domingo, 1 de octubre de 2017

Christian Schad Y El Retrato



Christian Schad: Bettina Schad

La vida artística de Christian Schad transitó por varios ismos. Nacido en Alemania ( 1894-1982), concretamente en Baviera, su ciclo vital se movió por distintas ciudades europeas.Este declarado pacifista, recaló en la neutral Suiza escapando de la I Guerra Mundial  ( 1914-1918).


Christian Schad- Kreuzabnahme-1916

Allí conoció a los Dadaístas y aunque nunca militó en esta vanguardia sí se vió influído realizando fotografías experimentales que lo acercaron al grupo y que llamaron Schadografías


Christian Schad: Amourette-schadography-1918

Posteriormente Roma, Viena, París, Berlín y sobre todo Nápoles fueron las ciudades que le vieron crear retratos de hombres y mujeres cuyos ojos se clavan en los del espectador y en el que la línea es la protagonista en la construcción de estos seres, que van a ser bañados por una luz frontal. 


Christian Schad: Marcella, 1923


Christian Schad: María y Annunziatta del puerto, 1923
Retrato de dos actrices muy conocidas que formaban parte de una compañía
que trabajaba en el teatro Rossini de Nápoles.


Christian Schad: Desconocida, 1920


Christian Schad: Marcella, 1926

Crítica e Historiografía lo han incluído siempre como representante de la Nueva Objetividad;  esa tendencia opuesta al Expresionismo que retoma la mímesis para crear y que se presenta en Alemania a través de una gran exposición realizada por Hartlaub. Sin embargo, éste no incluyó su obra en ella. Por esa razón, Schad negó siempre formar parte de la tendencia. 


Christian Schad: Dr. Haustein, 1928. 

Este doctor era muy conocido por ser médico e investigador. Era un dermatólogo especialista en enfermedades venéreas, pero todavía era más conocido por las reuniones que realizaba su mujer en la casa común. Todo tipo de intelectuales se reunían en él. 
La sombra que que se proyecta en este cuadro era la de Sonja, una modelo de la que el doctor estaba profundamente enamorado. La mujer de Haustein terminó suicidándose por la relación que su marido mantuvo con ella. Tras el terrible episodio, las reuniones no se realizaron más y una vez Hitler llega al poder, la Gestapo quiere detenerle pero él se quita la vida con cianuro. (1) 


Christian Schad: Sonja, 1928

Sonja está sentada en un café muy concurrido de Berlín de los años 20'. 


Christian Schad: Lotte, 1927



Christian Schad: Maika , 1929. 
Representa a una jjoven actriz que vivía en Berlín y con la que el artista tenía un affair
El apellido del pintor aparece tatuado en su brazo izquierdo. 

Para Tomás Lloréns, su lenguaje pictórico evoca deliberadamente el del Renacimiento alemán ( 2) 


Christian Schad: autorretrato, 1927.

La mujer que retrata aquí ha sido retratada por él más veces. Aquí está de perfíl y en su mejilla encontramos una cicatriz. Es un sfregio " una cicatriz en la cara, que en aquel tiempo, en el sur de Italia y sobre todo en Nápoles, las mujeres que habían sido desfiguradas de este modo por sus amantes, exhibían con orgullo, como demostración visible de la dolorosa pasión con que eran amadas" (3)


  Christian Schad: St Genois d Anneaucourt-1927


Christian Schad: Amigas, 1930


Christian Schad: Eva von Arnheim, 1930

Toda la obra gráfica ha sido extraída de : https://www.wikiart.org/es/christian-schad

En cuanto a la obra de referencia y citas han sido extraídas del catálogo de la exposición "Mímesis y Realismo Modernos, 1918-1945, que se llevó a cabo en el Museo Thyssen Bornemisza en octubre 2005- enero 2006. Pág. 77-80.


viernes, 1 de septiembre de 2017

Las Stavkirke o Iglesias Noruegas



Detalle de la iglesia de Hopperstad

Mientras en la Europa del Sur y Centro, en el siglo, XI, XII y principios del XIII se estaba desarrollando el Románico y el Gótico con características diferentes en cada caso, en Noruega, esa  misma cronología, es la que se maneja para datar a las " iglesias de columnas" o Stavkirke. 


