Totum Revolutum

Pierre Roy- Fantasía y Alquimia.

2012-03-12T18:03:00.000+01:00

Pierre Roy

Pintor poco conocido por el gran público -Nantes ( 1880)- hizo de la sorpresa y la fantasía su punto de partida para crear telas figurativas con una inventiva fuera de lo común. Quizás esta característica proceda de la relación que su familia tenía con Julio Verne de quien, nuestro autor, era sobrino nieto y cuyas historias le fueron contadas desde niño.

Pierre Roy

Formado como arquitecto, ingresó posteriormente en la Escuela de Artes Decorativas de París y participó en 1925 en una de las primeras exposiciones de los surrealistas, uniéndose al ismo, que mostró al mismo tiempo obras de De Chirico (con quien mantuvo una estrecha relación de admiración mutua y de quien tomará las extrañas asociaciones de objetos cotidianos en sus telas) así como Hans Arp, Max Ernst, Paul Klee, Man Ray, André Masson, Joan Miró o Picasso. Para él, esta exposición fue todo un éxito.

Pierre Roy

En su obra podemos rastrear, además, influencias de Magritte, Paul Delvaux o Tanguy, no en vano, para los dos primeros, la figura decisiva había sido De Chirico. El Surrealismo de estos autores participan de la tendencia más figurativa del ismo. Como se ha comentado anteriormente, es una pintura más o menos académica en la que los objetos representados se asocian de forma extraña y absurda. La otra vertiente del Surrealismo sería una mas abstracta con seres y formas inventadas y dispuestas en lugares imaginarios como ocurre con Tanguy o André Masson.

Pierre Roy

Admirado por Jean Cocteau y Louis Aragon, trabajó posteriormente como diseñador de escenarios para los Ballets de Rolf de Maré y también como ilustrador de una obra de Jules Supervielle en 1946 " La niña de la alta mar". En EEUU fue colaborador gráfico para la revista Vogue, muriendo en Milán en 1950.

Pierre Roy

Portada de Vogue, abril, 1937

Fuente de la imagen: Aquí.

Pierre Roy: autorretrato

Todas las obras de esta entrada han sido extraídas de la siguiente página ( Aquí ) en donde podéis encontrar más obras del autor del que existe poca información y pocos ejemplos de su trabajo.

Dino Valls: El Diseccionador en el Espejo.

2012-02-26T10:11:00.000+01:00

Paciente nº 229, polítiptico 5 óvalos, 1999

El zaragozano Dino Valls ( 1959) estudió Medicina y Cirugía, sin embargo, su camino estuvo marcado por el amor a la pintura desde bien temprano, desde su niñez, y tanto fue así, que actualmente, sólo se dedica a ella.

Zadkiel, 1988

Las Tentaciones de San Antonio, temple de huevo y óleo, 1991

Sin embargo, sus estudios médicos son fundamentales para sus creaciones: sus figuras muestran un total conocimiento de la anatomía y, digamos que, en algunas obras, ofrece a nuestra vista patologías físicas que le proveen de la excusa perfecta para enseñarnos unos trabajos cargados de símbolos.

La Cuerda de Plata, temple de caseína y óleo, 1995

Circinius, 1999

De igual manera, supongo yo, que Valls tiene un conocimiento importante de la historia de la pintura pues crea cuadros que remiten a los grandes creadores que retoma en algunos aspectos: desde Cimabue con sus fondos de pan de oro y arquitecturas góticas en dípticos, trípticos y polípticos, a los primitivos flamencos, los maestros renacentistas, pasando por Rembrant y las luces barrocas.

Arbor Vitae, 1994

Retablo Grávido, 1991

Emblema, 1991

Sefirot, 1992

Antífona, 1994

De Profundis, 1989

De igual manera los soportes suelen ser óleos y temples sobre tabla o tela. Encuentro, como comentaba anteriormente, anatomías perfectas en su desnudez, realistas, creadas cual si fueran fotografías.

Anónimo, temple de huevo, óleo y pan de oro, 1993

Sus manos son maravillosas. Las miradas, fascinantes, se clavan en el espectador e inquieren algunas veces. Otras proyectan tristeza y abandono y otras, llorosos ojos, construyen miradas perplejas o eso es lo que se me antoja al verlas.

Martyr, 2005

Caerulea, 2005

Noxa, óleo sobre tabla, 2006

Lacrimae, 2006

Ludus Filorum, óleo y pan de oro, 2009

Es una pintura de tipo figurativo pero surrealista, cargada de símbolos que se me escapan en su mayoría, y todo ello lo realiza con la meticulosidad de alguien que conoce bien el cuerpo humano, que disecciona no sólo la apariencia externa sino también lo interno de los seres humanos.

Dédalo, 1993

Dramatis Personae, 1996

La Herida, 1997

Íncubo, 1992

Vórtice, 1998

Fulmine Icta, 2008

Insania, 2007

Todas las obras han sido extraídas de la página del autor en la que encontraréis muchas más obras maravillosas, así como una entrevista hecha por Antón Castro a Valls y un texto fantástico escrito por Juan V. Fernández de la Gala en el que realmente, disecciona y da claves para comprender más profundamente, algunas de las obras del universo vallsiano. De igual manera, podéis consultar la página de otro blog que persigue lo mismo realizando un estudio de otras de sus tablas.

¡ Qué lo disfrutéis! Un trabajo realmente perturbador y maravilloso.

Lecciones de Tinieblas, 1993

Albrecht Altdorfer y la Escuela del Danubio.

2012-02-11T23:07:00.002+01:00

Albrecht Atdorfer: La batalla de Isos, 1529, detalle.

Hijo del pintor Ulrich, a Albrecht Altdorfer se le considera el mayor exponente de la escuela del Danubio, denominada "Donauschule" y que aunará el trabajo de varios artistas en Baviera y Austria y entre los cuales estará Wolf Huber, en el primer tercio del siglo XVI inscribiéndose, por tanto, en el Renacimiento Clásico.

Wolf Huber

Altdorfer: " La soberbia acarrea mendicidad" 1531.

Renacentista es por su técnica al óleo y también por los temas tomados de la historia antigua, sin embargo, su obra muestra las diferencias existentes en la producción que se llevó a cabo en Europa bajo la denominación de Renacimiento.

Altdorfer: Susana y los viejos, 1526

Altdorfer: Susana y los viejos, 1526, detalle.

Fue el pintor del primer cuadro estrictamente paisajístico de la pintura europea. Mímesis pura, reproducción exacta de la realidad que le va a servir de marco, paradójicamente, para llenar las telas con visiones fantásticas. Trabajó en Ratisbona ( Baviera, Alemania) hasta el final de sus días en 1538.

Altdorfer: Paisaje del Danubio con el castillo de Wörth cerca de Ratisbona,

posterior a 1520

Gracias, una vez más, a viajes de formación, interiorizó influencias del arte centroeuropeo e italiano, siendo su principal influjo Alberto Durero, de quien tenéis una entrada en este blog.

Altdorfer: La matanza de los inocentes, 1512-14

El género del paisaje plasmado de forma independiente, se desarrolla a partir del siglo XVI, de forma progresiva, inventándose toda una simbología y vocabulario para crear las formas de la realidad, ya que hasta ese momento, se pintaban rocas con pequeños árboles como hará Giotto. El paisaje era el telón de fondo de las composiciones. Pero a finales del siglo XV y principios del XVI, en Venecia, surgirá con más precisión, con autores como Carpaccio, Bellini o Giorgione.

Vittore Carpaccio: San Jorge y el dragón, 1516

Giovanni Bellini: El festín de los dioses, 1514

Giorgione: Fiesta campestre, 1510.

Quizás terminado por un discípulo suyo,

tras su muerte, en ese mismo año.

Sin embargo, la plasmación del paisaje, fue desarrollado en mayor medida, en el norte de Europa y, en concreto, en la zona del Danubio de la que hablamos, ya que, en el siglo XVI, todavía sobrevivía una naturaleza virgen: Cranach el Joven o nuestro autor, Altdorfer, pintan bosques cuajados de árboles que absorben a pequeñas figuras que parecen nada ante tal despliegue natural.

Altdorfer: San Jorge luchando contra el dragón en un bosque, 1512

Para Laneyrie- Dagen, además, esta representación paisajística tendría una vertiente política, en cuanto que aparece cuando las naciones comenzaban a constituirse como tales, a principios de la Edad Moderna, dando cuerpo a la teoría del "alma germana", de la pasión por la tierra, que tan peligrosa se tornaría, pasado el tiempo.

Altdorfer: La batalla de Alejandro, 1529, detalle.

A partir de ese momento, muchos artistas individualizaron los paisajes, pero lo hicieron de forma distinta: desde la obra de Durero cuando atraviesa los Alpes, a las pinturas de Adam Elsheimer, o posteriormente a principios del XIX, los personajes que, en soledad, mostrará un autor como Caspar David Friedrich, frente a abismos paisajísticos, de espaldas la mayor parte de las veces, mostrando el abandono del hombre ante una Naturaleza magnífica y enorme.

Alberto Durero: Willow Will, 1496-98

Adam Elsheimer: Huída a Egipto, 1609

Caspar David Friedrich: Monje a la orilla del mar, 1808-09

La que está considerada la obra maestra de Albrecht Altdorfer es La Batalla de Isos (también podéis encontrarla con el nombre de "La batalla de Alejandro"), cuadro creado en 1529.

Albrecht Altdorfer: La batalla de Isos, 1529.

Le fue encargado al pintor por el duque bávaro Guillermo IV y formaba parte de una serie de pinturas históricas confiadas para su realización a varios autores. El cuadro de Altdorfer muestra, en una abigarrada composición, la victoria de Alejandro Magno sobre las tropas persas de Darío III en la batalla de Isos en el año 333 a. C.

Altdorfer: La batalla de Isos, 1529, detalle.

El paisaje que nos muestra es alucinante, casi irreal si os fijáis en el cielo. Un cielo desatado que parece participar también en la batalla. Por ello, se me antojan dos partes bien diferenciadas: una, la inferior, presenta el fragor de la batalla en la que el rey persa huye en un carro de guerra, siendo perseguido por el macedonio.

Altdorfer: La batalla de Isos, detalle.

Darío.

Fuente de la imagen: Aquí

Altdorfer: La batalla de Isos, detalle.

Alejandro.

Lanzas de soldados se alzan por doquier, unos huyen, otros avanzan. La utilización del color es maravilloso, con un claro predominio de los cálidos, que nos acercan al estrépito del combate. La minuciosidad y el detallismo con el que está creado cada mínimo elemento del cuadro es fantástico.

Altdorfer: La batalla de Isos, detalle.

Altdorfer: La batalla de Isos, detalle

Pero la superior, esa, muestra a una naturaleza desatada, turbulenta que acompaña la violencia de la contienda.

Altdorfer: La batalla de Isos, detalle

Altdorfer fue, en el mundo germánico, con Lucas Cranach el Viejo, Wolf Huber y Jörg Breu, el creador de un arte original basado en un tratamiento del paisaje muy particular y como, se indica en el título, junto a todos ellos formó parte de la llamada Escuela del Danubio.

Firma autógrafa de Altdorfer

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons.

En cuanto a las obras de referencia:

- Huyghe, René: El arte y el hombre, tomo II. Edit. Planeta, 1974

- Laneyrie- Dagen, Nadeije: Leer la pintura. Edit. Larousse, 2005

- Stukenbrock, Christiane, y Töpper, Barbara: 1000 obras maestras de la pintura europea del siglo XIII al XIX. Edit. Köneman, 2000.

Dorothea Tanning.

2012-02-02T01:43:00.002+01:00

Hace apenas 15 días realicé en este blog una entrada sobre Dorothea Tanning. Era, y es, una de mis pintoras preferidas. Desgraciadamente, y gracias a alguien relacionado con una página web de Chicago dedicada al arte, la ciudad donde la autora comenzó a estudiar pintura, acabo de saber que ha muerto a la edad de 101 años.

101 años de fértil recorrido vital que han servido, como decía en el otro post, para que se convirtiera en una creadora con mayúsculas. Pintora, escritora, artífice de joyas, de muebles....... Nos quedará su genial obra.

Os dejo la página de la fundación de la artista y las palabras de Pamela S. Johnson, su directora, sobre su figura y su deceso.

Dorothea Tannig: Asclepius Formidabilis.

Jan Toorop- El Simbolismo en Holanda

2012-01-22T17:06:00.000+01:00

Fotografía de Jan Toorop, 1903

Como muchos otros pintores, Jan Toorop, uno de mis autores preferidos y, en general, poco conocido, pasó por diversas etapas en su evolución como pintor. Se le adscribe al movimiento simbolista holandés junto a Thorn Prikker, aunque las obras creadas bajo la etiqueta simbolista, serán pocas. En sus creaciones podemos encontrar telas impresionistas así como puntillistas, influenciado por Seurat, y, también, lo que se ha dado en denominar simbolismo católico, una vez que el autor se convierte a esta fe.

Jan Toorop: Trío, 1886

Jan Toorop: Annie Hall, 1886.

Será su esposa.

Jan Toorop: Alcoholismo, 1888.

Jan Toorop: Bonenplukster, 1889

Nació en Java en 1882, cuando Indonesia estaba bajo dominio holandés, una vez que éstos desalojan a los portugueses, que fueron los primeros en llegar en el siglo XVI para explotar la zona y comerciar con determinados productos, fundamentalmente especias. El dominio de los Paises Bajos sobre este territorio terminaría después de tres siglos y medio de colonialismo, durante la II Guerra Mundial, alcanzando Indonesia la independencia tras el término de esta guerra.

Jan Toorop: Una Nueva Generación, 1889

Jan Toorop: Lenore, 1892

Jan Toorop: Oh Tumba, ¿dónde está la victoria? , 1892

Toorop deja la isla siendo muy pequeño para establecerse en Holanda, comenzando una serie de viajes, en los que inicia su educación artística y que lo ponen en contacto con las corrientes plásticas del momento. Sus influencias provienen de los prerrafaelistas, de Ensor y de Rops, así como la de los Rosacruces de Sâr Péladan.

Jan Toorop: Retorno a sí mismo, 1893

Jan Toorop: Fatalismo, 1893

Jan Toorop: Las Tres Novias, 1893

Jan Toorop: Deseo y Gratificación, 1893.

La obra simbolista del autor muestra las líneas incurvadas y sinuosas del movimiento, la planitud en la representación de la perspectiva, la influencia del diseño oriental batik. Sus imágenes femeninas, con cabellos largos llenan las obras en una especie de "horror vacui", en visiones fantásticas e irreales, tal como afirma, Ana María Preckler. Murió en La Haya en 1928.

Jan Toorop: El Declinar de la Fe, 1894

Jan Toorop: Esfinge.

Jan Toorop: Autorretrato, 1911

Jan Toorop: Kleine Jezus met de Stigmata, 1920

Jan Toorop: Stigmata, 1922

Jan Toorop: Bezonkenheid, Meditatie, Vuur, 1923.

Jan Toorop: Het Gebed, 1926

Jan Toorop: Autorretrato, 1927

Por último comentaremos que su hija, Charley Toorop, también fue pintora. Conocí su obra en la Exposición "Mímesis, Realismos Modernos" que el Museo Thyssen -Bornemisza realizó en el año 2005-06 y su retrato me causó una viva impresión. Fue una firme defensora de la Nueva Objetividad en Holanda.

