Irene Jones y Las Tudor

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 La británica Irene Jones ha sido asistente de escenografía teatral. Una vez hubo estudiado diseño gráfico y Artes y Oficios, comenzó a crear una parte de su obra pictórica que llamó las "damas Tudor". Uno no puede más que pensar en Enrique VIII y sus seis esposas, algunas de las cuales, mala suerte corrieron bajo el hacha del verdugo.

Esos ojos grandes, de mujeres fuertes (apenas hombres), que rara vez buscan los del espectador,  que muy a menudo tienen la mirada clavada en un punto fuera del bastidor, que pueden tener alguna reminiscencia picassiana, o de Mattise o de Chagal, que lucen diminutas manos frente a enormes cuerpos y largos cuellos cubiertos con golas simples, con un pequeño toque surrealista pero figurativo y casi "naif",  con pequeños motivos que tratan de desviar la atención del observador de las mujeres, pero sin conseguirlo....

 Estos bustos medievales con un colorido y unos detalles armoniosos forman el núcleo de la obra de esta autora que tanto me ha llamado la atención. ¡Que os guste!  

Toda la obra gráfica ha sido extraída de estas páginas en donde encontraréis más imágenes que redondearán el conocimiento de la obra de esta especial artista.

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La Obra Pictórica de Mariano Fortuny y Marsal

Mariano Fortuny y Marsal: Pilar de la calle Elvira, S. XIX

A Mariano Fortuny y Marsal ( Reus, 1838-Roma, 1874)  muchos lo tienen por uno de los mejores pintores del siglo XIX español, con permiso de Francisco de Goya, como afirma José Ángel Montañés en un artículo del períodico español " El País"(1).  Otros, en su época y posteriormente, lejos de tenerlo por tan bueno, lo denostaron,  porque lo acusaron de ser academicista y seguir la moda que gustaba a la burguesía del momento. Fortuny, gracias a los encargos de retratos y de los cuadros de gabinete que esta incipiente burguesía española demandaba, podía llevar un alto tren de vida además de hacer que fuese un autor conocido y reconocido.

Mariano Fortuny y Marsal: El Coleccionista de Estampas, 1863

Mariano Fortuny y Marsal: El Coleccionista de Estampas, circa 1866

 El autor hizo tres versiones del mismo cuadro una de las cuales

se encuentra en el Museo Pushkin de Moscú y no es ninguna de las

mostradas aquí

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Estos cuadros de gabinete, también llamados de casacón ( por vestir los protagonistas a la moda dieciochesca), eran de pequeño tamaño y mostraban escenas románticas. Eran los denominados tableautin en Francia. Los tamaños eran como si de postales se tratase, pintados los mínimos detalles, recogidos en una pintura preciosista y miniaturista, como decimos. 

Mariano Fortuny y Marsal: La Vicaría, 1870

Mariano Fortuny y Marsal: Arcabucero, 1871

Además, él no sólo realizaba estas obras porque le eran demandadas sino porque además,una vez que conozca al marchante Adolphe Goupil ( como en el caso de "Arcabucero") en Roma que  llevará su carrera, él mismo le pedirá que las realice, lo que terminará por darle el éxito final entre la sociedad parisina.(2)

Mariano Fortuny y Marsal: La Mascarada, 1868, acuarela

Mariano Fortuny y Marsal: La Elección de la Modelo, 1874

Pero digamos que Fortuny y Marsal tampoco estaba cómodo creando estos encargos. Quizás se veía muy encorsetado a la hora de pintar y por ello, hizo lo posible por hacer de otra manera. Es el momento en el que comienza a plasmar la realidad a través de una personalísima pincelada, muy deshecha y rápida,dándole una importancia suma a la luz. Esta evolución será cortada por una tempranísima muerte. Lo que Fortuny estaba haciendo, era sentar las bases del Impresionismo español al que se adscribiría Sorolla ( Valencia, 1863- Madrid, 1923) más adelante.  

