria de los intelectuales procede de su soledad, de verse marginados en la vida".

Máximo Gorki. (1)

 John Ruskin ( izq.) y Dante Gabriel Rossetti, 1863

Contexto:

La ubicación cronológica de este texto es el siglo XIX que, como ya se ha comentado en otro lugar de este blog hablando del Simbolismo, es un siglo de convulsiones, de revoluciones burguesas, de campesinos y trabajadores que se rebelan contra la Revolución Industrial y las prácticas capitalistas que los sumen en la pobreza. Esta situación que es general, se muestra más clara en Inglaterra, que en este momento, es el país más industrializado de Europa. 

En ese mismo país, y desde un punto de vista artístico, el mundo de la creación estaba bajo la influencia absoluta de la Royal Academy of Arts, creada en tiempos de Jorge III ( 1768) y de la que Sir Joshua Reynolds fue presidente. Los gustos de la aristocracia y alta burguesía estaban mediatizados directamente por la estética de esta Academia, en la que los jóvenes artistas se instruían en las Bellas Artes siendo, casi, el único lugar donde un aspirante a pintor podía aprender, primero, dibujando vaciados de estatuas de la Antiguedad griega y romana, luego, copiando a los grandes maestros, fundamentalmente a Rafael y Miguel Ángel, para, posteriormente, tener acceso a copias de la pintura real y modelos del natural.

Royal Academy of Arts, Londres

Un grupo de jóvenes que estaban aprendiendo a pintar en esta institución, comienzan a poner en entredicho esta forma de enseñar. Es más, pensaron que a partir de Rafael el arte se había corrompido y rechazaron todo el arte posterior a éste. Pensaron que había que volver los ojos a la Naturaleza.

Deuda Literaria:

Buscaron la regeneración en la literatura, retomando la idea de Horacio de " Ut pictura poesis", es decir, la teoría de que la pintura y la literatura son artes hermanas con una misma y única función. Se empapan de la poesía épica del rey Arturo de Thomas Malory, de la obra de Chaucer, de Dante, de Shakespeare, pero también de literatos contemporáneos caídos en el olvido como John Keats, Tennyson, Coleridge o Carlyle. (2). 

Creación de la Hermandad y autores:

En el verano de 1848, tres de estos jóvenes, William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti crean la llamada Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood- sus cuadros serán firmados con las siglas P.R.B), a quienes se unirán posteriormente, James Collinson, William Michael Rossetti, hermano de Dante y futuro hombre de confianza de la Hermandad, Frederick Stephens y el escultor Thomas Woolner.

Como seguidores o admiradores, pero no asociados a la Hermandad, es necesario citar también a Ford Madox Brown, William Dyce, Arthur Hughes, William Lindsay Windus, pintor cercano a Rossetti, Henry Wallis de temperamento atormentado, Walter H. Deerell y Robert B. Martineau.

Ford Madox Brown: The Last of England, 1852-55

William Dyce: Paolo y Francesca, 1845

Arthur Hughes: Ofelia ( segunda versión), 1863-64

William Lindsay Windus: Demasiado tarde, 1858

Henry Wallis: La muerte de Chatterton, 1856

John Ruskin:

Para Timothy Hilton, la historia del movimiento, sin embargo, no empezó con ellos, sino con la trayectoria de su más ilustre adherido, John Ruskin, cuyas enseñanzas seguían al pie de la letra y quien fue su mayor defensor. Según Ruskin, el academicismo y el costumbrismo burgués tenía que ser dejado de lado. El esteticismo en el arte, la búsqueda de la belleza per se debía de ser plasmada. Él hablaba de la necesidad de un "renacimiento inglés" de la pintura ( idea que encontramos también en Oscar Wilde) tomando a Constable y Turner como ideales. Para Hilton, John Ruskin,  fue el mayor crítico de arte de Inglaterra, el mayor de sus grandes victorianos, el más sagaz de sus eruditos y el más vigoroso y original pensador del siglo XIX. (3)

John Ruskin, 1869

Nacido en 1819, en una familia burguesa, Ruskin nunca fue al colegio, recibió una educación intensa y excéntrica para los cánones de la época por parte de sus padres y tutores, dándosele a través de una austera religiosidad, un sentido inflexible de la moral. Sus autores preferidos fueron sir Walter Scott de quien tomó su medievalismo romántico, William Worsworth y su plasmación de la belleza natural y por último,como se ha comentado, Turner, de quien heredó la pasión por la capacidad del hombre para reproducir e interpretar el mundo a través del arte de la pintura. 