Esta es la stavkirke de Heddal, considerada como una de la más grandes de Noruega tiene una cronología que la sitúa sobre 1250. Tiene una nave, y un ábside semicircular. Cuenta con tres niveles claros y cinco, si tomamos como punto de arranque la torre triangular.. Las otras dos torres son  cónicas. Toda la iglesia está recorrida por una galería exterior. 

Realizadas en madera ( se datan a través de la dendrocronología), como la mayor parte de las construcciones tradicionales, en el s. XI habría unas setecientas cincuenta de las cuales permanecen incólumes hoy en día unas treinta, constituyendo un hito en la arquitectura de los pueblos del norte pues en otros países del entorno, no queda ninguna en pie.


Iglesia de Nore, de planta de cruz griega con torre octogonal
 La planta de estas iglesias varió con el tiempo pasando de tener una única nave ( la estructura más común en otros lugares como Suecia) a tener tres: una central con dos a cada lado separadas por columnas, quizás por influencia de las iglesias románicas que a su vez toman su forma de la basílica romana. 


Alzado de la Iglesia de Borgund con tres naves


Iglesia de Borgund

Es la iglesia mejor preservada y la más conocida. Se dice de ella que es una obra maestra. No ha sido remozada desde el siglo XII. 


Detalle de la iglesia de Borgund, de su galería exterior y del techo, realizado, con " lengüetas" de madera.

La mayor parte de ellas serán restauradas y/o ampliadas en el siglo XVII y a otras se las llenarán de pinturas en su interior con una cronología más cercana:  siglo XVIII e incluso XX.  


Iglesia de madera de Hopperstad , primera mitad del siglo XII, reconstruída en el siglo XIX.


Cubierta de la misma iglesia


Tiene pinturas interiores con una cronología posterior, del siglo XIV que narran  escenas relacionadas con el nacimiento de Jesús y que están colocadas en una de las piezas más llamativas de la iglesia : el baldaquino de Hopperstad


Baldaquino de Hopperstad


 Detalle de la misma iglesia: Hopperstad, arriba y abajo


Son bellas y proyectan la mezcla de las tradiciones del país mostrando cabezas de dragones con una iconografía religiosa que en algunos casos reflejarían perfectamente, por ejemplo, la expresividad, el  hieratismo y el  frontalismo puramente románico.


Detalle de uno de los muros de Urnes, una de las iglesias más antigüas de Noruega declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979


Iglesia de Urnes 



Las dos imágenes anteriores corresponden al interior de Urnes

La Virgen de Urnes

Toda la obra gráfica proviene de Wikimedia Commons y tiene su fuente debajo. 

En cuanto a la obra de referencia hemos utilizado, fundamentalmente, un opúsculo de Normanns Kunstgotlag.

domingo, 27 de agosto de 2017

Sonia Delaunay: El Color, La Forma ,La Moda



Sonia Delaunay en su estudio en París

"( La creación de sombrillas, chalecos, sombreros)....Es un trabajo tan noble, tan noble como una naturaleza muerta o un autorretrato". Sonia Delaunay ( 1)


Su creatividad , su pintura ( que pasó por distintas fases), la utilización de unos colores brillantes, hicieron de ella una de las grandes artistas dentro de las Primeras Vanguardias. Sin embargo y de nuevo, como si de un mantra se tratase, tenemos que decir que después de relacionarse con Léger, Picabia, Apollinaire y otros tantos intelectuales y pintores del momento,no fue valorada como debió haber sido. Ella trabajaba con el textíl, con trajes, con el atrezzo de los ballets de Diaghilev y Stravisnski.  



Modelos realizados por Sonia Delaunay en 1925

Durante la primera guerra mundial, en 1914, ella ( Ucrania, 1885- París, Francia 1979) y su compañero,Robert Delaunay,  se van de París para llegar a Madrid y comenzar un momento espléndido de creación, un Madrid neutral y moderno que fue punto de confluencia de multitud de autores de vanguardia.