Charley Toorop: Autorretrato con paleta, 1932-33.

En esta obra que os dejo podéis ver cómo su rostro está modelado a grandes planos frente al cuerpo realizado con una factura más suelta. Su obra, su forma de pintar, es rápidamente reconocible, con influencias de su propio padre que maduran, posteriormente, hacia el expresionismo.

Charley Toorop: Las Tres Generaciones, 1941-1950.

Ella, su hijo Edgar y una escultura que representa a su propio padre.

Jan Toorop

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons y de la página dedicada a Jan Toorop

En cuanto a la obra de referencia:

- Preckler, Ana María: " Hª del Arte Universal, siglos XIX y XX". Edit. Complutense, 2003.

- Lucie- Smith, Edward: " El Arte Simbolista". Ediciones Destino, 1991

- " Mímesis, Realismos Modernos 1918-45". Catálogo de la Exposición del Museo Thyssen- Bornemisza, 2005-2006.

Os dejo además su propia página en la que encontraréis toda su obra comentada:
http://www.jan-toorop.com/

Dorothea Tanning y su Pequeña Serenata Nocturna.

2012-01-15T17:13:00.004+01:00

Dorothea Tanning fotografiada por Robert Bruce, 1948

Dorothea Tanning fue otra de esas mujeres artistas nacida en un mundo artístico copado por hombres que debió enfrentarse a su familia para perseguir sus sueños pictóricos. Nacida en Illinois en 1910, se escapa, primero a Chicago para estudiar técnicas artísticas, y luego a Nueva York, donde conocerá a toda una pléyade de artistas, entrando en contacto con las Vanguardias, al visitar en el Moma una exposición titulada " Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo" que la sedujo de forma inmediata.

Dorothea Tanning: Pequeña Serenata Nocturna, 1943.

Esta obra está considerada su obra maestra.

Dorothea Tanning: Cumpleaños, 1942

Dorothea Tanning: Voltage, 1942

De hecho, a esta autora se la adscribe al movimiento surrealista, una vez que conoce a Max Ernst y se casa con él. Ernst había perdido a su gran amor Leonora Carrington,otra de las grandes del surrealismo, aquejada de ataques de locura debido a una trágica y complicada historia vivida, fallecida el año pasado.

Escultura de Leonora Carrington.

Fuente de la imagen: Aquí.

Tras ella, Ernst se casa con Peggy Guggenheim, coleccionista de arte moderno, sobrina de Solomon, perteneciente a una riquísima familia que fue mecenas de las artes, creadora del Museo Guggenheim de Nueva York, obra de Frank Lloyd Wright. Posteriormente, Peggy comprará el Palacio en el que vivirá en Venecia, manteniendo un contacto muy estrecho con los mejores artistas del momento a quienes descubrirá y patrocinará.

Peggy Guggenheim rodeada de sus perros en Venecia, años 50'.

Fuente de la imagen: Aquí.

Curiosa fue la forma en la que se conocieron Max y Dorothea: el ajedrez los enfrentó durante horas y horas y, finalmente, los unió, hasta la muerte de él en los años 70'.

Max Ernst y Dorothea Tanning jugando al ajedrez
Fuente de la imagen: Aquí.

La obra de Dorothea cumple a pies juntillas los presupuestos surrealistas, un surrealismo apegado a la psicología, a la fantasía, al delirio, en definitiva, a lo onírico. El absurdo, el humor, las pesadillas, el erotismo todo esto empapan sus cuadros.

Dorothea Tanning: Avatar, 1947

Dorothea Tanning: Sueño de Lujo, 1944

Dorothea Tanning: Los Filósofos, 1952.

Dorothea Tanning: Sleeping Nude, 1954.

Tal como afirma Victoria Combalía, "en su obra de un surrealismo gótico, aparecen escenas imposibles y escabrosas: truchas que nadan bajo la mesa, su perrita apodada " kachina" en una talla gigantesca, torbellinos de cristal que envuelven a mujeres desnudas..."

Dorothea Tanning: Poached Trout, 1952

Fuente de la imagen: Aquí.

Dorothea Tanning: La Rosa y el Perro, 1952

No sólo pintó óleos, también creó escenografías para los ballets de Balanchine,el maestro gozne entre la danza clásica y la moderna; fue actriz puntual en una película dadaísta de Hans Richter....Fue, y es, una gran creadora.

Dorothea Tannig: Set diseñado para Bayou, ballet de George Balanchine, 1951

Dorothea Tanning: Traje para Bayou, ballet de Balanchine, 1951

Dorothea Tanning: Set creado para " The Wicht", ballet de John Cranko, 1950

Hizo joyas, creó muebles, y hacia finales de los años 50' y 60' su obra, para mí, cambia. Su paleta se aclara, las formas se desintegran, se diluyen, para dar paso a la casi abstracción hasta que a finales de los 90' comienza a plasmar maravillosas flores que llenan el espacio de sus telas.

Joyas creadas por Dorothea Tanning a mediados de los 60' .

Dorothea Tanning: Primitive Seating, 1982.

Dorothea Tanning: Tempestad en Amarillo, 1956

Dorothea Tanning: Insomnias, 1956

Dorothea Tanning: Flagrantis Speculum Veneris, 1997

Dorothea Tanning: Nefaster Cyaneus, 1997.

Dorothea sigue viviendo entre Nueva York y el sur de Francia. Pinta y escribe. Sólo que ahora, ya ha dejado de ser "la esposa de un pintor". Ahora, es considerada y conocida como una pintora con mayúsculas.

Dorothea Tanning en Nueva York, fotografiada por Sylvia Plachy, 2001

Todas las obras han sido extraídas de la propia web de la autora, muy interesante, en donde , en cada cuadro tenéis la explicación de la obra realizada por la propia pintora. La única intencionalidad de esta entrada es divulgar su trabajo.

En el resto de imágenes, no extraídas de esa web, tenéis el link del cual proceden.

Obra de referencia:

- Combalía, Victoria: Amazonas con pincel. Edit. Destino, 2006.

El Futurismo Italiano y el ensalzamiento del progreso: dinamismo y simultaneidad (y II)

2012-01-06T12:58:00.001+01:00

En la primera parte de este entrada hemos comentado como el dinamismo, el movimiento y la velocidad resumían la estética y la postura futurista.Los temas de sus obras fueron aquellos que estaban relacionados con lo industrial y lo urbano. En ella, citamos algunas obras de Boccioni, Carrà y Balla.

Giacomo Balla: Velocidad del automóvil, 1910

Fuente de la imagen: Aquí.

Aquí, comentaremos el trabajo de otros autores que formaron el núcleo primario de esta Vanguardia: Severini y Russolo, además de ocuparnos del cine, la literatura, el Secondo Futurismo, la disolución del grupo y su tratamiento de la mujer, así como la influencia que tuvo en otros países.

Gino Severini:

Respecto a Gino Severini, que se fue a París en 1906 y no volvió a Italia hasta 1934, digamos que fue, de todos los miembros del grupo, el más calmado y templado.

Gino Severini: Memorias de un viaje, 1911

Inicialmente, estuvo influido por el puntillismo de Seurat, un contacto que nunca perdió, aún en sus obras más futuristas. Quizás el hecho de que plasmase la danza con sus bailes y bailarinas, el mundo del teatro y de la vida nocturna y que no se apartase nunca de los postulados divisionistas, hizo que el público francés se sintiese muy interesado en su obra.

Gino Severini: Danzante en la luz ( estudio del movimiento), 1913

Gino Severini: Autorretrato, 1912

Fuente de la imagen: Aquí

De igual manera, su obra bebe del cubismo, como ya se ha comentado de forma general, al igual que del orfismo de Delaunay. A pesar de lo dicho, se puede afirmar que Severini fue un futurista integral.

Gino Severini: Bailarina azul, 1912

En su " Bailarina azul" Severini, utiliza una composición triangular con una gama de tonos azules y grises blanquecinos, con el brazo y la cabeza multiplicándose desde distintas perspectivas. También recoge la técnica del collage en la utilización de lentejuelas brillantes.

Escribió el manifiesto "Analogie Plastiche del dinamismo", en 1913, en la que sostiene que determinados colores y formas transmiten diferentes impresiones y recuerdos, algo que denomina " analogía plástica". Por ello, realizará una serie de obras no figurativas, en las que incorpora composiciones esféricas.

Gino Severini: Bailarina= Hélice=Mar, 1915

Gino Severini: Bailarina, 1913

Gino Severini: Expansión esférica de la luz centrífuga, 1913-14

Gino Severini: Fiesta en Montmartre (Carrusel) 1913.

Gino Severini: Simultaneidad de grupos centrífugos y centrípetos, 1914

Luigi Russolo:

Luigi Russolo: Dinamismo de un automóvil, 1912-13

Uno de los cuadros más conocidos de Russolo, es el que representa lo que Marinetti calificaba de " bestia refunfuñante". Es " Dinamismo de un automóvil" de 1912-13, un modelo moderno de coche, aerodinámico,de ángulos agudos, tratado con colores azul y violeta que parece ir a gran velocidad. No hay referencia al mundo real, es un icono abstracto del dinamismo postulado por el futurismo. (1)

Luigi Russolo, 1916
Fuente de la imagen: Aquí

Además de esta querencia por la pintura, Russolo, se decantó muy tempranamente por la música. Vasili Kandinsky también lo hará y unirá pintura y música hablando de ello en " De lo Espiritual en el arte".Con tonalidades de color, acordes cromáticos, disonancias y armonías, se hacía referencia a todo el universo plasmado en las telas.

Luigi Russolo: La música, 1911

Fuente de la imagen: Aquí.

Música Futurista.

Carrà escribió en 1913 el manifiesto La Pittura dei suoni, rumori, odori ( La pintura de los sonidos, los ruidos y los olores), donde conjugaba el principio futurista de la simultaneidad, la coincidencia en el tiempo de impresiones distintas, para las áreas sensoriales de la vista, el oído y el olfato.(2).

Russolo, en 1913, dedica al músico Balilla Pratella el manifiesto El arte de los ruidos, tras lo cual abandona la pintura para dedicarse integramente a la música junto a su hermano Antonio. Si queréis leerlo: Aquí.

Fuente de la imagen: Aquí.

Con la ayuda del músico y pintor Ugo Piatti y su hermano realiza una serie de máquinas sonoras denominadas intonarumori (entonarruidos), además del rumorarmonio de 1924.

Intonarumori

Rumorarmonio

Russolo y su hermano con los Intonarumori.

Os dejo un par de vídeos: el primero es el titulado La Pioggia en la que podéis escuchar un tema para soprano, piano e intonarumori, teniéndo como imágenes el Ballet Mecanique de Leger de 1924. En el segundo, podréis escuchar como suenan los Intonarumori en un tema llamado Macchina Tipografica.

A Russolo se le ha valorado como el precursor de la actural música electrónica y de vanguardia. (3)

Literatura Futurista:

Para hablar de ella debemos referirnos de nuevo a Filippo Tommaso Marinetti, ya que fue él quien, con sus parole in libertà ( palabras en libertad) y sus tavole parolibere ( tablas parolibres), destruyó las estructuras sintácticas, obvió adverbios y adjetivos y desarrolló un estilo telegráfico con signos matemáticos y con montajes verbales onomatopéyicos, proclamando la tipografía libre y sin mostrar un texto unitario.


Tavola Parolibera. Fuente de la imagen: Aquí.

Irredentismo, 1914. fuente de la imagen: Aquí

En 1914 publica la novela Zang Tumb Tumb en la que refleja sus experiencias durante el asedio italiano de Adrianópolis, escrita de forma libre en todos los aspectos.Todo ello influiría en los collages que los otros miembros del grupo utilizaron en sus pinturas e inspiró al dadaista Tristan Tzara.


Fuente de la imagen: Aquí.

"cada 5 segundos cañones de asedio destripar espacio con un acorde ZANG-TUMB-TUUUMB amotinamiento de 500 ecos para roerlo, desmenuzarlo, desparramarlo hasta el infinito. En el centro de esos ZANG-TUMB-TUUUMB despachurrados amplitud 50 kilómetros cuadrados saltar estallidos cortes puños baterías de tiro rápido Violencia ferocidad regularidad esta baja grave cadencia de los extraños artefactos agitadísimos agudos de la batalla Furia afán orejas ojos narices ¡abiertas! ¡Cuidado! ¡Adelante! qué alegría ver oír olfatear todo todo taratatatata de las metralletas chillar hasta quedarse sin aliento bajo muerdos bofetadas traak-traak latigazos pic-pac-pum-tumb extravagancias saltos altura 200 metros de la fusilería Abajo abajo al fondo de la orquesta metales desguazar bueyes búfalos punzones carros pluff plaff encabritarse los caballos flic flac zing zing sciaaack ilarí relinchos iiiiiii pisoteos redobles 3 batallones búlgaros en marcha croooc-craaac (lento) Sciumi Maritza o Karvavena ZANG-TUMB-TUUUMB toctoctoctoc (rapidísimo) croooc-craaac (lento) gritos de los oficiales romper como platos latón pan por aquí paak por allí BUUUM cing ciak (rápido) ciaciacia-cia-ciaak arriba abajo allá allá alrededor en lo alto cuidado sobre la cabeza ciaak ¡bonito! Llamas llamas llamas llamas llamas llamas (...) " Marinetti, Zang Tumb Tumb, 1914.

Fotografía y Cine Futurista:

Fueron, fundamentalmente, Anton Giulio Bragaglia y su hermano Arturo, quienes se ocuparon, de hacer real, dentro del ismo futurista, que la fotografía era una disciplina artística, idea que enfrentaba dialécticamente a Marinetti y Boccioni, ya que éste último, nunca la creyó a un mismo nivel, rechazándola por considerarla una reproducción mecánica y no artística. Antón y Arturo fundaron el llamado "fotodinamismo" y Antón escribió La fotografía de movimiento y Fotodinamismo futurista, ambas de 1913, en las que plasma, precisamente esa búsqueda de movimiento, de dinamismo para acercarse a lo que Marinetti preconizaba para la pintura.

Bragaglia: Fumador, 1913. Fuente de la imagen: Aquí.

Bragaglia: El Violonchelista, 1913

Tato: Retrato de Marinetti. Fuente de la imagen: Aquí.

Veronesi: Interferencia. Fuente de la imagen: Aquí.

También se unirán a esta búsqueda las obras de Fortunato Depero,Tato y Luigi Veronesi que posteriormente se relacionaría con la Bauhaus. (4)

Cine

En cuanto al cine, para Sonia Villegas, no es posible hablar de cine futurista en stricto senso, ya que el único film futurista "vida futurista" realizado por Giacomo Balla y Marinetti entre otros, no se conserva. Sólo quedan algunos fotogramas que muestran escenas absurdas e irreales, como la discusión entre un pie, un martillo y un paraguas o el baile de una aparición femenina durante el enlace de Giacomo Balla con un sillón.(5). La que sí se conserva es Thais rodada por Bragaglia en 1916, además de Mi Cadaver o Pérfido encanto.(6)

Fotogramas de Thais de Bragaglia, 1916.

