El Preciosismo en Olga Suvorova

En la obra de Olga Suvorova, rusa nacida en 1966 en San Petersburgo, podemos encontrar, al menos, dos fases en su producción pictórica. En una, muestra unas telas en las que son retratadas mujeres, al aire libre, con un colorido fantástico y con una pincelada claramente deshecha, acompañadas siempre de gatos, uno de los animales que más se repiten en su obra. 

En la otra vía de desarrollo de su obra ( dos ejemplos abren esta pequeña reseña), el color sigue siendo una característica esencial pero olvida la factura rota. Deja de lado el ambiente bucólico que rodeaba su acaso... ¿primera producción?,  para dejarse llevar por una estética muy conectada con el Renacimiento en cierta poses, en ciertas simetrías compositivas y en toda una pléyade de simbologías en la utilización de determinadas flores- fundamentales los lirios como símbolo de pureza- muy importantes en su obra recuperando la que tuviera en la pintura holandesa del s. XVII, los bodegones, los  personajes tomados de la Comedia del arte con sus instrumentos así como  la aparición de todo tipo de exóticos animales.

Pero lo que más llama la atención de su técnica pictórica en esta obra es la magia y el preciosismo que pone en la realización de las telas en los vestidos de las mujeres que visten finos brocados o terciopelos cubiertos de dorados y joyas. Y aquí es en donde bebe directamente, y sin duda alguna, del gran maestro de la Secesion vienesa y del Simbolismo Gustav Klimt, del que se confiesa, he leído, una gran admiradora.

 Toda la obra gráfica de esta entrada ha sido extraída de las siguientes páginas con el único propósito de divulgar el genial trabajo de esta artista : Alberty Gallery, en el caso de la obra que abre la entrada. El resto provienen de Academart,  y de Artodyssey, las referentes a la, entiendo, primera parte de producción.

Los Referentes Escultóricos de Livio Scarpella

Livio Scarpella

En esta entrada se van a mezclar autores con estilos y cronologías diferentes, pero con un interés y un vehículo de creación común: el trabajo del mármol con  una técnica muy especial. El primero al que nos referimos es Livio Scarpella que vive y trabaja actualmente en Brescia, Italia y bebe clara y directamente del trabajo de distintos autores del setecientos italiano, uno de los cuales es Giuseppe Sanmartino ( Nápoles 1720-1793), escultor italiano que por cronología se enclavaría en el Rococó y que, en 1753 realizó una obra maestra, envidiablemente realizada, con una técnica que recuerda a la de los paños mojados que Fidias había utilizado durante el siglo V a. C. para llevar a cabo los frisos y frontones que adornarían el Partenón.

Fidias: Hestia, Diones y Afrodita

Frontón oriental del Partenón, S. V a. C

Fuente

 La escultura realizada pòr Sanmartino en mármol es el llamado" Cristo velado" y se encuentra en la capilla Sansevero también llamada Pietatella situada en Nápoles.

 Capilla  Sansevero, Nápoles

Fuente y las siguientes referentes al Cristo Yacente
Aquí

 En esta obra, sobre una especie de catafalco la figura de un Cristo yacente apoya su cabeza sobre dos almohadas con borlones. Al lado de sus pies encontramos algunos instrumentos de la pasión: la corona de espinas, clavos y las tenazas utilizadas para sacarlos. Pero lo que más impacta al verlo es la realización del sudario que lo cubre que más que una sábana, la Sábana Santa, parece una pieza de seda que en cualquier momento se puede levantar. La pericia es tal que deja ver centímetro a centímetro el cuerpo muerto. Sobra decir que la obra fue realizada a partir de un solo bloque de mármol.

Giuseppe Sanmartino: Cristo Velado

y detalles

En la misma capilla podemos ver otras esculturas, algunas de las cuales, realizadas por Antonio Corradini (Pádua 1668- Nápoles 1752) no dejan de ser igualmente especiales al estar realizadas con esa misma técnica.

Antonio Corradini: Modestia, 1751

Fuente

Volviendo a Scarpella, su obra es magnífica desde mi punto de vista porque además del mármol como material utiliza en otras obras el bronce, el cobre, la plata y todo tipo de piedras preciosas y semipreciosas dando así un plus a su trabajo. Cuarzos ( amatistas, celestinas, geodas) lapislázuli ( Aquí)....encuentran su sitio en su trabajo. En este, específicamente, coloca los cuarzos cerca de los corazones de los bustos que forman parte de la serie que ha denominado " Ghost Underground" .

Livio Scarpella
Tres ejemplos de su obra

Pero su obra trae a la cabeza a otros artistas que de igual manera,  han sido referentes para él.  Uno de ellos es Bernini ( 1598-1680) que, en su juventud artística en 1619, va a realizar dos bustos en mármol , encargos del clérigo español residente en Roma Pedro Foix de Montoya: Anima Beata ( alma salvada) y Anima Dannata (alma condenada) conservadas en la embajada de España ante la Santa Sede en Roma. Para David García Cueto, el genio plasmó las dos perspectivas más opuestas ante la muerte, la del alma que goza del paraíso y la de aquella que sufre los tormentos del infierno.(1)

Bernini: Anima Beata ( izq.) y  Anima Dannata. 1619

Fuente

Livio Scarpella revisita en estos dos bustos la obra de Bernini ( arriba)

De igual manera, otras obras de Livio Scarpella me hacen pensar en una en concreto del escultor Medardo Rosso ( Turín 1858-Milán 1928) autor "impresionista" que se descolgó de las realizaciones del momento por ser mucho más moderno que Rodin, a quien conoció; moderno en la valoración de lo inacabado y más si cabe por llevar a cabo su obra fundamentalmente en cera, lo que le daba una pátina aún más contemporánea.