Sonia Delaunay: Cantante de Flamenco, 1915
 


Dos ejemplos de la obra de Sonia Delaunay: en esta fotografía mostramos trajes de baño diseñados por ella

Esta es la etapa que cubre la actual exposición, única y primera, que el Museo Thyssen de Madrid realiza de la autora hasta el 15 de octubre de 2017. La exposición se llama "Sonia Delaunay. Arte, diseño , moda ". En Madrid, conoció las colecciones reales de El Prado ( descubrió a El Greco, también la escuela Veneciana caracterizada por el especial uso del color) y también el flamenco. Recalaron igualmente en  Portugal y  ambos destinos influyeron en su obra. A la "Casa Sonia", que abrió en Madrid , le encargaron ropa los Marqueses de Urquijo y los de Amboage entre otros. Sus hijas vistieron sus modernos diseños.





Varios diseños de Sonia Delaunay: más trajes de baño, pañuelos y sombreros, zapatos y un abrigo maravilloso creado para la actriz Gloria Swanson

La inlfuencia en el diseño de moda de esta mujer fue importantísimo; primero porque puso al mismo nivel (y así lo muestra la cita del comienzo de esta entrada) la creación de una pintura que el diseño de un traje y otro porque todavía hoy su obra sigue siendo la referencia para otros diseñadores. 

¡¡¡Mucha modernidad la de los años 20' del siglo XX!!!


Diseño de House of Holland, otoño invierno, 2012


 Grafiti en alguna ciudad que recoge su forma de hacer



Sonia Delaunay

Toda la obra gráfica ha sido extraído de varias páginas con la única intención de dar a conocer su obra:  Aquí, Aquí y Aquí

En cuanto a la obra de referencia y la cita (1), además de éstas citadas, os dejo esta otra de el diario español, El País: Aquí

jueves, 24 de agosto de 2017

Fabergé Y Sus Joyas





Karl Gustavovich Fabergé conocido como Peter Carl Fabergé fue nombrado orfebre y joyero de la corte imperial rusa a finales del siglo XIX. El Imperio estaba, desde el siglo XVII, en manos de la dinastía Romanov. 




Fabergé ( 1846, San Petersburgo, Imperio Ruso-1920, Lausana, Suiza) fue hijo de joyero, pero él cambió el concepto de la joyería que tenía su padre. Tuvo la suerte de poder catalogar, reparar y restaurar determinadas piezas de el Hermitage, el museo que fue fundado por Catalina la Grande en San Petesburgo en el último tercio del siglo XVIII. Esto le permitió estudiar las técnicas que los joyeros utilizaban desde antiguo. 



Se le conoció fundamentalmente, pero no sólo, por la creación en total de casi setenta huevos realizados como regalos durante la Pascua rusa, una conmemoración muy importante para el país en aquel momento,que eran realizados, por supuesto, a mano,  utilizando oro, platino y todo tipo de piedras preciosas.



Este joyero que estuvo activo desde 1885 a 1917, comenzó la tradición de la creación de estos huevos por mandato del Zar Alejandro III, que en 1883 le encargó el primero para dárselo a su mujer.Este huevo debía llevar, a su vez, una sorpresa... Otro regalo en su interior. Ejemplo de esto sería el primer huevo que abre la entrada con un reloj con brillantes como obsequio.



 Esta tradición la siguió su hijo Nicolás II, el último zar de la dinastía, que fue fusilado junto a toda su familia, el médico personal de su hijo y otras dos personas  en la Casa Ipátiev en Ekaterimburgo,en 1918 una vez que estalló la Revolución que llevó a cabo Lenin en octubre de 1917.  Al año siguiente la empresa Fabergé fue nacionalizada.



Sin embargo el hijo de Peter Carl, creó la misma empresa en París que fue revendida varias veces, pasando por distintas visicitudes ( 1).



Actualmente, esta emrpresa sigue activa realizando joyas espectaculares en creatividad y calidad, rememorando  las creaciones de aquel que llevó a la Casa a lo más alto de la creación del momento.




Toda la obra gráfica correspondiente a los huevos antiguos pertenecientes a la colección Romanov, ha sido extraída de Wikimedia Commons.

Si queréis saber más y como obra de referencia hemos utilizado varias entradas del periódico español El País: Aquí , así como la propia página contemporánea de Fabergé de la que hemos extraídos las últimas fotografías con la única intención de dar a conocer la historia de esta casa de alta joyería: Aquí