Pero el interés que éstos demostraron por el cine y sus presupuestos hicieron mella en toda una generación de artistas, fundamental, en el cine soviético en concreto, que "termirá en cuajar en la creación de la FEKS o Fábrica del Actor Excéntrico, que proponía un cine basado en el bagaje cultural y artístico del futurismo" .(7)

Autores como Grigori Kosisntsev, Krizicky, ect...investigan y se identifican con el arte, la máquina , la electricidad, creando un texto denominado Manifiesto del Excentricismo donde se vierten todos estos presupuestos. (8) Para Villegas " los futuristas pueden considerarse los pioneros" de este cine .(9) . Y así por ejemplo, afirma que fue fundamental para Dziga Vertov ( el creador del cine-ojo) que en 1915 se proclama futurista.(10).

Dziga Vertov

Fuente de la imagen: Aquí.

I Guerra Mundial y Secondo Futurismo:

El estallido de la Gran Guerra ( 1914-18) supuso la descomposición del grupo inicial ya que, a la muerte de Boccioni y del arquitecto Sant'Elia en la contienda, se le une el alejamiento de algunas de sus más importantes figuras como Carrà que conociendo a Giorgio de Chirico, en el frente, se une a él y a la pintura metafísica, mientras que por su parte, Balla y Severini siguen otros derroteros artísticos, figurativistas fundamentalmente.

Gino Severini: Mosaico en Cortona. Fuente de la imagen: Aquí.


Giacomo Balla: Marcia su Roma, 1932 Fuente de la imagen: Aquí

Tras la guerra, existió una cierta vinculación del futurismo con el fascismo. Para la profesora Llanos Gómez, esa vinculación existió, pero en los años 20', Marinetti dejará los Fasci di Combattimento, debido a sus posturas antimonárquicas y anticlericales, para volver a acercarse más tarde con la " intención de dar continuidad al futurismo".(11) Así , obtendrá, finalmente, la legitimación del ismo como arte de estado convirtiéndose en mecanismo de propaganda fascista y aceptando, Marinetti, una cátedra en la Reale Accademia d'Italia y manteniendo , una lealtad personal a Mussolini.

Pero, a finales de los años 30', Marinetti se muestra en contra de los postulados antisemitas y a favor del denominado "arte judío y degradado", lo que finalmente lo hace alejarse de la vida pública para centrarse en la literatura y la dramaturgia.(12)

Pero antes de esto, Marinetti, no sólo glorificará la guerra, como ya se ha visto, manteniendo un postulado de carácter darwinista social, si no que también fundamentará el desprecio a la mujer, reducida a ser un simple juguete erótico o a ser víctima de la misoginia (algo que se puede observar en su novela Marfaka).

Al hilo de este tema, diremos que la francesa Valentine de Saing-Point, aportará una contribución teórica al ismo con su "Manifiesto della Donna Futurista", escrito desde un punto de vista políticamente incorrecto, que diríamos hoy, críticando los postulados marinettianos.

Valentine de Saing-Point

Fuente de la imagen : Aquí

En el Secondo Futurismo, (hasta finales de los años 30') , se desarrolló la llamada aeropittura o pintura en un aeroplano fundada por Dottori, Tato, Crali y Prampolini. Se trataba de crear diferentes perspectivas espaciales, visiones de la tierra desde arriba con tonalidades fuertes. Finalmente, en la primera mitad de la década de 1940, el movimiento se extinguirá con la muerte de Marinetti en el año 1944.


Tullio Crali: Introduciéndose en lo habitado (En picado sobre la ciudad), 1939. Fuente de la imagen: Aquí.

Dottori. Fuente de la imagen: Aquí.


Tatto. Fuente de la imagen: Aquí.


Enrico Prampolini. Fuente de la imagen: Aquí.

Traspasando fronteras: sobre la influencia futurista fuera de Italia

La obra de los futuristas fue conocida a partir de 1912, cuando las obras de sus autores hicieron una gran gira europea: París, Berlín, Colonia, Munich...Sin embargo, los artistas europeos de vanguardia no se unieron al movimiento. Quizás el contacto más profundo tuvo lugar en Inglaterra en donde se desarrollaría el llamado Vorticismo, único movimiento inglés de vanguardia, con Percy Wyndham Lewis ( creador de la revista The Blast), Lawrence Atkinson, David Bomberg y al que se unió también, el literato Ezra Pound.

Percy Wyndham Lewis

Fuente de la imagen: Aquí.

De igual manera, en Rusia, los escritos futurista tuvieron un gran impacto,al igual que el cubismo que con Malevich, fundamentalmente, se atraviesa una fase, que el propio autor calificó de cubo-futurista, aunque, en el mismo momento,Natalia Goncharova y Larionov estaban desarrollando ya el Rayonismo, que tal como declaraba éste último, era una síntesis del cubismo, del futurismo y del orfismo

Malevich: El afilador de cuchillos, 1912

Fuente de la imagen: Aquí

Larionov: Rayonismo Rojo, 1913

Fuente de la imagen: Aquí.

De todo lo dicho anteriormente, se puede decir que a pesar de existir manifiestos que fueron firmados por los distintos autores que participaron en esta Vanguardia, los objetivos y las experiencias fueron muy diversas y su influencia, más allá de la comentada, continuaría en el op art y en el arte cinético más contemporáneamente.

Boccioni: Formas únicas de la continuidad en el espacio, 1913.

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons o de la Ciudad de la Pintura. Si no ha sido así, tenéis al pie de cada fotografía el link del que proceden.

En cuanto a las citas y obras de referencia:

1- Martin, Sylvia: Futurismo. Edit. Taschen. Pag. 52

2- Idem, pág. 40.

3-http://www.uclm.es/artesonoro/russolo.html. Interesante página sobre la música futurista y sobre Russolo.

4- Sougez, Marie-Loup: Hª de la fotografía. Cuadernos de Arte Cátedra, 2011

5-Martin, Sylvia: futurismo. Edit. Taschen, pag, 64

6- http://www.publicacions.ub.es/bibliotecadigital/cinema/filmhistoria/Art.Villegas.pdf

7/10- Idem.

11- http://redalyc.uaemex.mx/pdf/935/93501213.pdf

12- Idem.

Además de las obras anteriores:

- Sobre Gino Severini tenéis una entrada fantástica con muchas obras en uno de los blogs para disfrutar que guardo en el mío: http://www.odisea2008.com/2011/12/gino-severini-pintor-futurista.html

- Sobre revistas y periódicos futuristas y su relación con el fascismo: http://redalyc.uaemex.mx/pdf/935/93501213.pdf

- Sobre el cine futurista y su influencia en el cine soviético: http://www.publicacions.ub.es/bibliotecadigital/cinema/filmhistoria/Art.Villegas.pdf

- Sobre arquitectura futurista: http://www.uclm.es/profesorado/juanmancebo/descarga/textos/Mancebo2.pdf

- Sobre la figura de Valentine de Saing-Point : http://www.tate.org.uk/tateetc/issue16/futurism2.htm ( en inglés)

- Ángel Gónzalez García, Francisco Calvo Serraller, Simón Marchán Fiz: Escritos de arte de vanguardia, 1900/ 1945. Akal.

- Lynton, Norbert: Historia del Arte Moderno. Ediciones Destino, 1988

- VV.AA: Arte del S. XX. Edit. Taschen.

El Futurismo italiano y el ensalzamiento del progreso: dinamismo y simultaneidad (I)

2011-12-31T10:08:00.000+01:00

"Queremos liberar a Italia de los incontables museos que la cubren como incontables cementerios".

Manifiesto Futurista. Marinetti. 1909.

De izquierda a derecha: Luigi Russolo, Carlo Carrà, F.T. Marinetti, Umberto Boccioni y Gino Severini. París.1912

Fuente de la imagen: Aquí.

Ámbito histórico:

Año 1900: en Italia, al igual que en otros países del mundo occidental, el bienestar material de la población mejora, y mucho, en ese momento: aparece el agua corriente en los hogares, la energía eléctrica, la calefacción, el ascensor, el teléfono, todo tipo de vehículos: tranvías, autobuses, ferrocarríles, aeroplanos..

El gramófono dejaba escuchar las primeras notas de jazz, un estilo divulgado en Europa hacia la I Guerra Mundial; la radio y el telégrafo, revistas y periódicos baratos se podían encontrar en casi todos los hogares; avances importantísimos en la medicina como el descubrimiento de los rayos X. Todas estas innovaciones hacían necesario, obviamente, dejar atrás el pasado.

Italia, uno de los centros de la civilización occidental, había dirigido el mundo durante siglos, vivía de la gloria de los tiempos antiguos. Durante el principio del S. XIX no hubo intentos de renovación de su cultura, pero 1870 supone el proceso de unificación del país que la convierte en una nación unida, moderna: es la época del Risorgimento cultural y también, en el ámbito pictórico, el momento de los Macchiaioli que, con su pintura de manchas, se vuelven hacia el Impresionismo francés buscando una regeneración en el arte.

Johnson: Mapa de Italia, 1866

Para muchos intelectuales del momento, Italia tenía que situarse en la línea de los países europeos más modernos, tanto en el ámbito cultural como técnico. Su industrialización fue más tardía que en Inglaterra o Alemania y el país seguía siendo un territorio netamente agrario, con una gran diferenciación entre el Norte industrial ( Milán y Turín) y un Sur profundamente atrasado, con una agricultura en crisis, lo que dió como resultado disturbios, huelgas y represión.

Hacia 1900 la situación sociopolítica era muy difícil: la alta burguesía seguía sosteniendo estructuras políticas tradicionales y el proletariado, sin embargo, clamaba un cambio radical y justicia social. Los enfrentamientos fueron muy sangrientos ya que la clase obrera en este momento, sobre todo en Milán, estaba muy organizada. De este contexto saldrán cuadros como el del Carlo Carrà y su Funeral por el anarquista Galli, que veremos posteriormente.

Filippo Tommaso Marinetti:

" Italia ya ha sido durante bastante tiempo el gran mercado de los vendedores de trastos viejos" . Marinetti. (1).

El poeta y editor Marinetti fue el fundador ideológico de la corriente Futurista, otra de las Vanguardias Históricas, que precisamente intentaba dejar de lado lo que él denominó " pasadismo" y que designaba, la Italia periclitada y antigua. Negó todo el pasado del país, para poner en primera línea lo que denominó Futurismo. También Giovanni Papini y el escritor-artista Ardengo Soffici, que escribían en periódicos como Leonardo o Voce, se unirían a estos presupuestos.

El arte de los futuristas fue variado y experimental y una vez más, como ocurre con todos los ismos, fue un fenómeno de arte total: literatura, música, teatro, fotografía, artes plásticas, artesanía, arquitectura, cine, tipografía, ect...Al mismo tiempo, expresaba teorías extremas sobre temas políticos y sociales. Todo fue imbuído de una nueva visión del presente que buscaba la renovación radical. En este sentido, era más que otra de las vanguardias que afloraron antes de la I Guerra Mundial. Era una posición vital ante la situación de Italia en el mundo y del mundo en general.

Carlo Carrá: Retrato de Marinetti, 1910-11

Manifiesto Futurista

Marinetti, pues, crea el Manifiesto que apareció en el periódico francés Le Figaro en 1909 en primera plana. Lo hizo por sorpresa y a él, se adhieren, rápidamente, algunos creadores.

Manifiesto Futurista, 1909. (2)
Para leerlo entero con traducción de Ramón Gómez de la Serna en 1909 : Aquí.

En este manifiesto fundacional, la Vanguardia Histórica Futurista prometía destruir los museos y bibliotecas como reliquias del pasado, renegando de ellos y reconociendo sólo , como modelos, a algunos pintores de la generación anterior: Giovanni Segantini, Gaetano Previati y Medardo Rosso, ignorados por la crítica en ese momento.

Giovanni Segantini: El Ángel de la Vida.

Gaetano Previati: El Carro del Sol, circa 1900

Medardo Rosso: Hombre leyendo, 1898

Glorificaban la exaltación de la fuerza, de la velocidad, de la nueva belleza: " un coche de carreras, que parece consumir pólvora, es más hermoso que la Victoria de Samotracia" ; de la guerra " única higiene del mundo", del patriotismo. Celebraban la crueldad, la violencia y la dureza de una vida injusta en la que los fuertes prevalecerían por encima de los débiles. (3) . Buscaban el caos, la anarquía, la provocación, el alboroto. Daban conferencias que eran una mezcla de espectáculo de cabaret y de arengas, leían sus manifiestos, recitaban sus poemas, y terminaban, a veces, gritando insultos al público, en teatros y salas de múltiples ciudades, y recibiendo a cambio una nube de objetos lanzados por el respetable.

Fuente de la imagen: Aquí.

Victoria de Samotracia, Período Helenístico, hacia 190 a.C

Criticaron todas las concepciones burguesas, bebiendo de la obra de Nietzsche y de su "superhombre" ( la obra de Marinetti, Mafarka, trazó precisamente esa "imagen de superhombre, un ser híbrido de hombre y máquina, titán que carece de recuerdos sentimentales, que vive en función del momento, en el que descarga su vitalidad y su fuerza destructora sin que nada se lo impida"). (4).

Fuente de la imagen: Aquí.

De igual manera, recogen las ideas de la obra de Bergson que afirmaba que el impulso primario del hombre conducía a que la creación no se detuviese jamás, proponiendo, entonces, un tipo de arte que mirase siempre hacia el futuro. Aprendieron además, de este autor, que "la experiencia debía ser representada como multiplicidad y fragmentación, lo que exigía representaciones superpuestas y transparentes, una mezcla de lo cercano y lo lejano, de lo que se movía y lo que estaba en reposo, de lo visto y lo recordado". (5)

Estética:

En 1911, Boccioni, Carrá y tal vez Russolo, miembros del ismo del que nos estamos ocupando, se trasladaron a París para estudiar el arte que allí se estaba desarrollando, fundamentalmente, el Cubismo , cuya aparición pública había sido anunciada por los periódicos italianos y, dejándose imbuir por éste y tomando sus claves de composición, el futurismo fue considerado como una rama del cubismo. Al año siguiente presentaron, en la misma ciudad, su primera exposición que fue itinerante. Marinetti dio conferencias en San Petersburgo y en Moscú en 1914 y se dieron a conocer rápidamente.

Cubismo

Juan Gris: retrato de Picasso, 1912

Picasso: Botella del Vieux Marc, 1913

Fuente de la imagen: Aquí.

Tomaron, pues, los presupuestos de los cubistas así como del divisionismo, del orfismo de Delaunay y del expresionismo, aunándolos en un eclécticismo, por el que fueron muy criticados.

Divisionismo

Matisse: Lujo, Calma y Voluptuosidad, 1912

Orfismo
Delaunay: Campo de Marte, 1911-23

Además utilizaron una gama cromática amplia repitiendo con ella una misma imagen varias veces a modo de secuencia fílmica, sistema denominado "simultaneísmo".

Giacomo Balla : Muchacha corriendo en el balcón, 1912-13.

Se vieron muy influidos, del mismo modo, por la fotografía y la cronofotografía de Muybridge en EEUU y de Marey en Francia. En el Manifiesto técnico de la pintura futurista se decía que "un caballo en movimiento no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares"(6). De esta manera, los objetos se multiplicaron en distintos elementos: eran las líneas de fuerza, el dinamismo, la descomposición de los planos.

