Relojes, Julio Cortázar y Dominic Wilcox

Preámbulo a las instrucciones para dar cuerda al reloj

" Piensa en esto: cuando te regalan un reloj te regalan un pequeño infierno florido, una cadena de rosas, un calabozo de aire. No te dan solamente el reloj, que los cumplas muy felices y esperamos que te dure porque es de buena marca, suizo con áncora de rubíes; no te regalan solamente ese menudo picapedrero que te atarás a la  muñeca y pasearás contigo. Te regalan- no lo saben, lo terrible es que no lo saben-, te regalan un  nuevo pedazo frágil y precario de ti mismo, algo que es tuyo pero no es tu cuerpo, que hay que atar a tu cuerpo con su correa como un bracito desesperado colgándose de tu muñeca. Te regalan la necesidad de darle cuerda  todos los días, la obligación de darle cuerda para que siga siendo un reloj; te regalan la obsesión de atender a la hora exacta en las vitrinas de las joyerías, en el anuncio por la radio, en el servicio telefónico. Te regalan el miedo de perderlo, de que te lo roben, de que se te caiga al suelo y se rompa. Te regalan su marca, y la seguridad de que es una marca mejor que las otras, te regalan la tendencia a  comparar tu reloj con los demás relojes. No te regalan un reloj, tú eres el regalado, a ti te ofrecen para el cumpleaños del reloj".

 Julio Cortázar, "Historia de Cronopios y de Famas" .

Ed. Edhasa, 1987. Pág 23.

El inglés Dominic Wilcox es un inventor de artilugios extraños. Aunque tiene más obra,  en esta entrada nos centramos, únicamente, en los relojes que ha creado utilizando unos antiguos a los que coloca una pequeña imaginería de seres pequeñitos de plástico que los transforma y,  finalmente, conserva bajo campanas de cristal.  ¡Especial!

La obra gráfica de esta entrada ha sido extraída de la página del autor en donde podréis encontrar más artilugios, textos, vídeos y toda su obra: Aquí

La crítica figuración de Alex Gross

" Mi trabajo refleja mis sentimientos sobre el mundo que me rodea".

Alex Gross. (1)

Alex Gross es un artista nacido en Long Island, Nueva york en 1968 y encuadrado en el llamado Surrealismo Pop o Lowbrow Art. 

De nuevo como la mayoría de los creadores encuadrados en esta tendencia, utiliza la figuración y los colores planos y fuertes haciendo mezclas imposibles, surrealistas, para llevar a cabo una crítica de la sociedad materialista  en la que vivimos, en la que nos movemos, en la que consumimos. Los comics, las series de televisión como Star Trek fueron sus influencias. Pero para él, para el dominio de la técnica fue fundamental el hecho de practicar tanto con el pincel ( la mayor parte de su obra son óleos), aunque también trabaja en el ámbito de lo digital.  

Marcas de alto standing , Dior o Louis Vuitton, Coca-Cola o McDonals; vidas vividas a través de  teléfonos móviles y tablets mientras las relaciones a corta distancia casi han dejado de existir; mujeres con hiyab o japonesas con trajes tradicionales; jóvenes con ojos pixelados........Toda una iconografía contemporánea con mucha carga dramática y crítica...........

Ha realizado distintos bloques de trabajo: a " Narcisismo" le sigue otra vía de trabajo en el que se retrata a sí mismo comiendo, bebiendo, fumando, siempre con las marcas de cada uno de los productos bien a la vista.

"No soy un pesimista, no soy un cínico.

Soy un realista " (2)

Gross sólo nos muestra el mundo inmediato y globalizado en el que vivimos. 

La obra de referencia y las citas han sido extraídas de este artículo del Huffingtonpost. 

En cuanto a la obra gráfica provienen de multitud de páginas de la red:  Aquí, Aquí, , así como otras. 