John Ruskin: Vista de Amalfi, 1844

Desde un punto de vista estilístico, los cuadros de los artistas Prerrafaelitas, no tienen un denominador común, no se asemejan entre sí en absoluto, sus miembros eran radicalmente individualistas y por ello el prerrafaelismo es difícil de definir.¿ Qué podrían tener en común estos cuadros que os muestro?

Dante Gabriel Rossetti: Proserpina, 1874

William Holman Hunt: El Chivo Expiatorio, 1854

John Everett Millais: El Husar Negro, 1860

Principios :

 William Michael Rossettti expresará, en nombre de la Hermandad, los siguientes principios que constituirán el manifiesto de la agrupación:

1- Tener ideas genuinas que expresar
2- Conocer perfectamente la naturaleza así como los medios de reproducirla y expresarla adecuadamente.
3- Simpatizar con lo que es directo y serio, lo saludable del arte antiguo, excluyendo lo convencional.
4- Producir en hermandad amistosa buenas pinturas.

En el ámbito ideológico, los prerrafaelitas eran anticapitalistas, antiimperialistas; lanzaban un mensaje de solidaridad hacia los necesitados ( bebían directamente de las fuentes evangélicas y bíblicas), retomaron el espíritu caballeresco rechazando las desigualdades e injusticias de la vida moderna. Quizás fue esta idea la que los llevaría a crear, bajo el impulso de Ruskin, la llamada " Escuela Obrera de Londres", de la que hablaremos más tarde.

Influencia de la corriente de los Nazarenos alemanes: 

Los Prerrafaelitas se sintieron influidos por la pintura de los Nazarenos de principios del Siglo XIX, un grupo de alemanes expatriados que, en Roma, encerrados en un monasterio, intentaban regenerar su arte nacional basándose en el ámbito religioso y teniendo los ojos puestos en la vida monástica y el trabajo artístico realizado en comunidad. 

Se inspiraban en las obras de Durero y los lienzos de los Quattrocentistas italianos, del Perugino, principalmente. Sus temas los extrajeron de las leyendas y cantos populares, del folklore nacional así como de los textos sacros, queriendo recuperar la espiritualidad cristiana de la Edad Media, su lenguaje ingenuo y sencillo. Sus principales representantes fueron Peter Cornelius y Friedrich Overbeck en cuyas pinturas el dibujo se convierte en algo básico siendo el color secundario en unas composiciones un tanto hieráticas que buscaban más el impacto emocional. (4)

Friedrich Overbeck: Sulamita y María, 1811-1828

Características de los Prerrafaelitas: 

Similares objetivos iban a tener los prerrafaelitas en sus inicios( aunque con una mayor calidad formal) y sus características fueron las siguientes:

- La vuelta a los maestros italianos del Quattrocento.

- La minuciosidad en el tratamiento de la Naturaleza, con una técnica fresca y directa de la que carecía la pintura académica convencional.

- Un realismo detallista.
- Se basaron en las leyendas y tradiciones artísticas populares.

- En el siglo del progreso y del maquinismo, pretendían volver a un arte de la alegoría con una intencionalidad moral y religiosa. 

En 1848, la Hermandad Prerrafaelita celebró su asamblea inicial. Se denominaron Hermandad porque así lo quiso Rossetti, y Prerrafaelita porque estando en la Royal Academy , un día Rossetti y Millais criticaron la Transfiguración de Rafael y un condiscípulo les dijo " entonces vosotros sois prerrafaelitas" y entre risas ambos aceptaron el calificativo.

Críticas y creación de la revista The Germ:

Al comienzo de la creación de sus obras, éstas no fueron criticadas. Esta confianza hizo que Rossetti empezase su trayectoria como poeta escribiendo en una revista creada por ellos, un hito importante, porque suponía la aparición de la publicación propia de un grupo de pintores de vanguardia ( en aquel momento). La revista se tituló The Germ ( El Embrión) y sólo salieron tres números. Fue una vida corta marcada siempre por discusiones por los impresores y por la falta de ventas. Todo esto impidió que saliese el cuarto número.