Trabajos de Muybrigde

Cronofotografía de Marey: Hombre andando, 1890-91

Los artistas y algunas de sus obras:

Balla, Boccioni, Carrà, Russolo y Severini, se unieron al futurismo hasta que, hacia 1915, el movimiento se compartimentó.

Giacomo Balla:

Balla, estaba muy interesado por la cronofotografía tanto de Marey, ya citado, como de los hermanos Bragaglia. Siguió sus propuestas y multiplicó la forma para representar el movimiento. La luz y el color fueron tomados del divisionismo de Seurat y Signac, que estudió a fondo,así como la obra del físico Chevreul en quien éstos se basaron.

Giacomo Balla: Ritmos del Arco, 1912.

Fuente de la imagen: Aquí

Giacomo Balla: Dinamismo de un perro con cadena, 1912

Giacomo Balla: Velocidad de un automóvil, 1912.

Giacomo Balla: Viva Italia, 1915.

Fuente de la Imagen: Aquí

Este cuadro, fue fundamentalmente, propagandístico, pintado en un contexto de euforia bélica, de sentimientos patrióticos y de exaltamiento de los valores nacionalistas en contra de los austríacos. Los colores utilizados son los de la bandera nacional italiana. Recordemos que Italia en 1915 declara la guerra a Austria- Hungría, guerra en la que muchos artistas futuristas fueron al frente voluntariamente. La abstracción en la obra es absoluta.

Umberto Boccioni:

Su obra es todo movimiento. Fue una de las figuras decisivas de esta Vanguardia. En su primera obra " La ciudad que se alza" plasma todos los aspectos fundamentales del Futurismo: la composición es dinámica, utilizando pinceladas cortas y enérgicas, arremolinadas y utilizando colores muy expresivos.

Umberto Boccioni: " La ciudad que se alza". 1910-1911

Boccioni escribió Pittura scutura futuriste (Dinamismo Plástico) en 1914, en donde hablaba de los estados de la forma y de los estados de color: a cada emoción sensorial correspondía una forma-color análoga. Fue el que más estudió a Bergson en el que descubrió el concepto de "états dâme" o estados de ánimo.

Umberto Boccioni: Matter, 1912

En "Dinamismo de un jugador de fútbol", la abstracción, de nuevo, es palpable, contraponiendo tendencias del movimiento, denominadas, centrífugas y centrípetas y condensando las formas, realizadas en grandes superficies, en el centro del cuadro que es casi cuadrado.

Umberto Boccioni: Dinamismo de un jugador de fútbol, 1913

Umberto Boccioni: Elasticidad, 1912

Umberto Boccioni: Dinamismo de un ciclista, 1913

Carlo Carrà:

Carlo Carrá, se suscribió, rápidamente, al manifiesto de Marinetti y quizás sea el autor que más se vió influído por el Cubismo que conoció después de realizar dos viajes a Paris coincidiendo con Picasso, Braque, Gleizes y Léger. Es el momento, en el que lleva a cabo el análisis de las formas a la manera cézanniana, reduciendo la realidad al cilindro, la esfera y el cono, plasmándolos en sus telas, acompañados de líneas curvas, colores terrosos y la técnica del Collage, creando, posteriormente una variante personal.

Carlo Carrà: La mujer en la ventana, 1912

Carlo Carrà: La Galería en Milán, 1912

En "Manifestación Intervencionista" de 1914, no hay figuración en absoluto. Es un cuadro abstracto realizado con trozos de periódicos, etiquetas y textos que confluyen en el centro de la tela y que estallan hacia afuera. Violencia, agresividad, dinamismo es lo que podemos ver en él siguiendo estrictamente los postulados futuristas. Además,volvemos a estar delante, de un cuadro de tipo propagandístico, ya que en una Italia dividida entre las posturas intervencionistas y neutralistas en la I Guerra Mundial, Carrá deja claro que su postura es la de la intervención.

Carlo Carrà: Manifestación Intervencionista, 1914.

Los cuadros de Carrà, serán los más comprometidos políticamente, con respecto a todos los de los compañeros del ismo. Estuvo muy en contacto con los anarquistas italianos refugiados en Gran Bretaña. Él mismo militó en el movimiento y estudió a fondo a Marx. El cuadro "Funeral por el anarquista Galli", construído bajo los parámetros futuristas, ya no cubistas, muestra esa preocupación sociopolítica. Galli fue un anarquista fusilado en Milán en 1904 tras una huelga general y el tumulto posterior. Carrà estuvo allí y escribió:

" Veía delante de mí el féretro totalmente cubierto de claveles rojos balanceándose peligrosamente sobre los hombros de sus portadores; veía como se espantaban los caballos (...), de forma que estaba convencido de que antes o después el féretro caería al suelo y los caballos le pasarían por encima. Nada más volver a mi casa, tracé un dibujo del acontecimiento dejándome llevar por aquella fuerte impresión (...)

Carlo Carrà: Funeral por el anarquista Galli, 1911

Por último, sobre Carrà, comentaremos que sirviendo en el ejército conocerá a De Chirico en un hospital militar en 1916, y ambos se unen a la pintura Metafísica, a partir de lo cual, sus telas serán mucho más tranquilas.

Carlo Carrà: Musa Metafísica, 1917

Fuente de la imagen: Aquí.

Arquitectura:

Fundamentalmente, hay que adscribir a este entorno futurista a los arquitectos Antonio Sant'Elia así como a Virgilio Marchi y Mario Chiattone que realizaron sobre el papel todo tipo de edificios: estaciones de tren o aeropuertos y centrales eléctricas, pero se quedaron en eso, en puras especulaciones teóricas ya que los proyectos nunca se llevaron a la práctica.

Sant'Elia, 1914

Antonio Sant'Elia fue el arquitecto más destacado del futurismo. Intervino como voluntario en la I G.M en la que encontró la muerte en 1916.

Su concepcto de arquitectura se basaba en la utilización de materiales modernos como el hormigón y el acero, sin decoración alguna, proclamando una vida de corta duración para los edificios. Para él la casa era una máquina ( como diría Le Corbusier, años después) y la ciudad un inmenso edificio en construcción. Se basó para crear sus dibujos y proyectos en la utilización de líneas verticales y horizontales.

Sant'Elía

Mario Chiattone, 1914

Virgilio Marchi, 1919

Fuente de estas últimas imágenes: Aquí

Toda la obra gráfica utilizada para esta entrada pertenece a Wikimedia Commons y a Ciudad de la Pintura. Si no ha sido así, tenéis, al pie de la fotografía, la página de la que procede.

En cuanto a las citas y obras de referencia:

1- VV. AA: Arte del Siglo XX. Edit. Taschen. Pág. 83

2-http://www.esteticas.unam.mx/revista_imagenes/rastros/ras_saenz01.html

3- VV.AA: Arte del Siglo XX. Edit. Taschen. Pág. 84
4- Martin, Sylvia: Futurismo. Edit. Taschen. Pág. 8
5-Lynton, Norbert: Historia del Arte Moderno. Ediciones Destino, 1988. Pág. 87
6- Martin, Sylvia: Futurismo. Edit. Taschen. Pág. 14

Además de los libros y páginas web utilizados en las citas:

- Arquitectura: http://rapulopulo.blogspot.com/2009/10/virgilio-marchi-y-mario-chiattone.html
- VV. AA: El gran Arte: Pintura. Edit. Salvat. Vol. 6

Ingres: El gran creador de los desnudos femeninos.

2011-12-04T19:09:00.000+01:00

" Sí, el arte necesita ser reformado ; y yo quiero ser ese revolucionario".(1)

Jean Dominique Ingres: Autorretrato a los 24 años, 1804.

A Ingres se le ha considerado como un pintor encuadrado en la corriente Neoclásica por su gusto por la línea y la factura lisa. Sin embargo, este autor, es uno de esos artistas cuya obra no es posible circunscribir en un único movimiento.

Ingres: Los Embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles, 1801

Ingres: 1812

De hecho, desarrolló un estilo tan personal que comenzó a denominarse "Ingrismo": cuadros de tipo romántico, telas de estilo trovadoresco, orientalista en pinturas llenas de exotismo y sensualidad, próximo al Realismo en determinados retratos, anticipador de los retratos fotográficos de moda entre los burgueses en 1840....

Ingres: Gianciotto descubre a Paolo y Francesca, 1819

Ingres: La Bañista, 1839

Ingres: François-Marius Granet, 1807

Todo eso y mucho más podemos encontrar en las telas de este autor que fue un trabajador incansable y que al final de su vida, a una edad provecta, obtendrá la victoria de ser reconocido como un gran artista y como un maestro. Hasta ese momento el rechazo a sus obras, desde el primer lienzo, le causó un profundo desasosiego, situación que fue superando con dificultad.

Ingres: Napoleón en su trono imperial, 1806.

Ésta fue una de las telas, pintada por iniciativa propia, que fue objeto

de críticas demoledoras (se le calificó de arcaico y gótico) que lo decepcionaron terriblemente.

Jean Auguste Dominique Ingres nació en 1780 en el sur de Francia. Vivió el ciclo revolucionario burgués de finales del Siglo XVIII y del XIX y sistemas políticos completamente diferentes.

La revolución de 1830 y "las tres gloriosas" apenas influyeron en el artista, que se mantuvo alejado de las luchas, pero con la subida al trono de Luis Felipe de Orleans, se vió salpicado por debates políticos en los que se le acusó de conservador por realizar retratos de personajes ligados a la monarquía borbónica mientras que la prensa monárquica lo calificaba de renovador del arte religioso y nacional en Francia.

Ingres: El Duque de Orleans, 1842

Ingres: La vizcondesa Louise-Albertine d'Haussonville, 1845

Esta división de opiniones entre los que estaban a favor y en contra de su arte, incidió tanto en él que declaró que nunca más sería una persona pública y de esta manera se dirigió a un exilio voluntario yendo a Italia en donde asumirá el cargo de Director de la Academia francesa de Roma.

Ingres: La odalisca y su esclava, 1842.

Comienzos y formación:

Sus comienzos como pintor se sitúan en la época de la Revolución Francesa y, guiado por su padre que era pintor,escultor y arquitecto y que tenía taller propio, siendo aún niño, hizo los primeros retratos en dibujo.

Como en otros muchos casos de grandes artistas, sus primeros modelos pertenecieron al círculo familiar.Con 11 años entró en la Academia de Arte de Toulouse para recibir la formación académica usual: primero, copias de antiguos maestros y más tarde pinturas de modelos, forma de trabajo que conservó durante toda su vida.

Posteriormente, estudió con Jacques-Louis David en Paris,en un centro que, físicamente, estaba en el Louvre y que era considerado el más importante centro de formación de Francia y quizá de toda Europa. Pronto el maestro se fijó en él y lo empleó como ayudante, fundamentalmente para la realización de retratos.

Ingres: Retrato de Madame de Sennones, 1814

Los retratos, de hecho, le darían el suficiente reconocimiento a lo largo de su vida. Al principio los hizo por necesidad, pero posteriormente, cuando ya era famoso, a mediados del S. XIX, sus clientes fueron personas influyentes, destacadas, pertenecientes al ámbito de la política, la Iglesia y la sociedad. Burgueses y nobles fueron plasmados con una precisión en la reproducción genial, algo que nos hace pensar en la fotografía. Los accesorios, sus texturas, los vestidos a la moda con sus brillos, los reflejos de las joyas, cadenas y anillos... Todo lo llevaba a cabo con un realismo sorprendente.La perfección de sus retratos era el resultado de un proceso de trabajo frecuentemente largo y difícil.

Ingres: Princesa Pauline-Eléonore de Broglie, 1851-1853

Ingres: Madame Moitessier sentada, 1856

Sin embargo, llevó a cabo, digamos, ciertas deformaciones anatómicas, un cierto "manierismo" en la composición de algunos cuadros, que no fueron bien entendidos en su momento y que supuso que los críticos se cebaran con él, ya que esas deformaciones se entendieron como carencias artísticas. En Ingres lo anticonvencional fue entendido como defecto de factura y de conocimiento de la pintura. Nada más lejos de la verdad.

Ingres: Caroline Riviere, 1805.

Fue el único retrato de Ingres al aire libre.

Ingres: La gran Odalisca, 1814

A pesar de la realización de estos retratos, el gran intéres de Ingres consistió en ser considerado como pintor de Historia, pues era más prestigiosa. Esa pintura comprendía la representación de narraciones de la Antigüedad clásica romana y griega, pero también de la Historia Sagrada. Ingres estudió de cerca "El Juramento de los Horacios" de su maestro David , una de las obras cumbre del neoclasicismo francés, del que tomó la composición de las figuras en el espacio, los contornos y los cuerpos.

Ingres: La apoteosis de Homero, 1827

Ingres: Júpiter y Tetis, 1811

Como otros muchos pintores que querían tener una formación sólida, irá a Italia: a Roma, primero, como becario y, posteriormente, como Director de la Acadèmie de France romana, como se ha comentado anteriormente. También estará en Florencia. Ahí se empapará de los clásicos, fundamentalmente estudiará la obra de Miguel Ángel y Rafael ( éste último fue siempre su referencia), aunque también le llamarán la atención obras de los siglos XIV y XV.

Ingres: Rafael y la Fornarina, 1814

1820 fue el año en el que llegó al punto más bajo de su carrera: se ganaba la vida haciendo encargos de retratos de turistas y escenas de género de pequeño formato pero no recibía suficientes encargos lo que le llevó a decir que "muchas veces no tengo en casa ni pan y el panadero ya no me fia". (2)

Cuando todo parecía perdido se le encarga el Voto de Luis XIII . Este cuadro tendrá una acogida fabulosa. De hecho se consideró como su primera gran obra maestra, y en solo unos meses pasó, de estar en la miseria, a ser uno de los artistas más aclamados de su generación. Regresó a Francia y un año después abrió una Escuela de Arte en París donde va a enseñar y trabajará con gran éxito.

Ingres: El voto de Luis XIII, 1824

Su proceso creativo:

" El dibujo es la honradez del arte" ( 3) solía afirmar. Para empezar a crear no comenzaba con una idea terminada en la cabeza, sino que inventaba la composición durante el proceso de trabajo.

Seguía con una investigación amplia y sistemática del vestido, históricamente correcto, o de la arquitectura adecuada. En todo esto, sus alumnos lo ayudaban, él les leía una y otra vez la historia y recomponía la escena utilizándose a sí mismo y a sus estudiantes como modelos.

Ingres: Muerte de Da Vinci, 1808.

Ingres: Enrique IV de Francia jugando con sus hijos, 1817

Además, solicitaba información de los elementos arquitectónicos y detalles de los interiores: era un sistema moderno, de division del trabajo, en el que Ingres se ocupaba únicamente del proyecto general. Se apoyó, siempre, en innumerables estudios y dibujos prepraratorios.

Ingres: Estudio para Jesús entre los Doctores.

El retrato masculino más famoso de Ingres fue el de Louis-François Bertin ( director de el "Journal des débats"), el prototipo de burgués que reflejaba en su imágen la historia de una época: el de la burguesía que llega al poder político. Se dice que Ingres lloró debido a la desesperación por su incapacidad para encontrar la pose adecuada que reflejara lo que Bertin era. Por casualidad, al día siguiente lo vió sentado de la manera en la que lo retrató y sentenció que rápidamente el cuadro estaría terminado.