Mariano Fortuny y Marsal: El Gallinero, circa 1864

Mariano Fortuny y Marsal: Retrato del pintor Joaquim Agrasot, 1864

En su mano lleva una calavera, símbolo de la vanitas, de la cortedad de la vida

Muriendo tan temprano ( no llegaba a los cuarenta años) su figura se transformará en un mito para los pintores de su generación y las posteriores, además de crear un momento de confusión ya que muere sin testar. El problema surgía porque además de a dónde iría su propia obra , Fortuny era un gran coleccionista de antigüedades. En contra de lo que el pintor comentó en su momento de querer ceder toda su colección a un museo, su mujer( hija de Federico Madrazo), temerosa de que el paso del tiempo hiciese perder interés por la obra de su marido y sobre todo por la necesidad de tener capital líquido, puso a la venta en Italia y Francia todas sus posesiones: desde cuadros a estudios, muebles y objetos artísticos. En ambas subastas se perdió dinero. (3) Pdf en línea: Buscar " Testamentaría e inventario de bienes de Mariano Fortuny en Roma de Navarro, Carlos G.

Giovanni Boldini: retrato de Cecilia Madrazo

viuda de Fortuny y Marsal, 1882

Mariano Fortuny y Marsal: Cecilia embarazada, 1868

En cuanto al desarrollo de su vida como pintor, diremos que sus primeros pasos los dió con un platero que quizás le enseñó la captación de todo detalle, por muy diminuto que fuese.De ahí su pintura miniaturista.  Posteriormente, y tras ser discípulo de Lorenzano, un pintor vinculado a los nazarenos alemanes, marcha a Roma en donde escribirá, estudiará y conocerá la obra de los grandes de la Historia del Arte algo que creará en él un bagaje muy importante. 

Mariano Fortuny y Marsal: Juego de Damas, 1854-56, acuarela

Desde un punto de vista histórico, Fortuny vive el reinado de la reina Isabel II, en su fase moderada- unionista ( 1856-66) en la que durante diez años se alternaron en el poder los moderados de Narváez y los miembros de la Unión Liberal, una formación dirigida por O'Donell que era una especie de cajón de sastre en la que se unían la izquierda moderada y la derecha progresista, así como numerosos militares que buscarán llevar a cabo expediciones militares fuera de la península para unir a todas las fuerzas políticas. Una de las incursiones se realizará en Marruecos ( 4)

Mariano Fortuny y Marsal: La Batalla de Tetuán, 1862-64

Cuadro realizado tres años después de que tuviese lugar el enfrentamiento

Sólo conociendo este punto se puede entender la ida de Fortuny al norte de África becado por la Diputación de Barcelona ( las tropas catalanas habían sobresalido en las batallas) para que con su pincel dejase para la posteridad los enfrentamientos que allí tuvieron lugar bajo la espada de Juan Prim (toma de Tetuán, Wad-Ras...) y cuyas victorias provocaron que el sultán solicitase la paz y que a lo largo del tiempo militares españoles allí establecidos lograsen ascensos y condecoraciones ( los africanistas). 

Mariano Fortuny y Marsal: La Batalla deWad Rass, 1862-63

Esto desde un punto de vista artístico tuvo como consecuencias muy importantes en el devenir de la pintura de Fortuny: los lienzos de batalla no los llegará a terminar y por ello le obsesionaron durante algún tiempo, pero en tierras marroquíes se vió impresionado por la luz, por el ambiente africano, por el espacio. Comienza a ser atrapado por lo oriental como le había ocurrido a Delacroix  pero también por lo japonés, como ocurrió con los Impresionistas.