Portada de la revista The Germ, en cuyo primer número aparece

 un aguafuerte de Holman Hunt. (5)

En este momento, la Hermandad ya era muy conocida en los círculos intelectuales ingleses, y los ataques hacia su pintura comienzan, cuando la prensa descubre la existencia de esta sociedad semisecreta.  Desde la revista The Illustrated London News critican irónicamente "una pintura relamida y sosa, que deja de lado las escuelas medievales italianas, los Rafaeles, Guidos y Tizianos y otros pintorcillos así de poca monta".

También recibieron críticas de "The Times" cuando el cuadro "Cristo en casa de sus padres" de Millais fue expuesto: " El cuadro es sencillamente repelente", "es una atrocidad sin nombre, en la que no hay ni gusto, ni dibujo, ni expresión, ni genio". Incluso Dickens criticó furibundamente la obra prerrafaelita, una obra que trataba a la Sagrada Familia como gente del común. (6).

 John Everett Millais: Cristo en casa de sus padres, 1850

Técnica:

Además de criticar su obra debido a su ruptura con los convencionalismos, también fue criticada la técnica de ejecución, ya que se pensaba que daba uniformidad a la pintura y a la luz. Derivada del fresco, la técnica consistía en  trazar el dibujo en el lienzo aplicando encima una fina capa de pigmento blanco en la que el dibujo tenía que quedar visible. Posteriormente, y muy meticulosamente, se aplicaba la pintura; esto daba brillantez y luminosidad al color además de proveer de una gran minuciosidad y detallismo a la pintura. En este sentido, se dejaba de lado el colorido oscuro de la pintura inglesa tradicional. (7).

John Everett Millais: Isabella, 1849

John Everett Millais: Isabella, detalle, 1849

Disgregación del grupo y puesta en marcha de la Escuela Obrera de Londres: 

Llegado el momento en el que la Hermandad se disgrega, entre 1854 y 1860, se lleva a cabo un experimento pedagógico en la llamada " Escuela Obrera de Londres", en la que, mueblistas, joyeros, orfebres, delineantes, litógrafos, grabadores, encuadernadores y gentes de oficios similares, asistían a clases para aprender dibujo. 

La escuela había sido fundada por el socialcristiano D.D. Maurice en 1854 y Ruskin fue uno de sus profesores poniendo en práctica una nueva manera de enseñar. Ruskin afirmaba que "iba a enseñar una sola y misma cosa a todos: la Vista. Para él : " toda la posibilidad técnica de pintar depende de la recuperación de lo que puede llamarse la inocencia del ojo (...), cierta percepción infantil (...), como vería un ciego si repentinamente tuviera el don de la vista". (8). 

Los obreros no aprenderían diseño comercial, ni dibujo, ni pintura de paisaje, ni diseño, delineación o dibujo matemático. Lo que aprenderían sería a ser prerrafaelitas, tal como Ruskin predijo.

Ruskin animaba a sus alumnos a que cuando deseasen pintar un paisaje, lo visionasen por partes mediante una cartulina blanca con un agujero en el centro, mezclando los colores inmediatamente para igualarlos lo más posible al tono que se veía. Se aplicaban unas suaves pinceladas en la cartulina y se reproducía exactamente ese tono en el cuadro real. Además, esta teoría del color iba acompañada de la insistencia en la habilidad para dibujar, utilizando para ello las hojas, flores, hierbas y plumas que diariamente se llevaban al aula además de las salídas que frecuentemente hacían al campo para dibujar del natural. El método, pues, era riguroso.

William Holman Hunt: Nuestras costas inglesas, 1852.

Para Ruskin este cuadro supuso una innovación capital

en la historia del color.

Las dos vías del Prerrafaelismo:

Rossetti, también dió clases en la Escuela, aunque, como no se lo tomó muy en serio, fue sustituído por Ford Madox Brown. Existió un fuerte contraste entre las enseñanzas de Ruskin y las de Rossetti que, finalmente, se convertirían en dos tendencias opuestas de entender el Prerrafaelismo y el arte decimonónico inglés: a lo real, se opuso lo ideal, al detalle, la intuición, a lo natural, lo etéreo; del naturalismo se pasó al simbolismo.

Creación de la Segunda Hermandad: William Morris y las Arts and Crafts y Edward Burne- Jones.