Ingres: Louis François Bertin, 1832

Sobre las gafas de Bertin y sobre el respaldo de la silla se refleja una ventana, un reflejo de luz que Ingres, había visto tanto en Rafael como en la pintura holandesa. (4)

Ya se ha comentado como vivió entre los ideales ilustrados que colocaban a la razón por encima de todo y que coincidían con la estética neoclásica y la fantasía y el sentimiento que impregnaba la obra romántica. Entre la obra que desarrolla la estética romántica, podríamos citar el Sueño de Ossián, recreación de los "Cantos de Ossián" editado por el escocés James Macpherson en 1760 que procede del volumen " La Batalla de Lora" y que fue una de las obras más leídas de su tiempo.
( 5)

Ingres: El sueño de Ossián, 1813

La Mujer en la pintura de Ingres:

Por último, comentaremos que con La Bañista de Valpinçon, Ingres inauguró un grupo de temas que le acompañaría hasta su muerte: los desnudos femeninos y que fundamentaría hasta el final su fama como gran pintor.

Ingres: La Bañista de Valpinçon, 1808

Ingres: Venus Anadiomene, entre 1825-50

Ingres: La Fuente, 1856

En el óleo " El Baño Turco" pinta 25 mujeres desnudas en un local oriental, obra que aún hoy sigue ejerciendo un efecto sobrecogedor.

Ingres: " El Baño Turco", 1863

Tenía más de 80 años cuando lo pintó y podemos ver reminiscencias de la bañista de Valpinçon en la mujer de espaldas.

Thèophile Gautier, crítico de arte de su época, escribió al respecto:

" El gran artista ha dibujado esos bellos cuerpos en las posturas que favorecen sus encantos,...ostrando la nuca, rodeada de un ligero turbante, y sus hombros, húmedos de los vapores del baño; se une el mármol de la diosa clásica con la carne de la sultana, bajo una palidez rosácea, velada por el vapor plateado del baño......Parece como si el cuadro fuera un álbum, en el que el pintor, en diferentes épocas, ha hilvanado sus sueños de belleza...". (6)

Ingres: Roger liberando a Angélica, 1819

Ingres: Aquí Roger ha desaparecido y en Angélica Ingres

muestra el ideal de belleza femenino que siempre persiguió.

Éstas, las obras en las que se observan a mujeres desnudas en momentos de asueto y quietud, fundamentaron, como decimos, su fama. Y aún ahora, el efecto de la visión de su obra, dos siglos después, sigue siendo, para el espectador actual, sobrecogedor e incluso moderno.

Ingres: Edipo y la Esfinge, 1808

La Esfinge de Tebas preguntaba: ¿ Qué ser vivo camina por la mañana sobre cuatro patas, a mediodía sobre dos y por la noche sobre tres? . Al que no lo sabía, la Esfinge lo mataba. Edipo lo adivina: el hombre que en la infancia gatea a cuatro patas, de adulto se sostiene sobre las dos piernas y en la vejez necesita un bastón para andar. Edipo al dar la solución, liberó a Tebas de la Esfinge.

Ingres: Autorretrato, 1864.

Todas las imágenes han sido extraídas de Wikimedia Commons.

En cuanto a las citas y obras de referencia:
1- Grimme, Karin: Ingres. Edit. Taschen. Pag. 65
2- Idem. Pág. 30
3- Idem. Pág. 42
4- Idem. Pag. 58
5- Idem. Pág. 77
6. Idem. Pág. 85

- Laneyrie- Dagen, Nadeije: Leer la Pintura. Editorial Larousse, 2005.

Michael Parkes y su mundo extraordinario.

2011-11-20T11:07:00.000+01:00

Invierno, 2004

Criaturas aladas, mujeres bellas y etéreas, animales convertidos en compañeros fieles ... Todas estas figuras pertenecen al universo particular de este artista norteamericano que las plasma con encanto en litografías ( del que es un maestro) , esculturas o pinturas.

Travelling Circus, 2011

En algunas obras, me recuerda al Klimt de teselas doradas con sus características formas femeninas; en otras, hay visos del Modernismo en la utilización de líneas incurvadas; en otras,sin embargo, esas formas rememoran a las dalinianas.

Wein, 1993

Conquering Daemons, 2005

Sacred Fire I & II, 1995

The Gift, 2005

The Letter, 2005

Day Dreaming, 2009

Little General, 1986

Algunas veces, los cabellos de sus mujeres son ondulados y su estética parece beber del Prerrafaelismo; otras , sus mármoles me recuerdan a los de Alma Tadema. En la visión de algunas de sus imágenes, éstas me transportan al mundo de una Alicia en el País de las Maravillas... Pero la constante en su obra es que se mantiene surrealista y apegado al figurativismo para empaparnos de un mundo onírico pleno de quietud y tranquilidad. Otro azaroso y fantástico descubrimiento.

Fearless , 2008

Indian Summer, 2006

Persepolis, 2000

The Riddle, 1999

Child Play, 2006

The Seahorse Collector, 2007

The Dragon Collector, 2003

Gift of Wonder, 1989

Black Orchid, 2009

Lions Songs.

Todas las imágenes han sido extraídas de la propia página oficial del autor con la única intención de divulgar su trabajo. Podéis ver más de su maravillosa obra en la página citada: Aquí.

Charles Le Brun: La Representación del Carácter Humano y sus Pasiones.

2011-11-05T20:43:00.001+01:00

Portada del libro de Charles Le Brun: "Caracteres de las pasiones humanas".

Publicado en 1750

Fuente de la ímágen: Aquí

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Ojos de tigre, ojos de lobo, ojos de gato

Ejercicio comparativo de ferocidad

Fuente de la imágen: Aquí

Los tratados de Fisiognomía ( de fisis y gnomon (quien conoce la Naturaleza)) , se remontan a la antigüedad grecolatina. El primero que se conserva es del S. III a. C. y se atribuye a Aristóteles; pero el, quizás, más conocido fue el del sofista Polemón, fechado entre el año 88 y el 144 a. C que fue versionado y traducido a varias lenguas, entre ellas, al árabe.

Charles Le Brun: Caracteres de las pasiones humanas.

Amor.

Fuente de la imágen: Aquí

En estos estudios se trataba de conocer y descifrar el verdadero carácter de una persona a través de la interpretación de su cara, de la forma de la nariz, o de los ojos, o de la caída de sus labios........(1)

A finales del siglo XVI, Giovanni Battista della Porta, con su obra De Humana Physiognomía, publicada en 1586, insistió en la noción de que el temperamento y el carácter de una persona puede ser deducido por la forma de su cara o su cuerpo.

Giovanni Battista della Porta: De Humana Physiognomía, 1586

La obra de della Porta, escrita en latín, estaba ilustrada con grabados que intentaban subrayar lo anteriormente dicho. Dibujó con gran detalle y comparativamente a humanos y animales para descubrir sus afinidades y, a través de ellas, deducir los distintos caracteres de las personas.

Giovanni Battista della Porta: De Humana Physiognomía, 1586

Fuente de todas las imágenes de la obra de della Porta: Aquí

En el siglo XVII, en el momento, en el que, en el ámbito político, el absolutismo real estaba en su pleno desarrollo, se hizo indispensable este tipo de conocimiento para controlar e interpretar, en el cuerpo y rostro de los individuos, los rasgos del carácter. (2)

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Cabezas de Júpiter y de Hércules.

Fuente de la imágen: Aquí.

Charles Le Brun, pintor de corte y director de la Academia Real de Pintura y de Escultura, pronuncia en esta institución dos conferencias que hacen referencia a este tema. En ellas, retomaba a Descartes y sus "Pasiones del Alma" ( 1649) y a Jean de la Bruyére con su obra "Los Caracteres" de 1688. Con ello Le Brun pretendía que los pintores leyesen bien lo que luego tendrían que pintar.(3)

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Cabezas de Júpiter y de leones.

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Figura humana y buey

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Figura humana y águila

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Figura humana y camello

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Figura humana y cuervo

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Figura humana y el zorro

Posteriormente a finales del siglo XVIII, lejos de ser dejada de lado, esta práctica es seguida por distintos Ilustrados que, basándose en el análisis psicológico, promovieron realizaciones de caras expresivas para presentar a concursos, con el fin de que los jóvenes pintores pudiesen estudiar la representación de las distintas pasiones humanas. Además, Johann Kaspar Lavater siguió escribiendo sobre el tema basándose en los escritos de della Porta.

Le Système de Lebrum sur la Physionomie

Ojos de lobo, ojos de lobo, ojos de cerdo

Ejercicio comparativo de crueldad y astucia

Fuentes de todas las imágenes de esta obra: Aquí

En el siglo XIX, Charles Blanc, crítico de arte francés, en su "Grammaire des arts du dessin", dibujó tres figuras tipo, que corresponderían a los únicos tres apectos que tiene el rostro humano, dependiendo de si los "organos nobles" ( ojos, nariz y ángulos de la boca) siguen una dirección horizontal, expansiva ( en oblicuas ascendentes) o convergente ( en oblicuas descendentes): " La imagen del centro, cuyas líneas son horizontales, caracteriza la calma; la de la izquierda, cuyas líneas son expansivas, expresa un sentimiento de alegría, y la de la derecha, cuyas líneas son convertentes, corresponde a un sentimiento de tristeza". (4)

Charles Blanc: "Grammaire des arts du dessin".

Fuente de la imágen: Aquí

Charles Blanc: "Grammaire des arts du dessin".

Fuente de la imágen: Aquí

Charles Blanc: "Grammaire des arts du dessin".

Fuente de la imágen: Aquí

Gustave Courbet: " El desesperado". 1843
Fuente de la imágen: Aquí

Acaso, ¿ no es el rostro el espejo del alma?

Citas y obras de referencia:

1-http://cositextualitat.uab.cat/web/wp-content/uploads/2011/03/El_cuerpo_ausente.pdf
2- Laneyre- Dagen, Nadeije: "Leer la pintura". Larousse Editorial, 2006
3- http://cositextualitat.uab.cat/web/wp-content/uploads/2011/03/El_cuerpo_ausente.pdf
4- Laneyre- Dagen, Nadeije: "Leer la pintura". Larousse Editorial, 2006

El Neoimpresionismo: el cientificismo en pintura.

2011-10-16T00:18:00.002+02:00

El verano se extiende por todas partes, despótico, incoloro, pesado...como si un rey sin nada mejor que hacer infringiera penas de muerte, bajo el resplandor al rojo vivo del cielo que te atrapa y bosteza. Liberado, el hombre dejó el trabajo y descansó.

Paul Verlaine, Alegoría, 1884. (1).

Georges Seurat: " Baño en Asniêres". 1883-84

Esta obra fue rechazada en el Salón de 1884.

La expuso en el Salón de los Independientes, junto a otras

de un millar de artistas y donde Seurat conocería

a Signac que lo seguiría en sus teorías.

Georges Seurat: " Baño en Asnières" . Detalle.

George Seurat : "Baño en Asnières" .Estudio.

Georges Seurat fue el pivote sobre el que se movió el movimiento Neoimpresionista, también denominado Puntillismo o Divisionismo.Se habla de Puntillismo, cuando nos referimos a la forma en que se aplica la pintura y Divisionismo, cuando se alude a la división de los colores en sus elementos. Ambos son términos más precisos que Neoimpresionismo, un término que fue acuñado por Félix Fénèon, un crítico de arte francés.

Paul Signac: Retrato de Felix Fénèon, 1890.

Seurat fue el grande del movimiento al que se suma Signac, como se ha comentado. Su obra partió del movimiento impresionista pero su fascinación por la luz dió una nueva dimensión a esta otra tendencia artística. Ambos partían de un conocimiento absoluto de los sistemas clásicos de proporción.

George Seurat: Pose de Perfíl, 1887

George Seurat: estudio para Las Presumidas, 1887

George Seurat: "Las Presumidas". 1888

Se apoyó en la mezcla óptica de colores, pequeños puntos de color que la retina humana debía componer y dar sentido, percibir y mezclar Por ello, el público, a la vista de los cuadros, no debía acercarse demasiado a la obra. Esta técnica, sin embargo, hacía que los contornos se perdiesen y que las formas se fragmentasen en esos puntos de colores. Esa fue la razón por la que éstas fueron simplificadas con líneas verticales y horizontales dejando atrás la reproducción naturalista.

George Seurat: La Torre Eiffel, 1889

Seurat, taciturno, serio, solitario y trabajador incansable, solía pasear y visitar la isla boscosa de La Grande Jatte, junto al Sena, desde la que parió uno de sus más conocidos cuadros. Murió joven y quizás hubiese preferido que su estilo se conociera como "cronoluminarismo" o " pintura en color y luz" .Sus obras, a veces, tardaban más de un año en ser acabadas. (2)

George Seurat: " Un domingo en la Grande Jatte", 1884.

La exposición de este cuadro fue otro gran escándalo, pero en él está

definido el manifiesto de la pintura divisionista y también queda patente el método

científico perseguido por Seurat y los estudios que realizó en el campo de

la óptica y los colores.

George Seurat: La Parade, 1888

George Seurat: La Parade, detalle.

George Seurat: Mujer Empolvándose, 1889-90

Es uno de los pocos retratos realizados por Seurat.

Ella era su compañera Madeleine Knobloch.

George Seurat: " El Circo", 1891.

Los escritos de teóricos y de físicos fueron la base para esta tendencia: Dave, Blanc, Helmholtz, Sutter y Rood, y en especial , la doctrina de los "contrastes simultáneos" de Chevreul. Se hacía distinción entre colores primarios ( rojo, azul y amarillo) y complementarios, obtenidos de la mezcla de los anteriores. Los colores complementarios si se yuxtaponen, se potencian entre sí, mientras que si se mezclan o superponen, tienden a anularse. Esa yuxtaposición tenía que ser realizada en la retina del espectador, como se ha comentado anteriormente.

Modern Chromatics. Libro de Ogden Rood, 1878.

En este libro Rood, expone sus principales ideas basadas en Maxwell y Helmholtz, que tanta influencia tuvieron entre los pintores neoimpresionistas, pero también en autores posteriores como Ostwald y Munsell.

Fuentes de esta imágen y de la posterior: Aquí

Modern Chromatics. Libro de Ogden Rood, 1878.

Michel Eugène Chevreul. Círculo Cromático (1864) M. C. Chevreul, Des couleurs et leurs applications aux arts industriels. A l‘aide de cercles chromatiques, París 1864

Fuente de la imágen: Aquí

Munsell: "Esfera de Color", 1905

Seurat buscaba la intelectualidad en la creación del cuadro, la geometría, el canon, el análisis preciso, la racionalidad, la objetividad. Él fue el artífice que hizo posible la disolución gradual de planos de color en partículas cada vez más minúsculas del mismo.(3)

Paul Signac. " La Vela Verde". 1904.

Signac afirmó:

" Se ha llevado a cabo un intento de obtener la riqueza del espectro lumínico solar con todos sus tonos. Un naranja que combina con el amarillo y el rojo, un violeta que tiende hacia el rojo y el azul, un verde entre el azul y el amarillo son, junto con el blanco, los únicos elementos de los neoimpresionistas. Por medio de la mezcla óptica, de estos colores puros, cuya relación mutua puede variar a voluntad, se puede obtener un número infinito de matices, desde el más brillante hasta el más gris. Cada pincelada que se toma en estado puro de la paleta permanece en estado puro en la tela".( 4).