Mariano Fortuny y Marsal:  Fantasía Árabe, 1867

 Mariano Fortuny y Marsal: Jefe Árabe, 1874

Mariano Fortuny y Marsal:Árabe velando el cadáver de su amigo, 

segunda mitad del S. XIX, aguafuerte

 Mariano Fortuny y Marsal: Patio Árabe, 1865

Mariano Fortuny y Marsal: Moros corriendo la Pólvora, 1863

Se vistió como ellos para mezclarse y tomar apuntes para realizar pinturas maravillosas de colores vivos y fuertes y factura poco hecha. De la precisión exquisita de la que es tenida como una de su obra más importante " La Vicaría" a otra obra maestra realizada de forma totalmente diferente " Retrato de los Niños de Fortuny sobre un diván japonés", inacabado y realizado casi al final de sus días. 

Mariano Fortuny y Marsal : Los hijos del artista en el Salón Japonés, 1874

 Mariano Fortuny y Marsal: Desnudo en la playa de Portici, 1874

Su obra a caballo entre el Romanticismo y el Realismo, por cronología, trasciende estas tendendencias para dar paso como decimos a una pintura muy personal con una factura fresca, vibrante y atmosférica.

Mariano Fortuny y Marsal: Paisaje con Barcas, 1874

 Por último comentaremos que Fortuny y Marsal fue el padre de Mariano Fortuny y Madrazo, que también tendrá su espacio en este blog, y que llegó a superar a su padre, en realizaciones y fama. Como afirman Mara Malibrán y Fernando López Agudín en su maravilloso texto : 

"Tanta y tan intensa fue la presencia de Mariano Fortuny Marsal en Mariano Fortuny y Madrazo que es inevitable hablar de aquel para intentar entender algo de la vida de éste". (5)

Mariano Fortuny y Marsal : Joven Judía, 1860-62

Toda la obra gráfica de esta entrada ha sido extraída de Wikimedia Commons y al lado de las cuales tenéis un pequeño comentario de cada una de ellas. Os recomiendo que lo leáis. Aquí 

Os recomiendo además que pinchéis sobre las imágenes para apreciarlas mejor. 

Además os dejo el link a una serie de artículos del periódico "El País" sobre el autor: Aquí  

Así como una serie de artículos encadenados a partir del de Lourdes Cerrillo Rubio para ArteHistoria

El Perverso Erotismo de Gustav Klimt

Gustav Klimt: Mujer con abanico, 1918

" El que quiera saber algo sobre mí.. ( como artista)...deberá observar detenidamente mis cuadros e intentar reconocer en ellos qué soy y qué quiero" (1).

Cuando el "perfect gentlemen" (2) Josef Hoffmann ( 1870-1956), vienés, estrella de la arquitectura del momento,  tímido y reservado, crea el Palacio Stoclet, encargado por el industrial de igual nombre en  Bruselas, y Klimt realiza para el mismo edificio el llamado Friso Stoclet, ambos hacen posible la eclosión, pero sobre todo la afirmación de que crear una, la, obra total que quería llevar a cabo el  Modernismo, era posible. 

Josef Hoffmann: Palacio Stoclet, 1905-11, Bruselas

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Desde 2009 es considerado por la Unesco

Patrimonio de la Humanidad

Gustav Klimt: Árbol de la Vida, Palacio Stoclet, 1905-1909

Este arte se denominó de distintas maneras según en el país en el que se desarrolló. En Austria fue el estilo Secessión y ahí nació el pintor Gustav Klimt ( 1862- 1918 ). Se ha comentado en otros lugares del blog cómo la Viena de fin del siglo XIX es un hervidero de artistas e intelectuales que dotaron a la ciudad de un ambiente espléndido para crear. Podríamos citar a músicos como Richard Wagner, Schöberg o Mahler; grandes arquitectos, cuyas ideas serían trascendentales para el discurrir de la disciplina como el propio Hoffmann, Otto Wagner o Adolf Loos y, por supuesto, Freud cuyas teorías sentarán las bases de la representación de las mujeres por los estetas de fin de siglo. 