Es entonces, cuando Rossetti crea una Segunda Hermandad, cuando en 1856, conoce en Oxford a William Morris y Edward Burne Jones, admiradores también de Ruskin, reuniéndose para llevar a cabo el proyecto de decoración de la Oxford Union que nunca llevarían a término.

Burne Jones ( izq) y William Morris, 1890

Sin William Morris, no se puede entender el movimiento de las Arts & Crafts ( Artes y Oficios), que marcaría todo el diseño de finales del XIX, alcanzando su momento de esplendor entre 1880 y 1910. Poeta, novelista, diseñador, científico, ideólogo socialista y muy crítico con la sociedad victoriana, entendía el diseño de todo tipo de muebles, tapices, vidrieras, tejidos a través de la sencillez, de la artesanía y la calidad. Se reivindicaban los oficios medievales frente a la producción en serie. Estas ideas serán el antecedente de todo el diseño moderno y funcional posterior. Su característica principal fue el uso de las líneas serpenteantes y la asimetría en la decoración, utilizando la serialización en papeles pintados, en telas de algodón para realizar tapices y vidrieras artísticas y creará una firma Morris, Marshall, Faulkner & Co., en la que participará Rossetti.

Diseño de William Morris

Diseño de William Morris

Prototipo de mujer prerrafaelita: 

Por pura casualidad, una noche de teatro, Burne-Jones y Rossetti, conocieron a dos jovenes, una de las cuales, Jane Burden, llegaría a convertirse en el prototipo de la belleza prerrafaelita: serán mujeres de una belleza particular, como señala Finaldi, de cabellos largos, abundantes, sueltos y ondulados, con cuello y ojos grandes y una boca gruesa, perfilada y sensual. Jane Burden terminará por casarse con William Morris, aunque Rossetti jamás dejó de amarla, a pesar de casarse a su vez con Lizzy Siddal.

Jane Burden, posteriormente Jane Morris

Elizabeth ( Lizzy) Siddal

Fuente de la imagen: Aquí

Algunos de los autores :

Dante Gabriel Rossetti: 

 Autorretrato.

Rossetti fue un personaje muy singular, confluyendo en él, por un lado, el misticismo religioso y, por otro,  la sensualidad y el deseo: la pasión religiosa y la amorosa no se excluían. Sus obras no tuvieron la aceptación que obtuvieron los cuadros de Hunt o Millais, e incluso llegaron a escandalizar.

Dante Gabriel Rossetti: Ecce Ancilla Domini, 1849-50.

Dante Gabriel Rossetti: Hallada, 1854

Rossetti no se portó bien con Lizzy quien sufrió por ello. Sintiéndose desatendida, su salud se deterioró. Una noche de 1862, tras una cena, él se marchó a la Escuela Obrera y cuando regresó a su casa la encontró muerta, con un frasquito de laúdano al lado. Se dijo que fue fallecimiento accidental pero todo apuntaba a un suicidio. Rossetti, primero, negó su muerte, luego sufrió  mucho y enterró en su tumba todos los manuscritos de sus poemas. Beata Beatrix, quizá, uno de sus mejores cuadros, es una pintura que realiza como póstumo tributo a su mujer muerta.

 Dante Gabriel Rossetti: Beata Beatrix, 1864-70.

A partir de 1863, no pintó más que mujeres: Annie Miller, Fanny Cornforth.... cayendo en una espiral de decadencia física, anegado en bebida y droga: laúdano, morfina y cantidades enormes de whisky, clarete y brandy.

Dante Gabriel Rossetti: Annie Miller, 1863

Dante Gabriel Rossetti: Lady Lilith, 1866-68. 

Modelo: Fanny Conforth

Dante Gabriel Rossetti: Una visión de Fiammetta, 1878

Modelo: Marie Spartali Stillman

Los últimos años de su vida, fue ayudado por Ford Madox Brown y sobre todo por Jane Morris. Dejó de pintar a otras mujeres, y se centró en ella, repitiendo una y otra vez el mismo rostro.