Paul Signac: Constantinopla

Signac continuó la obra de su colega. A las líneas ascendentes, que significan la alegría, corresponden tintas cálidas y tonos claros; con las líneas descendentes, que expresan la tristeza, predominan las tintas frías y los tonos oscuros; un equilibrio más o menos perfecto de tintas cálidas y tintas frías, de tonos pálidos e intensos se añadirá a la calma de las líneas horizontales. (5).

Paul Signac: " Domingo". 1888-90

Paul Signac: " Mujeres en el Pozo". 1890

Paul Signac: " Puerto de Saint Tropez".1899

Paul Signac: " Gran Canal. Venecia". 1905

Paul Signac: " El Puerto de la Rochelle". 1921.

Tal como afirma Lynton, la técnica divisionista ejerció una gran influencia en la pintura moderna, en parte gracias a la exposición que hizo Signac de las teorías y métodos del neoimpresionismo. La influencia de Seurat fue duradera pudiéndose rastrear a través de Mondrian y del constructivismo. (6)

Además de Seurat y Signac, otros muchos autores, se acercaron en algún momento al Divisionismo o Puntillismo, desde Camille Pissarro y su hijo Lucien, pasando por Van Gogh y Toulouse- Lautrec, así como, posteriormente, lo hicieron Matisse, Derain, Braque y Delaunay hacia 1905, momento en el que se crea el Fauvismo.

Camille Pisarro

Camille Pissarro: "Recogida de la manzana en Eragni", 1888

Van Gogh: " Autorretrato". 1887-88

Fuente de la imágen: Aquí

Otros representantes de esta tendencia en Bélgica formaron el llamado Círculo de los XX, cuyos máximos expontentes fueron Theo van Rysselberghe, Georges Lemmen o Willy Finch.

Theo van Rysselberghe: Retrato de la mujer de Henry van de Velde, 1921

Georges Lemmen: " Playa en Heist", 1891-92

Willy Finch: " En el Teatro". Antes de 1930.

En Italia, Gaetano Previati, Daniele Ranzoni, Giovanni Segantini y Giusseppe Pelizza de Volpedo utilizaron también los puntos de color al igual que hizo en Alemania, Christian Rohlfs.

Giovanni Segantini: "Vanidad". 1897

Giusseppe Pelizza de Volpedo

Christian Rohlfs: obra de 1902

Para René Huyghe, el Neoimpresionismo fue un procedimiento y , fundamentalmente, una técnica de transición de lo que quedaba por venir. (7). Pero eso es otra historia.

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons, si no ha sido así tenéis el link del que proceden. Haced click sobre ellas para ampliarlas.

En cuanto a las citas y referencias:

1- Reichold, Klaus y Graf, Bernhard: " Pinturas que cambiaron el mundo". Ed. Electa, 2006
2-VV.AA: " Arte del Siglo XX". Ed. Taschen, 2001
3- Idem.
4- Idem.
5- Huyghe, René: " El Arte y el Hombre". Tomo III. Ed. Planeta,1974.
6- Lynton, Norbert: " Historia del Arte Moderno".Ediciones Destino,1988
7- Huyghe, René: " El Arte y el Hombre". Tomo III. Ed. Planeta, 1974
- Grimme, Karin: "Impresionismo". Ed. Taschen,2008
- El Gran Arte en la Pintura. Editorial Salvat. Volumen V,1985

Durero: el mayor artista alemán del Renacimiento.

2011-10-09T01:37:00.001+02:00

Autorretrato de Durero, 1493

Núremberg, en el siglo XVI, era uno de los centros culturales más importantes del Renacimiento. El ambiente erudito y artístico de la ciudad era bullente. Allí se estudiaba geografía, astronomía, matemáticas o música. Diversos artesanos trabajaban y realizaban objetos suntuarios e instrumentos científicos con una pericia equiparable a los de cualquier otra ciudad europea.

Ciudad de Nuremberg : Schedel'schen Weltchronik,1493

Este sería el lugar en el que recalaría la familia, procedente de Hungría, del que llegaría a convertirse en uno de los más importantes artistas del Renacimiento europeo: Albrecht Dürer o Alberto Durero (Nuremberg, 1471-1528) que comienza a interesarse por el arte, tempranamente, en el taller de orfebrería de su padre.

Durero: Diseño de un Cáliz, 1515

Durero: seis copas, primera mitad del S. XVI

El Renacimiento

Concepto:

Por Renacimiento, debemos entender, un fenómeno cultural que, con centro en el norte de Italia a finales del XIV, se extenderá al resto de Europa en el XVI. Supuso retomar la cultura clásica actualizándola, estudiándola de manera científica y racional. Los esquemas medievales, que supeditaban el arte a la religión y a una finalidad didáctica, son superados. El hombre se convierte en el centro de todas las cosas, un antropocentrismo que dejará atrás el teocentrismo medieval.

Leonardo da Vinci: El Hombre Vitruviano o Canon de las proporciones humanas, cerca de 1490

Fuente de la imágen: Wikimedia Commons: Luc Viatour / www.Lucnix.be

Además de este cambio de mentalidad, a lo largo del siglo XV, la civilización europea entra en un largo proceso de expansión, con profundas transformaciones en el ámbito social, económico y político que cristalizarán en el movimiento del que venimos hablando.

Los precedentes de este cambio de mentalidad fueron los poetas italianos del s. XIV, Petrarca y Bocaccio, que sientan las bases de esa nueva actitud que conducirá al Humanismo y, posteriormente, aparecerán figuras como Maquiavelo, Copérnico o Erasmo de Rotterdam.

Durero: Erasmo de Rotterdam, 1526

Los nuevos avances científicos y técnicos alimentarán el espíritu de progreso de la humanidad y el afán del saber alejado de la fe. Los príncipes, nobles y ricos burgueses, descubren el placer del arte y de la cultura y el conocimiento real de las cosas se basará en el método científico.

Resumiendo:

El arte será parte esencial del pensamiento humanista que se fundamentará en :

- la creación de un nuevo lenguaje artístico, fundado en el arte clásico. El hombre será la medida de todas las cosas y la perspectiva permitirá el control racional del mundo que nos rodea.

Walther Hermann Ryff, 1547

Fuente: Aquí

Piero de la Francesca: La ciudad ideal, 1470

- Se valorará la personalidad individual de forma que la actividad artística deja de ser entendida como un oficio para convertirse en una ciencia y un arte. La concepción del creador cambia, ya no es un mero artesano, es un artista.

- Siendo, fundamentalmente, en fenómeno nacional, en el s. XVI, una vez consolidado en Italia, se proyecta por toda Europa.

Este el contexto en el que hay que entender la obra de Durero.

El Renacimiento en el Mundo Germánico:

En el mundo germánico, en los cuarenta primeros años del S. XVI, se vive un momento difícil. A los problemas políticos con el Emperador Carlos V, se le unen las revueltas campesinas y el problema de la Reforma religiosa, que condicionará el mundo del arte ya que los artistas perderán una de las mayores fuentes de encargos de imágenes religiosas representando a cambio retratos ( Holbein) o cuadros para una clientela privada de pequeño formato como hará Cranach.

Hans Holbein: Sir Thomas More, 1527

Hans Holbein: retrato del astrónomo

Nikolaus Kratzer, 1528

Lucas Cranach: Christiana Eulenau, 1534

Lucas Cranach: Phillip Melanchthon.

Artísticamente, la cultura germánica tenía una fuerte influencia de la flamenca ( Robert Campin, van Eyck y van der Weyden) . Eran conservadores. En la obra de Durero se rastrea el peso del mundo medieval gótico, pero él fue más allá, porque lo conectará con las inquietudes de los teóricos italianos.

Robert Campin: Altar del matrimonio de la Virgen

Van Eyck: Retablo de Gante, 1432

Van der Weyden: Tríptico de la Anunciación, 1440

Se preocupará por la belleza del cuerpo humano, por la teoría de las proporciones, de las medidas, por la geometría que entendía fundamental para comprender el arte renacentista y clásico. Mantendrá relaciones con Federico el Sabio y otros humanistas, entre los que se encuentra el humanista Pirckheimer quien costeará algunos de sus viajes, fundamentales para su formación como artista.

Durero: autorretrato de Willibald Pirckheimer, 1524

Estuvo en Basilea; en Colmar para conocer al pintor y grabador más importante del momento, Schongauer, que ya había muerto pero cuya obra fue una de los puntos de partida de la obra de Durero; en Estrasburgo, en donde realiza las ilustraciones de la que es considerada la obra maestra del escritor Sebastian Brant, "Das Narrenschiff", en la que critica la debilidad y la locura de sus contemporáneos, tal como hiciera Erasmo en 1494, y que fue traducida en 1507, como "La Nave de los Locos"; en Italia en donde conoce a Bellini y, atravesando los Alpes, realiza sus acuarelas paisajísticas.

Durero: ilustración para la cubierta de "Das Narrenschiff"

Durero: Willow Mill, 1496-98. Acuarela

Durero: Paisaje cerca de Segonzano, 1495, acuarela.

En este momento ya se ha autorretratado varias veces pero no como ejercicio de egolatría si no como ejercicio de ejecución y estudio.

Durero: Autorretrato, 1498. Museo del Prado.

Autorretrato de la Alte Pinakothek de Múnich- 1500

Tras este período de estudio y viaje, regresa a Nuremberg y abre su propio taller realizando las primeras grandes series de xilografías, La Gran Pasión y el Apocalípsis, que serán los pilares de su fama hasta el final de sus días.

Durero: La Gran Pasión, 1510

Durero: Los Cuatro Jinetes, 1497-98

Fuente de la imágen: Aquí

Hay que recordar que Durero comenzó a trabajar como aprendiz de grabador en el taller de Michael Wolgemut, uno de los más importantes de este momento, en el que se llevaron a cabo las xilografías para la Crónica de Nuremberg (Schedelsche Weltchronik), de 1493, de Hartmann Schedel,considerado uno de los libros incunables más valorados de Europa y que narra la historia de la Humanidad, tal como la relata la Biblia.

Durero: Crónica de Nuremberg, de Hartmann Schedel, 1493

Probablemente, nuestro autor, aprendió mucho en ese momento, y de hecho, su obra como grabador es tan importante como la pictórica.

Durero: La Geometría y las Matemáticas.

El arte de Durero reflejará su enorme facilidad para el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Nos legó una gran cantidad de obra: 350 grabados en madera y cobre, casi mil dibujos, acuarelas y óleos.

En todos ellos, nos muestra el interés que tenía por la geometría y por las matemáticas, recogiendo las especulaciones teóricas de los grandes del Renacimiento italiano, en concreto, de la obra de Leonardo da Vinci, a quien no llegó a conocer, pero del que aplicará de forma rigurosa su sistema de proporciones a sus figuras a partir de 1506.

Durero: Mapa del cielo

El interés por la geometría y el estudio de lo representado hizo que Durero tomase notas e hiciese dibujos para los cuatro libros que conforman su tratado más conocido: " Tratado de las Proporciones del Cuerpo Humano".

Durero: Figura de mujer.

Partirá del tratado de Vitruvio " De Architectura"; también de Euclides, así como de los trabajos matemáticos de Alberti y Pacioli. El libro de éste último ( 1509) fue ilustrado por Leonardo con cuerpos geométricos en esqueleto que tuvieron un gran impacto ya que fueron las primeras representaciones de este tipo que permitieron ver la parte frontal y trasera de los elementos representados y que sirvió de base a Fra Giovanni de Verona para realizar intarsias, mosaicos hechos de madera, utilizando estos cuerpos.

Leonardo da Vinci : Poliedro para el libro de Pacioli

Fra Giovanni di Verona: Intarsia

También dió forma a sus teorías en "Instrucciones sobre la manera de medir con el compás y la escuadra en las líneas, los planos y los cuerpos sólidos" que se convirtió en uno de los primeros libros sobre matemáticas escrito en alemán (1525) o "La teoría de la fortificación de las ciudades, los castillos y los burgos" ( 1528), textos que, realizados para ayudar a los artistas de la época para orientarlos en la representación perspectiva, no tuvieron todo el eco que Durero quiso, ya que sus contemporáneos, se fijaron más en los grabados del artista.

Durero se quejaba de que había demasiados artistas ignorantes de la geometría " sin la cual uno no puede ser o convertirse en un artista absoluto".(1)

Durero: Instrucciones sobre la manera de medir

con el compás y la escuadra en las líneas,

los planos y los cuerpos sólidos, 1525

En esta obra Durero muestra cómo trazar con regla y compás algunas espirales y entre ellas una que pasará a la historia con su nombre: la Espiral de Durero.

Como todos sus contemporáneos italianos, Durero pretendía elevar la categoría del artista que ya no es un simple artesano si no un intelectual.

Sus grabados

Excelente pintor y dibujante, realizó numerosos grabados xilográficos descubriendo en ellos, y en la invención de la imprenta, la posibilidad de multiplicar sus trabajo.

Durero: Cabeza de un Negro, 1508

Durero: Cabeza de un Apostol, 1508

Durero va a colaborar con el emperador Maximiliano I creando toda una iconografía del poder, quizás la más potente de toda la historia, a través de programas artísticos como el Carro triunfal, el Arco de triunfo o la ilustración de libros como el Weisskunig o el Theuerdank, que culminan en el retrato de Maximiliano I, tal como afirma Checa Cremades.( 2).

Durero: El Gran Carro Triunfal, 1518-19

Durero: El Pequeño Carro Triunfal, cerca de 1518

Durero: El Pequeño Carro Triunfal, 1518

Durero: Retrato del Emperador Maximiliano, cerca de 1518.

Para Checa, la culminación de la obra grabada la constituyen sus llamadas " tres estampas maestras":

- El caballero, la muerte y el diablo ( 1513): una de las mejores imágenes del caballero cristiano, el miles christi, un tipo humano y cultural clave para el humanismo crisitiano, cuyo mejor representante fue Erasmo.

Durero: El Caballero, la Muerte y el Diablo, 1513

Durero: El Caballero, la Muerte y el Diablo, detalle.

- San Jerónimo ( 1514): mejor representación del intelectual cristiano de este momento

Durero: San Jerónimo en su estudio, 1514

- Melancolía I: una de las más célebres imágenes de la historia, Durero aporta su idea del artista como personaje melancólico absorto en profundas e intelectuales cavilaciones.(3)

Durero: Melancholia I, 1514

Aguafuerte sobre cobre.

Se ha dicho que este grabado Durero lo realizó tras la muerte de su madre tras invadirlo un enorrme sentimiento de melancolía. (4)

Durero: retrato de su madre a los 63 años.

Mucho se ha escrito sobre este grabado tratando de desentrañar el significado de los innumerables símbolos que en él aparecen.

La figura central con alas tiene un compás abierto para medir. El cazo al fuego y la balanza se cree que representa la alquimia.

Durero: Melancholia, detalle

Hay un cuadrado mágico ( inclusión influída, quizás, por Pacioli) en la parte superior derecha, en el que cada fila, columna y diagonal, los cuatro números centrales y los números de las cuatro esquinas suman 34. Las entradas de la última fila dan como resultado 1514, la fecha del grabado.