 Gustav Klimt: Judit I, 1901

 Sus cuadros enmarcados por su hermano orfebre

van más allá del bastidor

Gustav Klimt: Palas Atenea, 1898

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 Para éstos, la mujer es un ser que arrastra al hombre al mal, es la femme fatal, y Klimt llevado por estas ideas freudianas plasmará, como decimos, a esta Lilith tan querida por los Simbolistas y así pinta a aquella que pintó Aubrey Beardsley, von Stuck o Gustave Moreau  , rememorando las obras de Fernand Khnopff  y llenando sus telas de símbolos femeninos tomados de imágenes oníricas freudianas (3). El hombre apenas tendrá lugar en su obra. 

Gustav Klimt: Shubert al piano, 1899

Gustav Klimt: tres ejemplos de paisajes con distintas cronologías

Pero si  lo anteriormente dicho es cierto, Klimt, hombre tímido, callado y humilde, mostró en su obra  dos momentos distintos de creación, ya que antes de llegar a pintar así a la mujer, en su comienzos y en los retratos y figuras femeninas de encargo, insufló a las féminas, un erotismo refinado y elegante, teniendo como referencia a Ingres o a Matisse. En esta primera etapa sus mujeres son inofensivas, bellas, tranquilas, pintadas con una cierta factura impresionista.

Gustav Klimt: Retrato de Sonja Knips, 1898

 Posteriormente, como decimos y sacudiéndose estas premisas, aparece el otro Klimt, un Klimt capaz de crear mujeres fuertes que se enfrentan al hombre, que son libres y que le granjearán el odio y provocarán el escándalo de una alta burguesía de doble moral que puede soportar ver a una mujer idealizada a la manera clásica y desnuda, pero no a una normal y corriente, sin ropa. Lo criticarán sin compasión. Alguien gritó "horribles", "pornográficas" (4) al ver las figuras de la obra encargada por la Universidad vienesa en la que Klimt debía pintar tres paneles para tres facultades diferentes: la Filosofía, la Jurisprudencia y la Medicina.

 Gustav Klimt: Hygieia ( detalle de Medicina) , 1900-07

Gustav Klimt Filosofía, 1899-1907 ( fotografía)

Gustav Klimt: Jurisprudencia, 1903-1907 ( fotografía)

Pero iconográficamente , en la primera y la segunda, Klimt muestra el desconcierto del hombre moderno frente a un mundo que no comprende, y en la Medicina pinta la enfermedad y la fealdad, lo que produjo un ataque social brutal. No pintó la opinión científica dominante y por ello, estas pinturas, fueron entendidas como una afrenta. (5) Desgraciadamente, nada queda de ellas actualmente, más que dos fotografías en blanco y negro y el esbozo de Hygieia que mostramos aquí, ya que esta obras no sobrevivieron a la II Guerra Mundial, porque puestas a salvo en el palacio Immendorf , fueron quemadas por tropas de las SS en retirada.

Cartel realizado por Gustav Klimt para la primera exposición

de la Secesión Vienesa: Teseo y el Minotauro. 1898.  Su concepto era modernísimo pues

contraponía imagen y texto arriba y abajo

mientras que el centro quedaba en blanco. 

(Antes de la censura)

Klimt, además, será el presidente de la Secesión vienesa creada en 1897, y que junto a cincuenta fundadores se constituyeron en un movimiento opuesto a todo academicismo. Era la Asociación de Artistas Plásticos de Austria. Junto a él estarán los ya citados Hoffmann, Olbrich, Otto Wagner así como Koloman Moser y el checo Mucha. Crearon además una revista mensual de arte denominada "Ver Sacrum" (Primavera Sagrada). El cartel de la  primera exposición lo hizo Klimt y, de nuevo, estalla el escándalo pues "Teseo lleva el traje de los héroes, es decir, ninguno (...)" (6) y finalmente a éste le fueron, sobreimpuestos unos árboles.

Joseph Maria Olbrich: edificio de la Secesión en Viena, 1897-1898

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Al mismo tiempo, Joseph Maria Olbrich creó un maravilloso edificio de exposiciones para la tendencia,  que coronó con una especie de cúpula suspendida, realizada con miles de hojas de laurel, que se sostenía sobre  cuatro pilares. El edificio era todo simetría. En la primera exposición, convivieron obras de Puvis de Chavannes, de Arnold Böcklin, de Rodin, de Jan Toorop y Fernand Khnopff.