Dante Gabriel Rossetti: El pétalo de rosa, 1870

Modelo: Jane Morris

Jane Morris

Dante Gabriel Rossetti: Seda azul, 1868

Modelo: Jane Morris

Dante Gabriel Rossetti: Pía de Tolomei, 1868-80

Modelo: Jane Morris

John Everett Millais

 Autorretrato

Millais, fue un niño prodigio que a los nueve años ganó la medalla de plata de la Arts Society ingresando un año más tarde en la Royal Academy of Arts y ganando la de oro a los diecisiete. Toda su obra es prototípica de los idearios y técnicas artísticas de la Hermandad: un conocimiento exhaustivo del dibujo, una paleta quattrocentista, realismo, espiritualidad y captación psicológica de los personajes.

John Everett Millais: Ofelia, 1851-52

Ofelia, detalle.

La modelo de este cuadro fue Lizzy Siddal, la mujer de Rossetti, que soportó estoicamente durante horas, el estar metida en una bañera de agua, que aunque se intentaba mantener caliente, se enfriaba. Terminó enfermándose. 

John Everett Millais: Un Hugonote en el día de San Bartolomé, 1852

John Everett Millais: Portia, 1886

John Everett Millais: Sir Isumbras en el Vado, 1857

Edward Burne- Jones

Edward Burne Jones fotografíado 

por Frederick Hollyer, 1874

La trayectoria primera de Burne-Jones fue una simple imitación de la obra de Rossetti. Posteriormente, su mundo se pobló de seres tranquilos; es el autor del sosiego, de la calma, no hay colores resplandecientes en su obra. Una vez que se liberó de la tutela de Rossetti, desarrolló un estilo muy característico en el que utilizaba líneas a modo de friso. Era minucioso en la ejecución y pintaba varios cuadros a la vez. Personalmente, siento una profunda predilección hacia este pintor.

Edward Burne-Jones: La Rueda de la Fortuna, 1863

Edward Burne- Jones: El Príncipe entrando en el bosque de Briar,

 1870- 1890

Burne- Jones: El Encantamiento de Merlín, 1874

Edward Burne-Jones: La Escalera Dorada, 1880

Edward Burne-Jones: La Boda de Psyque, 1895

Edward Burne-Jones: Perseo matando a la Serpiente de Mar, 1875-77.

Edward Burne-Jones: El Espejo de Venus, 1898-99

Fuente de la imagen: Aquí.

Para finalizar, comentaremos que, una vez disuelto el Prerrafaelismo, dispersos sus autores, a mediados de la década de los 70' y cuando el clima artístico ya estaba cambiando, el estilo Prerrafaelita fue seguido por algunos artistas, muchos de los cuales fueron simples imitadores.

Quizás el único digno de mención, por cuanto abre una nueva vía en el arte con un estilo propio y diferente, sería Aubrey Beardsley aunque en su primera obra todavía se rastrean los ecos de su idolatrado Burne-Jones, ya anciano.

Aubrey Beardsley: " La Falda de Pavo Real" para

la Salomé de Oscar Wilde, 1892.

No puedo dejar pasar la oportunidad, además, de citar a Fredrick Lord Leighton que, sin estar vinculado al  movimiento prerrafaelita, es una figura clave del siglo XIX británico. La obra que os dejo, de nuevo, es una de mis preferidas y una de sus más bellas obras.

Fredrick Lord Leighton: Flaming June, 1895

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons. Si no ha sido así, en el pie de la fotografía se añade el link de donde procede. 

Obras de Referencia y citas: 

Además de utilizar la obra de Timothy Hilton como texto fundamental os dejo links de dos artículos muy interesantes AQUÍ y el texto de Sagrario Aznar Almazán

1- En Aznar Almazán, Sagrario: " Espacio, Tiempo y forma, serie VII, Hª del Arte, t.3, 1990, pag.333-348.

2- En Aznar Almazán, Sagrario: " Espacio, tiempo y forma, serie VII, Hª del Arte, t.3, 1990

3- Hilton, Timothy: " Los Prerrafaelitas". Ed. Destino, 1993. 

4- Selma de la Hoz, José Vicente: " Los Prerrafaelitas, arte y sociedad en el debate victoriano". Montesinos Editor, Barcelona, 1990.

5- http://www.rossettiarchive.org/

6- Hilton, Timothy: " Los Prerrafaelitas". Ed. Destino, 1993, pag. 52

7- Hilton, Timothy: " Los Prerrafaelitas". Ed. Destino, 1993, pag. 56.

8- Hilton, Timothy: " Los Prerrafaelitas. Ed. Destino, 1993, pag. 135.