Durero: Melancholia I, detalle: Cuadrado Mágico

Figuras geométricas, llaves, murciélago, mar... son representaciones de la melancolía vinculada a Saturno que envuelve al artista mientras el tiempo ( el reloj de arena de la parte superior), continúa su avance.

Durero: Melancholia I, detalle.

Numerosos estudios han intentado, igualmente, desentrañar el significado del sólido que aparece a la izquierda del grabado. La mayor parte de los investigadores creen que es un romboedro (sólido de seis caras con cada una de ellas en forma de rombo) truncado para que pueda ser circunscrito a una esfera. Su parte frontal encaja dentro del cuadrado mágico. (5)

Durero: detalle de Melancholia I

Fuente de la imágen: Aquí

La Naturaleza en Durero

Además de toda esta obra, Durero sintió verdadera curiosidad por la Naturaleza, mirándola con ojos científicos. Seres vivos, animales, a veces exóticos (como su maravilloso rinoceronte), vegetales, fueron reproducidos por él, con rigor y realismo, como si de un zoólogo se tratase.

Durero: Iris, 1503

Durero: La Hierba alta, 1503

Durero: Liebre, 1502

Durero: Lechuza, 1506

Durero: Cangrejo, 1495

Durero: Morsa, 1521

Durero: Ala azul, 1512

Durero: León, 1494

Durero: Rinoceronte, 1515

Durero: El Gran Caballo, 1505

Por último diremos que, como afirma Víctor Gallego, Durero se vió impregnado de una fuerte religiosidad que lo hizo seguir el movimiento de la Reforma. Ya hemos hecho referencia a su cercanía a Erasmo de Rotterdam, humanista, precursor que critica los males de la Iglesia antes que Lutero.

Durero: Natividad, 1504

De igual forma, Durero se hace eco de las opiniones vertidas por Melanchthon, y sin duda leyó uno de los libros más importantes del ámbito cristiano: "Imitación de Cristo" de Tomás de Kempis, relacionado con el movimiento renovador de la Devotio Moderna.

Durero: Phillip Melanchthon, 1516

Durero: Cristo delante de Caifás, 1504

De esta manera fue capaz de realizar grabados de temática religiosa con la misma pasión y maravillosa creatividad que utilizará para sus óleos y acuarelas.

Durero. Flagelación, 1512

Durero: San Jerónimo Penitente en el desierto, 1496

Durero fue un creador genial, un hombre de su tiempo, intelectual preocupado por el mundo que le tocó vivir,un geómetra y matemático que tuvo una influencia fundamental en la creatividad de los artistas del Norte de Europa.

Durero: Tres puttis con trompetas, escudo y casco, 1501

Durero: Las Cuatro Brujas, 1497

Durero: El Monstruo del Mar, 1498

Durero: Némesis o La Buena Fortuna, 1502

Monograma de Alberto Durero

Toda la fuente gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons.En algunas obras, en concreto, he puesto el link directo. Haced click para agrandar las imágenes.

En cuanto a las citas y obras de referencia :

1. Livio, Mario: " La Proporción Áurea". Ed. Ariel, 2008

2. Checa Cremades: artículo en Museo del Prado: Aquí

3. Idem.

4. Livio, Mario: "La Proporción Áurea".

5. Idem

- Klibansky, Panofsky, Saxl: Saturno y la melancolía. Ed. Alianza Forma. 1991

- El Gran Arte: Pintura. Ed. Salvat. Tomo II : Renacimiento.

- http://tierra.rediris.es/publipapers/Durer_solid.pdf

- http://simetria.dim.uchile.cl/matematico/nodo231.html

- http://simetria.dim.uchile.cl/estetico/nodo5.html

El Fauvismo, la impetuosa tormenta del color. Kees van Dongen.

2011-09-07T18:48:00.001+02:00

Color, color y más color. Eso es lo que define a la pintura fauvista. Ni el encuadre, la perspectiva, la luz y la sombra, el volumen, importa. Todo es color, fuerte, vivo, agresivo, aplicado en contrastes violentos a través de una factura pastosa ( Vlaminck llegó a usar la pintura poniéndola directamente del tubo a la tela). Un color puro, primario ( rojo, azul y amarillo, además del blanco y el negro), totalmente arbitrario y utilizado de forma absolutamente subjetiva y personal. De esta manera, la pintura fauve es figurativa pero antinaturalista. Sus figuras son moldeadas a través de una línea negra o de otro color diluyendo el dibujo.

Matisse: " La Japonesa al borde del agua", 1905

Matisse: " La Alegría de Vivir", 1905-1906

Una vez más, hay que ubicar este movimiento en las primeras Vanguardias Históricas que son las que llevan dentro de sí el desarrollo de una serie de ismos, que supusieron la ruptura con la pintura académica y que se convirtieron en el centro de la creación y experimentación de los artistas que abrieron caminos fantásticos en el arte contemporáneo del siglo XX. Muchos de estos ismos, se dieron coetaneamente, y muchos, fueron movimientos de arte total que, a través de manifiestos, aunaban una visión común que afectaría no sólo a la pintura, sino también a la literatura, el cine o la fotografía.

Matisse: " Retrato de Andre Derain", 1905

Además, la filosofía les dió entidad y se hizo eco de la nueva actitud del artista , de su querencia por la experimentación. Los adelantos técnicos, el progreso, la innovación y el cambio, el rechazo a lo anterior, eso era lo moderno. El punto de partida, como se sabe, fue el Impresionismo y el Postimpresionismo de finales del XIX.

Matisse: " Flores en un Jarrón", 1906

Los dos primeros movimientos de vanguardia fueron el Fauvismo y el Expresionismo que comienzan parejos, uno en Francia, el otro en Alemania, en 1905 y es del primero del que nos vamos a ocupar.

El Fauvismo sólo duraría como grupo hasta 1908, aunque muchos críticos no lo consideran como tal, sino como una reunión de amigos que siguieron una misma premisa: la utilización del color con total libertad. Por esta razón, confluyeron, se unieron, pero crearon de formas distintas. De igual manera, el Fauvismo no tuvo manifiesto que lo sustentara y siempre fue considerado como el hermano menor de la vanguardia y haciendo una equiparación con el Expresionismo, siempre salió perdiendo. (1)

Matisse: " Niña Leyendo", 1905-1906

No tuvo manifiesto pues, sin embargo, el Fauvismo es imposible de entender sin las teorías de Bergson y de Benedetto Croce, sobre la inmediatez y la intuición, que dan consistencia al movimiento. Tampoco este ismo se puede comprender sin el Simbolismo y la obra de uno de sus principales representantes, Gustave Moreau, que fue profesor de Rouault, Marquet y Matisse, el que llegaría a ser el más importante de los fauvistas y uno de los más importantes coloristas del siglo XX. Moreau fue el que hizo tomar, a estos alumnos, el gusto por la riqueza cromática de sus cuadros ( Gauguin le llamaba el orfebre) y llegó a decir de ellos que "simplificarían la pintura" y "yo seré el puente que algunos de vosotros atravesaréis". ( 2)

Albert Marquet: " Vallas Publicitarias en Trouville", 1905

Fuente de la imágen: Aquí.

Albert Marquet: "Vista de San Juan de Luz", 1907.

Fuente de la imágen: Aquí.

Rouault: "Prostituta frente al espejo", 1906

Fuente de la imágen: Aquí.

Los fauves no rompieron con los temas tradicionales, en eso fueron conservadores: retratos, paisajes, naturalezas muertas o interiores, poblaron sus cuadros. Por último, otro de los elementos que el Fauvismo introdujo en el mundo del arte del momento fue el interés por el arte africano que tanta repercusión tendría, unos años más tarde, en otras corrientes de vanguardia, como por ejemplo, el primitivismo que impregnará la obra de Picasso y de los cubistas. La influencia del arte africano no es banal ya que incide en la aparición de una tendencia a la esquematización, a la forma simplificada, a lo esencial de lo representado, haciendo desaparecer los detalles.

Derain: " Mujer con camisa, bailarina", 1906.

Matisse: " Vista de Coilloure", 1906.

En 1905, en el Salon d'Automne, exponen, por primera vez, Matisse, Andre Derain, Vlaminck, Othon Friesz, Manguin, junto a Camoin, Albert Marquet, Jean Puy, Louis Valtat y Georges Rouault. Un año después se unen al grupo Georges Braque ( que pronto abrazaría la experiencia cubista) y Raoul Dufy (que mezclará, posteriormente, principios del impresionismo con el fauvismo) , así como nuestro protagonista: Kees van Dongen.

Derain: " El Puente de Londres", 1906

Vlaminck: " Retrato de una mujer", 1905-06

Othon Friesz: " La Côte de Grâce, Honfleur", 1907
Fuente de la imágen: Aquí.

Henri Manguin: " El 14 de julio en Saint- Tropez", 1905

Charles Camoin: " Pueblo junto al Mar", 1905

Fuente de la imágen: Aquí.

Jean Puy: " Dalias y Frutas", 1906.

Fuente de la imágen: Aquí.

Louis Valtat: " Bouquet de Flores". Finales del S. XIX- Principios del XX

Fuente de la imágen: Aquí.

Raoul Dufy: " Barcas en Martigues", 1908

Fuente de la imágen: Aquí.

Braque.

Fuente de la imágen: Aquí.

Kees van Dongen: Cabeza de mujer.

El crítico Louis Vauxcelles los denominó "Fauves", fieras, por su utilización del color y el predominio de éste sobre cualquier otra consideración, denominación que fue aceptada por los historiadores. Desde ese momento, el fauvismo se convirtió en la primera de las grandes corrientes del arte moderno. Los presentes en esta exposición tomaron, tras 1908, caminos distintos en el mundo del arte. El público que asistió a la exposición se sintió ofendido ya que entendió que el color estaba siendo utilizada de manera " absurda" y la factura se vió como descuidada y demasiado empastada.

Matisse: " Madame Matisse, retrato de la raya verde", 1905.

Matisse: " Mujer con sombrero". 1905.

Maurice de Vlaminck: " Flores, sinfonía en colores", 1906-07.

Matisse, cuatro años después del escándalo que la exposición supuso, formuló su credo:

"Mi sueño es un un arte de equilibrio, de pureza y serenidad, desprovisto de temas inquietantes o depresivos, un arte que, para cualquier trabajador mental, sea un hombre de negocios o un escritor, sería como una influencia sosegante, como un calmante mental, algo así como una buena butaca donde descansar de la fatiga física". (3)

Matisse: " Armonía en Rojo", 1908.

Kees van Dongen

Si nos centramos en Kees van Dongen ( Rotterdam- Holanda 1877- Montecarlo, Mónaco, 1968), el Museo de Arte Moderno de París, en una retrospectiva de su obra, tituló la exposición como "Fauvista, anarquista y mundano", una muestra que se proponía la recuperación de su figura, un tanto marginada en la historia del arte, frente a los grandes del movimiento fauve. El Museo Picasso en Barcelona fue, en 2009, el encargado de realizar la primera retrospectiva de van Dongen en nuestro país.

Fue admirador de Rembrant y Hals y se formó en la Academia de Artes y Ciencias de Rotterdam, donde comenzó a pintar a las prostitutas de la ciudad en dibujos que lo hicieron conocido en la prensa francesa y en los que se rastrean influencias de Toulouse-Lautrec.

Zelandesa, 1898

Dessin, 1900

Se mudó en seguida a Paris ( 1899), capital del arte en aquel momento, entrando en contacto con el marchante Vollard quien le preparó una exposición, no sin antes, estar viviendo en Montmatre en la más absoluta miseria. Coristas, pobres, cabarets, prostitutas son los protagonistas de sus telas. Deja de pintar durante un tiempo para colaborar con revistas de tipo satírico como L'Assiette au beurre, Le Rire y otras, que le hacen tomar conciencia crítica y lo reafirman en sus ideas anarquistas.

El Éxito.

L' Assiette au beurre No. 30, 26 October 1901

Fuente de la imágen: Aquí

Bebedora de Absenta en la calle, 1902

Posteriormente, expone con Matisse y Derain. Nace el Fauvismo.

En el Moulin de la Galette, 1904

El Moulin de la Galette, 1905-06 ( fragmento)

Princesa de Babilonia, 1904-10

Femme Fatale, 1905

Casa en Amsterdam, 1907

Modesjesko, cantante soprano, 1907

Mujer con Ojos Azules, 1908

Hizo amistad con Picasso, con Braque y Juan Gris, y fue el momento en el que hizo una serie de retratos compartiendo modelo con el primero, su amante, Fernande Olivier.Sin embargo, no fue tentado por el Cubismo.

Retrato de Fernand Olivier, 1905

Retrato de Fernande, 1906

Las Luchadoras de Tabarín, 1907-08,

realizado, quizás, en respuesta a las "Señoritas

de Avignon" de Picasso.

Fuente de la imágen: Aquí

Apollinaire, en 1913, escribió sobre él:

"Europeo o exótico, según le convenga, Van Dongen es personal y violentamente sensible al orientalismo (...). Esta pintura a menudo desprende un aroma a opio y ámbar". (4)

Y es que ese año, Kees van Dongen, recorre Egipto, Marruecos y España, viaje que le influye, dando paso en su obra a grandes superficies de color, retomando el dibujo y realizando temas orientales. Y ese, es el año también, que crea "El Chal Español" que tuvo que ser retirado por la policía del Salón d'Automne dado el escándalo que provocó. Era su mujer Guus quien aparecía desnuda en él.

Saida, 1913

Dijlali, 1913

Caballo árabe, fecha desconocida.

Española con mantilla, 1910

El Chal Español, 1910

A partir de ese momento, inmerso en el París más burgués, en el París de los "locos años 20'" del que llegará a tener una gran reputación como pintor,se convirtió en asíduo de fiestas y bailes, conociendo el lujo y glamour de la jet set del momento. Se centra en la representación de un cuerpo femenino andrógino, liberado de la tutela del hombre.

La Amapola, 1919

Mujer fumando ( retrato de Kiki de Montparnase), 1920

Cabello Corto, 1924

El Collar de Perlas, 1924

Conoce a la Marquesa Luisa Cassatti, a Peggy guggenheim, a Jasmyn Jacob que llega a ser su amante. El que fuera anarquista y crítico con la sociedad es atraído hacia un estilo de vida totalmente burgués. Esta actitud fue censurada y él respondió:

“Se me reprocha ser mundano, enloquecer con el lujo, ser un esnob disfrazado de bohemio, o un bohemio disfrazado de esnob. Pues sí. Adoro la vida de mi época, tan animada, tan acelerada… Me gusta lo que brilla, las piedras preciosas que resplandecen, las mujeres sensuales, y la pintura me da todo eso porque lo que yo pinto es, a menudo, un sueño o una obsesión”. (5)

Mujer con galgo azul, 1919

Arianan Gedeonov

La Persuasión, retrato de la actriz

María Ricotti, 1921

Venecia nº 2, El Abrigo de Cisne, 1925-1930

Madame T, 1929

La Mujer sobre el Sofá, 1930

La Amazona, Rosa, 1930

Retrato de Mujer

Retrato de Mujer, 1940

Sus mejores años de creación ( 1895-1931) se vieron empañados, posteriormente, por la vergonzante aceptación de hacer un viaje a la Alemania nazi en 1941, junto con otros artistas franceses, viaje organizado por Arno Breker (escultor que trabajará en Alemania realizando encargos para los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936) y Otto Abetz (embajador alemán en París). (6)

Despiau, Othon Friesz, Dunoyer de Segonzac, Vlaminck,

Derain y Van Dongen, de izquierda a derecha, junto a jerarcas nazis.