Os dejo el link a la página del autor en donde podréis encontrar muchas más imágenes maravillosas de su trabajo que es mostrado aquí para divulgarlo. 

http://www.alexgross.com/

El Singular Estilo de Eyvind Earle

Eyvind Earle ( Nueva York, 1916- 2000) unió, desde los años 50' del siglo XX, su trabajo a las películas de Walt Disney para quién creó los fondos y dibujos para las historias de "Peter Pan", "La Dama y el Vagabundo" o "La Bella Durmiente", entre otras. Y es por ese trabajo, fundamentalmente, por el que es más conocido. 

Sin embargo, dejando esta obra aparte, lo que más choca en otros trabajos suyos es el especial estilo que lo hizo único, diferente y muy singular. 

Llama la atención la sencillez con la que pintó, con formas planas, limpias, puras y a veces geometrizadas. La forma humana apenas existió en sus obras y cuando la introdujo no mostró volumen en ella. Sí le gustó colocar simples y pequeños animales pastando tranquilos en praderas creadas a base de líneas con un cromatismo en gradaciones del mismo tono o  grandes caballos que siguieron los rasgos estilísticos generales del autor.

En otros casos, esos paisajes los llenó de distintos colores, brillantes, mezclados,  en troncos y copas de árboles que cuajados de flores parecen crear inexistentes encajes y puntillas y que claramente bebieron  de la estampa japonesa. Quizás por esa razón muchas veces se nos venga a la mente la influencia del Art Nouveau y sus incurvaciones.Hizo dibujos, pintó al óleo, realizó serigrafías y esculturas, así como acuarelas o grabados.

 

Un trabajo exquisito.

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikiart

El Realismo Mágico en Claude Verlinde

Esa es la corriente, el Realismo Mágico, en la que se encuadra el trabajo de Verlinde que remite en numerosas ocasiones a Pieter Brueghel y a El Bosco, este último considerado como el primer surrealista de la Historia del Arte, así como a otros grandes como Lucas Cranach, Goya o al expresionista James Ensor. 

Nacido en junio de 1927,este artista francés, con un recorrido artístico reglado ( entró en la Escuela de Bellas Artes de París) que le proveyó de una técnica rigurosa e importante, es un trabajador nato que crea mundos caricaturescos, extraordinaríos, plenos de onirismo y con una gran carga crítica y genialidad.

Difícil escoger imágenes para ilustrar esta pequeña entrada. En su página web (Aquí) podréis ver toda la obra del autor que está dividida en pinturas, realizadas en óleo sobre tela, dibujos que han puesto imágenes a las obras de Rabelais y La Fontaine y una miscelánea que recoge la fotografía de un surrealista ajedrez. 

¡¡¡Genial!!!

Haced las imágenes más grandes para poder apreciar mejor los detalles.

Los Nabis, un Paso más Allá

Georges Lacombe

La influencia de los Postimpresionistas, a finales del siglo XIX,  en el mundo del arte fue importantísima. La ruptura con una plástica que desde hacía siglos había sido mímesis había comenzado con los impresionistas y en concreto con " El Desayuno en la Hierba" ( 1863) de Manet. 

Édouard Manet: Desayuno en la Hierba, 1863

Este cuadro y la obra del autor había dejado paso a todo un mundo de experimentación que cuajó con la obra de Monet, Renoir o Pissarro por poner sólo algunos ejemplos. Lo que vendría después, es decir, el Postimpresionismo sería mucho más importante, porque la ruptura ya estaba hecha y determinados autores revolucionaron muy mucho la Historia de la Pintura. Hablamos de Cézanne, de Van Gogh y sobre todo de Gauguin. Para entender desde dónde entroncan los Nabis tenemos que detenernos en éste último. Él decía que no había que copiar de la naturaleza, que " el arte es una abstracción" como escribió en una carta dirigida a Van Gogh en 1888, con quien tuvo una relación bien tormentosa. (1)

Paul Gauguin:  En el mar, 1892

Además de Gauguin, Gustave Moreau, Puvis de Chavannes, Odilon Redon, Eugene Carrière y Emile Bernard fueron otros autores de los que se debe partir para entender a los Nabis. Estuvieron unidos desde 1890 hasta los primeros años del siglo XX. y se adelantaron e inspiraron a otros dos movimientos que fueron capitales en esos años: el Cubismo y la Abstracción.