Max Klinger Beethoven, 1902

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Pero en la XIV exposición, creada únicamente para mostrar la escultura de Beethoven realizada por Max Klinger, Klimt crea el friso Beethoven que supondrá un viraje y una nueva concepción en su obra. De nuevo, las críticas no se hicieron esperar. Compuesto por tres partes utilizó pintura a la caseína ( se utiliza como aglutinante una proteína de la leche) sobre fondo de escayola, pan de oro, láminas de nácar, y piedras ornamentales coloreadas. (7)

Gustav Klimt: Detalles del friso Beethoven

De nuevo, con la II Guerra Mundial, el edificio será medio derruído hasta que se restaure y la obra permanecerá cerrada al público hasta 1986. De cualquier manera, las críticas que Klimt y los demás autores de la Secession soportaron supuso dos cosas: la primera, que Klimt cae en desgracia y el gobierno no le volverá a hacer ningún encargo más; y segundo, la Secession se deshace: los pesos pesados del movimiento se retiran ( Koloman Moser, Otto Wagner, Hoffmann y el propio Klimt) lo que supone, de hecho, que el movimiento no vuelva a ser lo que era.

El pabellón de la Secession tras los bombardeos

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Y terminamos, casi como empezamos, con la obra de arte total que Hoffmann y Klimt crearon para los Stoclet. En el palacio, Klimt mezcla en su friso abstracción y figuración. Utiliza más que nunca la ornamentación, lo dorado, lo incurvado, la repetición. Repetición, por ejemplo, del exotismo que supone utilizar el ojo egipcio, mientras presenta a las mujeres hieráticas y distantes.

Gustav Klimt: La Expectación, para el friso Stoclet, 1905-06

Gustav Klimt: El Árbol de la Vida, para el friso Stoclet, 1905-09

Finalmente, comentaremos que Emilie Flöge dieñadora de modas para las burguesas vienesas y compañera de Klimt, disfrutó de la creación por parte de éste de diseños de telas para crear vestidos y otro tipo de creaciones.

Gustav Klimt: retrato de Emilie Flöge, 1902

Gustav Klimt: Adele Bloch-Bauer I, 1907

Gustav Klimt: Adele Bloch-Bauer II, 1912

En los últimos años de su vida, cada vez más el pintor, piensa en la vejez y en la muerte. Va a París y entra en contacto con los Fauvistas y de nuevo, vuelve a pintar mujeres inofensivas, bellas, en estructuras piramidales y grandes influencias del grabado japonés. La guerra terminará, desgraciadamente, con el florecimiento cultural de la Viena fin de siglo que tan excepcional fue para el desarrollo posterior de la vanguardia. 

Gustav Klimt: Dama con Sombrero y Boa, 1909

Gustav Klimt: Retrato de Friederike Maria Beer, 1916

Gustav Klimt: La Vírgen, 1913

Todas las imágenes han sido extraídas de Wikimedia Commons y si no ha sido así, tenéis debajo de donde proceden. 

En cuanto a lass obras de referencia y citas provienen de las siguientes obras: 

- Néret, Gilles: "Klimt", edit. Taschen, 2005

- 1. Idem, pag. 79

- 2. Sarnitz, August: " Hoffmann", Edit, Taschen, pág. 7

- 3 Néret: pág. 21

- 4. Fahr- Bechker, Gabriele: " El Modernismo" h.f. Ullmann, 2008. Pág. 341

-5. Néret: Pág. 22-23

-6. Fahr- Bechker pág. 339

-7. Idem, 342

Interesante la lectura de: 

http://secession.nyarc.org/omeka/beethoven ( en inglés)

Álbum Letras y Artes  

Mi Moleskine Arquitectónico con un texto sobre Olbrich y el Pabellón de la Secesión