París, Gare de l'Est, octubre de 1941

Fuente de la imágen: Enlace.

Es cuando menos curioso, el hecho de que estos artistas aceptasen esa invitación, cuando el Fauvismo, sería uno de los ismos, considerado como muestra de "arte degenerado" en la exposición "Entartete Kunst", organizada por el ministro de propaganda de Hitler, Josef Goebbels, que reunió más de 650 obras de vanguardia en Munich y que terminaron siendo vendidas o destruídas. Ese viaje formaba parte de una campaña propagandística que trataba de acercar a la intelectualidad francesa al nazismo.

Joséphine Baker, 1926

Este viaje y la postura de Van Dongen pronto sería olvidada una vez terminada la guerra. Pero a pesar de que siguió pintando, su obra perdió el atractivo anterior, la de su mejor época. Pintará a una Brigitte Bardot muy joven todavía, en los años 50', y finalmente morirá, en 1968, en Montecarlo.

Kees van Dongen y Brigitte Bardot en el estudio del pintor.

Fuente de la imágen: Aquí.

Brigitte Bardot, 1954

Odalisca Africana, 1968

En 1927 escribió :

"Vivir es el cuadro más bonito. El resto no es más que pintura" (7).

Toda la obra gráfica ha sido extraída de este link,en el que encontraréis más obras interesantes, si no ha sido así, debajo de cada foto tenéis el enlace del que proceden.
Además otras obras en: http://www.sanderhome.com/Fauves/fvcmf.htm

En cuanto a las citas y obras de referencia:

1- Corcho Gómez, Inmaculada: "El fauvismo" en http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05029.asp

2- VV.AA: Arte del S. XX. Ed. Taschen. pag. 38

3- Reichold, Klaus, Graf, Bernhard: " Pinturas que cambiaron el mundo". Ed. Electa, 2006. Pag. 162.

4- Dossier de prensa para la exposición rectrospectiva del Museo Picasso de Barcelona, en : http://w3.bcn.es/fitxers/icub/museupicasso/totsimatgesvandongenesp.922.pdf

pág. 15.

5- http://www.elpais.com/articulo/portada/Gran/Gatsby/Pintura/elpepusoceps/20090802elpepspor_4/Tes
6- http://www.parisenimages.fr/fr/galerie-des-collections-selection.html?mots=dongen

7-http://www.elpais.com/articulo/cultura/Van/Dongen/anos/locos/parisienses/elpepucul/20110330elpepucul_6/Tes
- Lynton, Norbert: " Historia del Arte Moderno". Ediciones Destino. 1988.

- Polo, Higinio: "Un Pintor Anarquista en un desfile de Alta Costura" .El Viejo Topo, en http://www.rebelion.org/noticia.php?id=103583

Aubrey Beardsley y la Salomé de Oscar Wilde.

2011-08-27T13:24:00.003+02:00

Aubrey Beardsley

En la última reseña que escribí para este blog sobre los Prerrafaelitas, terminaba el pequeño trabajo comentando que muchos fueron los pintores que, una vez agotada la vía abierta por éstos, a comienzos de los años 70' del siglo XIX, se convirtieron en meros imitadores de los Burne-Jones, Rossettis y demás pesos pesados del movimiento. Timothy Hilton salvaba a uno. Era Aubrey Beardsley, un autor que, aún comenzando a trabajar bajo la tutela de un anciano Burne-Jones, que supo ver en él mucho talento, finalmente, desligado ya de su influencia, abrió, por sí mismo, caminos interesantes y diferentes en un momento en el que el arte estaba comenzando a cambiar.

Aubrey Beardsley: Alí Baba, 1897.

Para René Huyghe, Beardsley ( 1872-1898) constituye el gozne entre el Prerrafaelismo y el Modernismo. Fundamentalmente fue ilustrador (solo realizó un óleo), en una corta vida artística de apenas seis años, ya que murió de tuberculosis con solo 26.

Aubrey Beardsley: Un capricho, 1894

Le tocó vivir la Inglaterra victoriana de finales del siglo XIX, marcada por una moral encorsetada, constreñida que, una y otra vez, el artista se impuso romper con su forma de vivir y su propio trabajo: fue un dandy como lo era su amigo Wilde. Fué atacado implacablemente por ello y por sus dibujos que fueron considerados obscenos. Estudió en la Westminster School of Art de Londres, aunque sólo durante un breve período, y por ello, se puede decir que fue autodidacta.

Aubrey Beardsley: Valmont, Portada de " Las amistades peligrosas" de

Choderlos de Laclos, 1896

Como el azar juega un intenso papel en nuestras vidas, una vez publicada la reseña de los Prerrafaelitas, paseando por las calles de mi ciudad, me topé en una librería con la Salomé de Oscar Wilde, drama bíblico en un acto, que contenía las ilustraciones de Beardsley y cuya traducción ( del original francés de 1892 y editado un año más tarde) corría a cargo de Rafael Cansinos Assens, escritor ultraísta español, políglota, íntimo amigo y colaborador de Borges y muy admirado por éste.

Fuente de la imágen: Aquí.

Además, en este libro, realizado por la editorial "Libros del Zorro Rojo" , se incluye un artículo del albacea de Wilde, Robert Ross, el cartel de la primera representación de la obra en Inglaterra en 1905 y el programa de la ópera de Richard Strauss estrenada en Alemania ese mismo año.

Portada

El Climax

Juan y Salomé

La obra está hoy en mi biblioteca por todo ello y, también , porque incorpora todas las ilustraciones que Aubrey pintó, sin censura, incluyendo cuatro que no estaban ni en la primera ni en ediciones posteriores y porque, finalmente, esta obra se encuentra entre las mejores y más personales del ilustrador.

Los ojos de Herodes

Entra Herodías

La Danza del Vientre

En todas sus imágenes, se observa la influencia estilística de la estampa japonesa que tanto influjo tuvo en los Impresionistas y, también, la del que fue su primer maestro: el prerrafaelita Burne-Jones. Sus dibujos eran hechos sin boceto previo, en blanco y negro, realizando modificaciones a lápiz antes de fijar la tinta china. El resultado fue siempre elegante, maravilloso en su simplicidad de líneas incurvadas, sin uso de sombras, espacio, y sin ,apenas, proporciones fijas.

La Capa Negra para Salomé de Wilde

Fuente de la imágen: Aquí.

El personaje de Salomé ha sido revisitado una y otra vez en el mundo de la música, del cine, y en el mundo del arte desde el siglo XI. Fue protagonista de cuadros de Boticelli, de Lucas Cranach, de Lippi, de Van der Weyden, de Caravaggio, de Rubens, de Reni...

Roger Van der Weyden: Decapitación de San Juan Bautista, 1446-1453

Sandro Boticelli: Salomé con la cabeza de San Juan

el Bautista. Cerca de 1488.

Fra Filippo Lippi: El Banquete de Herodes, 1452-1469

Lucas Cranach: Salomé, 1530

Michelangelo Merisi di Caravaggio: Salomé con la cabeza de

San Juan Bautista, 1607

Rubens: La Fiesta de Herodes, primera mitad del S. XVII

Guido Reni: Salomé con la cabeza de San Juan Bautista, 1630-1635

Pero no será hasta el siglo XIX cuando Salomé será representada, realmente, como la mujer funesta y letal que arrastra con su maldad al hombre, la "femme fatale" que tanto gustó recrear a los Simbolistas y pintores de fin de siglo. Uno de ellos, quizás, el que más reprodujo esa iconografía, fue Gustave Moreau, de quien tenéis una entrada en este blog. Repitió a una Salomé danzante o a la que observa la cabeza del Bautista suspendida en el aire, aureolada y mirándola fijamente.

Gustave Moreau: La Aparición.

Huysmans figura crucial del movimiento literario simbolista la citaba, en su obra " À rebours" como la "danzarina (...) asesina de refinada grandeza", " la Belleza maldita (....), " la Bestia monstruosa, indiferente , irresponsable, insensible, que envenena, lo mismo que la Helena antigua, cuanto se aproxima a ella, cuanto la ve, cuanto ella toca". (1)

Frank von Stuck: Salomé, 1906

También, y más contemporáneamente, su iconografía estará presente en obras de Henry Lévy, Odilon Redon, Franz von Stuck, G. A. Mossa , Lovis Corinth, Lévy-Dhurmer , George Privat Livemont, Franz von Bayros y otros muchos.

Odilon Redon: Salomé.

Fuente de la imágen: Aquí.

Gustave Adolphe Mossa: Salomé

Fuente de la Imágen: Aquí.

Lovis Corinth: Salomé, 1900

Fuente de la imágen: Aquí

Lucien Lévy-Dhurmer: Salomé, 1896. Pastel.

Fuente de la imágen: Aquí.

George Privat Livemont: Salomé. 1900-1910

Salomé no es citada en la Biblia. Lo es su madre, Herodías, que tiene a su hija tras el matrimonio con su tío Herodes Filipo. Posteriormente se casa con el hermano de éste, Herodes Antipas, por lo que es severamente juzgada por Juan el Bautista. Es ella quien, por esta razón, una vez preguntada por su hija qué debe pedir como regalo al tetrarca de Judea tras haber danzado para él, le susurra que pida la cabeza de Jokanaan, el profeta (Mc 6,24). ( 2)

Paul Delaroche: Herodías, 1843

Oscar Wilde, sin embargo, omite este hecho y pone en los labios de Salomé la petición de la muerte del Bautista ya que, enamorada de él, éste la rechaza. La obra de Wilde se ocupa de las pasiones humanas, del deseo, del odio,del despecho, de los celos, de la locura........Una locura que hace que Salomé bese los labios de su amado una vez muerto que la llevará al mismo destino cuando Herodes da la orden de matarla.

Aubrey Beardsley: Colofón a la Salomé de Oscar Wilde.

Especialmente bello, para mí, es el pasaje en el que Herodes Antipas, desgrana todo lo que le puede dar a Salomé si ella renuncia a la muerte del profeta.

Volviendo a Beardsley, también ilustró, antes que la Salomé de Wilde, "La Muerte del Rey Arturo" de Sir Thomas Malory , obra muy querida por los Prerrafaelitas, y por ende, por Ruskin y quizás, es el trabajo en dónde mejor se observa la influencia de la estética del movimiento.

Fuente de la imágen: Aquí.

La Muerte del Rey Arturo

Fuente de la Imágen: Aquí.

También se ocupó de ilustrar " The Works of Edgard Allan Poe" y realizó las imágenes eróticas de "Lisístrata" de Aristófanes, que en su lecho de muerte, pidió a su editor que fueran destruídas, cosa que no hizo.

Edgar Allan Poe

La Muerte de la Máscara Roja, para los cuentos

de Poe.

Beardsley: Lisístrata

Además también trabajó para de "The Yellow Book", una original revista que reunió a lo mejor de los creadores del momento. Anatole France, Walter Raleigh, H.G. Wells, W.B. Yeats, entre otros, publicaron sus composiciones en ella. La revista fue criticada severamente, sin piedad, por su diseño en general, desde la cubierta,su color, las ilustraciones de Beardsley, e incluso, por la caligrafía empleada. Aubrey trabajó en ella los cuatro primeros números y para Hearst, cuando fue despedido, la revista sufrió una pérdida irreparable y lo fue, no sólo por las críticas sobre un trabajo considerado obsceno, sino también porque coincidió con el momento en el que se le hace el juicio a Oscar Wilde por sodomía siendo condenado a dos años de trabajos forzados.

Fuente de la Imágen: Aquí.

Su respuesta fue trabajar en una nueva revista, The Savoy, dirigida por Leonard Smithers en donde publicó sus propias obras, ensayos en prosa y en verso, aún estando ya muy enfermo. En ella se pudo leer " Under the Hill" y, de nuevo, la revista fue la fuente en la que se dieron a conocer los trabajos de intelectuales de la talla de Mallarmé, Joseph Conrad, Bernard Shaw, Paul Verlaine o W. B. Yeats, así como obras de Rossetti, Whistler o William Blake.

Beardsley: Ilustración para The Savoy

La modernidad de Bearsdley es indiscutible y su influencia en el Art Noveau y en determinados ilustradores y cartelistas posteriores es indudable. Para Hearst, Beardsley llevó el arte del " Black and White" más lejos que cualquier otro grabador desde Durero. Muchos fueron los que aseguraron que tras su muerte su arte sería olvidado. Nada más lejos de la verdad. La senda abierta por este joven creador fue seguida por otros. Su fama no sólo fue incrementada en Inglaterra, también lo fue en América, Francia, Bélgica, Rusia, Holanda y sobre todo en Alemania en donde la demanda de los libros ilustrados por él se aumentó espectacularmente. A las críticas que distintos medios, entre ellos The Times, le hacían, Beardsley siempre contestó con cortesía y humor.

Sigfrido

Por último, os comentaré que puso las imágenes a la obra " The Rape of the Lock" escrita por Alexander Pope con un estilo más recargado y barroco, " The Pierrot of the Minute" fantasía en un acto de Ernest Dowson y "Ben Ionson, his Volpone: or the Fox" de su albacea Robert Ross.

The Rape of the Lock de Alexander Pope

The Rape Of The Lock de Alexander Pope

Fuente de la imágen: Aquí

Finalmente os diré que la Salomé de Wilde ilustrada por Bearsdley es un libro que os recomiendo vivamente. Es un pequeño gran lujo que os llevará apenas una hora leer y que impregnará vuestras retinas de algo verdaderamente enriquecedor y valioso.

Firma de Beardsley

Fuente de la imágen: Aquí

Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons. Si no ha sido así , tenéis al pie de las fotos los links de las páginas de las que proceden. Haced click en ellas para agrandarlas.

Podéis encontrar mucha obra gráfica de sus primeros tiempos en una página muy interesante:

-http://www.wormfood.com/savoy/index.html

En cuanto a las obras de referencia y citas:

1: Castelló- Joubert, Valeria: " La ficcionalización de la crítica de Arte. La obra de Gustave Moreau en Â Rebours de Joris- Karl Huysmans".
Boletín de Estética, Año III, / julio 2008.

2: Browning, W.R.F: "Diccionario de la Biblia". Ediciones Folio, 2006.

- Bornay, Erika: "Las Hijas de Lilith". Ensayos de Arte Cátedra, 1990.
- Lucie-Smith, Edward: " El arte de los Simbolistas". Ediciones Destino, 1991
-Hilton, Timothy: " Los Prerrafaelitas". Ediciones Destino, 1993

-Hearst, W. R: "Aubrey Beardsley and the Yellow Book". En inglés. Interesante libro que podéis leer en línea escrito por Hearst en dónde encontraréis cartas de Bearsdley en contestación a críticas en diversos periódicos, imágenes de su obra y todo tipo de reflexiones de las que yo me he servido.

http://www.archive.org/stream/aubreybeardsleyy00hearrich#page/n0/mode/2up
http://www.archive.org/details/aubreybeardsleyy00hearrich

- Huyghe, René: "El Arte y el Hombre". Editorial Planeta, 1974.

- Wilde, Oscar: "Salomé". Ediciones del Zorro Rojo. 2011