Medardo Rosso: Niño Enfermo

Fuente

Livio Scarpella

Por último, haremos referencia a otro autor, que siguió la estela de Medardo Rosso creando una obra de una estilización y un purismo ( como lo llamó Werwer Hofman) (2) de una modernidad aplastante. Hablamos de Constantin Brancusi ( Rumanía 1876- París, 1957). Con su trabajo el autor pretendía bucear en la esencia y la realidad interior del ser humano. Su "Musa Dormida" de forma ovoide de nuevo es el referente de Scarpella para realizar la última obra que observamos.

Constantin Brancusi
Fuente

Constantin Brancusi: La Musa Dormida, 1912
Fuente

Livio Scarpella

Todas las imágenes de la obra de Livio Scarpella proceden de esta página
El resto tienen al pie la procedencia

En cuanto a las obras de referencia: 

1- García Cueto, David: " Gian Lorenzo Bernini, Pedro Foix Montoya y el culto a  las ánimas del Purgatorio". Pág. 323. Aquí

2- VV. AA: " Arte del Siglo XX". Ed. Taschen. Pag. 425

Las Elegantes y Silenciosas Imágenes de George Hoyningen-Huene

George Hoyningen-Huene: Lee Miller

 Mrs Hubbell, 1930

Así es. La obra de George Hoyningen-Huene está marcada por la elegancia y por la armonía. Por el tributo, que realizó primero a un cubismo ligero y estético que provenía de su aprendizaje con André Lhote, su profesor de dibujo y pintura una vez llega a París y, posteriormente, a la Grecia antigua.

 George Hoyningen-Huene: Bettina Jones, by Schiaparelli, 1928

George Hoyningen-Huene: Art in Fashion by Balenciaga, 1939

George Hoyningen-Huene:  Horst y modelos, bañadores de Lelong, 1929

George Hoyningen-Huene: Para Harper's Bazaar, años 30'

 Así que su obra muestra ligeros guiños a la vanguardia que se está viviendo en este loco París de las primeras décadas del siglo XX pero también muestra su querencia por el arte clásico. De esta manera, sus instantáneas se llenaron de columnas estriadas rotas, de juegos con los vestidos de sus modelos a la manera fidíaca y su técnica de paños mojados, o trabajos en los que la luz lo era todo y buscaba mostrar el estudio de los músculos de modelos colocados sobre pedestales o sosteniendo (?) arquitrabes. Buscaba la belleza ideal, la transmisión del silencio, de la tranquilidad, de la delicadeza.

George Hoyningen-Huene: Lee Miller.

Tras su experiencia como modelo, Lee Miller,

será una de las dos fotógrafas de guerra que yendo en primera fila de combate durante

la II Guerra Mundial mostraron al mundo con sus instantáneas 

el horror nazi y los campos de concentración (Aqui)

Estatua griega clásica, 1934

La fotografía remite a un atlante

Fuente

Hoyningen- Huene nació en San Petersburgo (1900) en el seno de una familia noble. Tras la revolución de 1917 y la confiscación de todos sus bienes huyen de lo que pronto se convertirá en la URSS,  recalando en las ciudades de París y Londres. Como otros muchos emigrados, después de hacer trabajos únicamente para sobrevivir, pronto encuentra su verdadero camino. Primero, comienza a asistir a las clases de Lhote, comentadas anteriormente, y por esas cuestiones rocambolescas del destino y del azar, convertirse después, en fotógrafo para las revistas Harper's Bazaar, Women's Wear o Le Jardin des Mode. Más tarde, Condé Nast le dará su sitio en Vogue donde desarrollará un trabajo de una finura fantástica.  

 Lee  Miller

Lanvin, 1934

Pañuelo y guantes, Chanel, 1934

Toto Koopman, by Augustabernard, 1933

Conoció a Man Ray e influyó sobremanera en otro de los grandes de la fotografía, su amigo y compañero, Horst P. Horst. Tras dedicarse al mundo de la moda su carrera vira y en los años 40' deja este tipo de fotografía, se convierte en profesor en Pasadena y comienza a trabajar para directores de cine ( Jean Negulesco, Michael Curtiz o a su gran amigo George Cukor), retratando  a las celebridades tanto del mundo del cine  como a las del arte.

Ava Gadner

La bailarina Tamara  Tumanova, 1944

 Gary Cooper

Greta Garbo, 1951

Josephine Baker

Sólo tras su muerte, que tuvo lugar en su casa de Los Ángeles en 1968, obtuvo el reconocimiento merecido. Se realizaron exposiciones retrospectivas en distintos museos. Muchos dicen que su legado al mundo de la fotografía es incuestionable así como la influencia en su compañero Horst P. Horst ( que fue a menudo su modelo)

Henri Cartier-Bresson, 1933

Citaremos también como una de sus fuentes e influencias a Edward Steichen  (del que tenéis una entrada en este blog)  fotógrafo  muy bien considerado y maravilloso. 

Edward Steichen, 1941

 

George Hoyningen-Huene

Todas las fotografías que se muestran en esta entrada pertenecen a la obra de George Hoyningen-Huene y han sido extraídas fundamentalmente de dos páginas en donde podréis encontrar muchas más: Faheykleingallery y aquí , con la única intención de divulgar su trabajo. 

En cuanto al texto he buceado en varios pero fundamentalmente me he apoyado en Fashion-History ( en inglés) así como en el libro de "Fotografía:  toda la Historia " de la editorial Blume.