Gustave Moreau: El Elefante Sagrado, 1882

Puvis de Chavannes: La Esperanza, 1872

Odilon Redon: Mujer en una arcada gótica con flores

Eugène Carrière: El Despertador, el Beso a la Madre, 1899

Emile Bernard. El Árbol Amarillo, 1888

Este grupo se creará conscientemente a partir de un cuadro que pinta Paul Sérusier bajo supervisión de Gauguin, que llamó el "Talismán" y en el que ni la perspectiva, ni las sombras importaban. Era casi un cuadro abstracto. En seguida y en torno a Sérusier, otros artistas como  Maurice Denis, Paul Ranson, Jan Verkade, Pierre Bonnard, Ker-Xavier Roussel, Georges Lacombe, Félix Vallotton o Edouard Vuillard se unen para enfrentarse a la forma en que se pintaba en las Academias, y en 1890 Maurice Denis (el teórico del grupo) define los nuevos principios que debía seguir la pintura de los llamados "profetas", término inventado por el poeta Henri Cazalis muy amigo de Sérusier.

Paul Sérusier: El Talismán, 1888. 

Punto de partida para el desarrollo del grupo de los Nabis

Paul Sérusier: Gramática, 1892

Maurice Denis: Juego de Badminton, 1900

Maurice Denis: Galatea, 1917

Los Nabis estaban fascinados por la religión, la filosofía, el teatro y la música. Marisa Oropesa, habla de dos vertientes en el grupo: una que aglutinaba a Vuillard, Bonnard y Roussel que serían los "modernos" y otra que uniría a Verkade, Denis, Ranson y Sérusier, más interesados en temas religiosos y que se agruparán en torno a la publicación "la Revue Blanche", una revista mensual fundada por los hermanos Natanson y que llegaría a convertirse en el ámbito desde el que Simbolistas y Nabis, músicos y literatos ( entre ellos Debussy, André Gide, Alfred Jarry, Mallarmé o Marcel Proust...)  lanzaron sus propuestas.  El fin de la revista será el fin del grupo Nabi como tal.  

Paul Ranson:  Paisaje Nabi, 1890

Paul Ranson: El Baño, Lotus, 1906

A la hora de pintar no les interesará ni la perspectiva, ni las sombras. La imaginación y lo espiritual será lo más importante para la creación. Estarán en contra de todo lo que estaban viviendo y nos referimos al desarrollo industrial,a la mecanización y a las grandes ciudades que están apareciendo ahora. Las estampas japonesas les sirvieron de punto de partida para crear, explorando nuevas técnicas pictóricas y realizando ilustraciones para obras literarias, carteles y programas de teatro.

Pierre Bonnard: El Éxito, 1911

Pierre Bonnard: La Bata, 1890

Ker- Xavier Roussel: Polifemo, Acis y Galatea

Dejaron de lado como soportes los lienzos y se lanzaron a crear mosaicos, muebles, carteles, abanicos, biombos, tapices.... Hicieron retratos, escenas de género en las que familiares, amigos y marchantes eran los protagonistas además de mujeres en escenas íntimas y privadas.

Georges Lacombe: La Ola Violeta, 1895-96

Felix Valloton: Luz de luna, 1895

Pierre Bonnard: Desnudo a Contraluz,1908

Finalmente y dada la eclosión de la vanguardia Cubista y la Abstracción, la obra de los Nabis cayó en un cierto olvido aunque la apertura de esa nueva vía de entender el arte apartado de la Academia ya había cuajado y por tanto, no es tan cierto que sus realizaciones fueran olvidadas.

Edouard Vuillard: La Cantante, 1891

Edouard Vuillard: La Mujer de Azul, 1894

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons y Wiki Art en este útlimo caso, buscando autor por autor. 

En caso del texto de referencia  ha sido empleado, fundamentalmente, el catálogo que, para la exposición de El Quiosco Alfonso en A Coruña, fue realizado en 2007. (1) pág. 8