jueves, 30 de junio de 2011

Hiroshige- El Maestro del Ukiyo-e


En el mundo del arte y de la literatura occidental, un tema recurrente, plasmado a lo largo del tiempo, ha sido la idea de la brevedad y de la inconsistencia de la vida. Desde el Antiguo Testamento pasando por la ideología medieval, en el Renacimiento y fundamentalmente en el Barroco, la iconografía de la vanitas pobló multitud de lienzos que, a veces, con un carácter ejemplificante y didáctico, recordaban el carácter efímero de nuestro paso por el mundo. Calaveras y esqueletos pero también pompas de jabón, flores marchitas, espejos que muestran lo engañoso de la realidad, joyas o instrumentos científicos, formaban parte de esas representaciones.


Jan Vermeulen: Vanitas, 1654

Sin embargo, en el arte oriental, y en concreto en la cultura milenaria japonesa, durante el siglo XIX, la plasmación de esa realidad inconsistente, cuajó en la representación pictórica, pero lo hizo de distinta manera que en el mundo occidental. Siguiendo la tradición budista y el Shinto, se representaban paisajes, el teatro Kabuki, el Sumo, las casas de té... La idea que subyacía en esas representaciones era la de dejarse llevar por los sentidos, gozar de la vida y vivir el presente: el carpe diem latino.

En 1661, Asai Ryoi, escribía:

" Vivir para el momento, contemplar la luna, las flores de cerezo y las hojas de arce, amar el vino, las mujeres y la poesía, enfrentarse a la pobreza que salta a la vista con una broma llena de buen humor y no dejarse desanimar, dejarse conducir por la corriente de la vida como una calabaza que fluye río abajo: todo eso significa ukiyo".

Toda una declaración de intenciones. Eso es precisamente el Ukiyo-e, las "imágenes del mundo flotante", que, utilizando la xilografía como técnica, realizaban artistas profesionales anónimos por encargo y a buen precio. La impresión sobre madera, entonces, fue perfeccionada y se convirtió en un medio de producción en masa. Al principio sólo se utilizaba el blanco y el negro, pero a partir de mediados del XVIII se imprimió a todo color.


Trabajo de Ukiyo-e actual

Las planchas de madera no eran hechas por el artista que esbozaba el tema, sino por un artesano de la talla ; la reproducción de las estampas, las realizaba un impresor. El editor, dirigía, organizaba y comercializaba. El proceso de realización era complicado.  

Uno de los mayores representantes del Ukiyo-e fue Hiroshige ( 1797-1858) que comenzó a dibujar con 10 años, entrando en el taller de un maestro de la xilografía para aprender.

Retratos femeninos, actores del Kabuki, ilustraciones de libros, guerreros, flores, aves y peces ( influencia de la naturaleza muerta occidental), lugares de peregrinación (fenómeno de proporciones enormes desde la segunda mitad del S. XVII y principios del XIX) .......Todo esto fue plasmado por Hiroshige en casi ocho mil bocetos, otros autores hablan de cinco mil. 


Serie de las ocho vistas: comparación de mujer y paisaje, 1820


Los actores Ichikakawa Danjuro VIII y Segawa Kikunojo V, 1835


La casa de la Lealtad, Acto XI, 1836


Cuenco de Sushi 


Pez y conchas, 1835-1845


El martín pescador vuela sobre las gloriosas mañanas purpúreas, 1850


Peregrinación al santuario de la diosa Benzaiten en la gruta rocosa de Enoshima,
en la provincia de Sagami, 1850


Crisantemos

Sin embargo, Hiroshige, quizás influído por otro maestro del momento, Hokusai y su serie de vistas del monte Fuji, se centró en el género del paisaje, realizando series de "vistas urbanas sobre Edo" ( la actual Tokio), "Famosas vistas de la capital oriental", "53 estaciones"...


 Hokusai: 36 vistas del monte Fuji:  la gran ola de Kanagawa, 1830-33


Hiroshige: Famosas vistas de las 60 provincias. 
El mar bravo rompiendo en las rocas,1856

Historicamente, el aislamiento a la influencia occidental del archipiélago es roto en 1853, cuando el comodoro Perry fuerza a abrir varios puertos al comercio norteamericano. Japón desgarrado por luchas intestinas entre señores feudales tuvo un momento de cierta estabilidad cuando el clan de los Tokugawa asume el poder, lo centraliza y lleva la capital de Kyoto a Edo. Sin embargo, el fin del feudalismo está cerca, y en 1868 comienza la Era Meiji que supuso el momento de la modernización de Japón hasta 1912.

Este hecho fue importante para el mundo del arte , ya que, los contactos comerciales entre Japón y otras potencias supusieron el conocimiento de libros de toda clase de materias que dió una visión totalmente nueva a los artistas: conocieron la representación del espacio, de lo tridimensional y la perspectiva lineal ( aquella en la que la representación confluye matemáticamente en un punto de fuga central que "arma" toda la composición), y de la cual, Hiroshige fue un maestro. Además supieron de la linterna mágica, tan utilizada por el maestro Vermeer.


La ciudad floreciendo, 1857


100 Vistas de Edo

Su observación de la naturaleza fue nueva en el arte nipón; fue realista, estética, serena. Integró a la figura en el paisaje, con un interés especial por la luz y la atmósfera desde un ángulo muy personal. No idealizaba. Apelaba a lo emocional, al sentimiento, conectando muy bien con sus contemporáneos, que gustaban de esas representaciones.   

Uno de los colores más queridos por Hiroshige fue el azul prusia, llegado a Japón desde el exterior, que utilizó en todos sus tonos e intensidades. 


100 Vistas de Edo



Las 69 estaciones de Kiso Kaido


Zorros de fuego en la Nochevieja bajo
el árbol emoki, de las 100 vistas de Edo, 1857

Además de todos los temas referidos anteriormente, y junto a estampas de carácter erótico, Hiroshige creó otras con apariciones sobrenaturales y  humorísticas con una simpatía y sensibilidad que, según los críticos, influenció al moderno comic japonés: el manga.

Finalmente, comentaremos, que la influencia de las estampas de Hiroshige en la pintura europea fue extraordinaria, sobre todo en los Impresionistas. La importancia dada por el maestro a la luz y a las condiciones atmosféricas, la demanda de nuevos temas y medios pictóricos, hiceron el resto. Un nuevo modo de interpretación de la realidad se abría paso.

Manet, Degas, Monet, Van Gogh, Toulouse-Lautrec... marchantes que abrieron sus tiendas a la venta de arte asiático, revistas... Todos se vieron influidos por el "japonismo" del que hablaba Emile Zola.



Estampa de Hiroshige a la izquierda, reinterpretada por Van Gogh a la derecha

Hiroshige murió como consecuencia de una epidemia de cólera que, a mediados del siglo XVIII, segó la vida  de casi treinta mil personas en Japón.  Con su desaparición se fue , tal como afirma, Mary McNeill Fenollosa, " el artista de la niebla, la nieve y la lluvia" y ,sobre todo, un modelo del arte universal.



Hiroshige


Fuentes gráficas: 
 Obras de referencia: 
Schlombs, Adele: Hiroshige. Editorial Taschen. 
http://es.scribd.com/doc/36990235/Arte-y-Vanitas


lunes, 27 de junio de 2011

Timo Lassy

Yo no sé que pasa con los países nórdicos en cuanto al jazz se refiere, pero mucho talento hay ahí. Los noruegos Povo ( grupo imprescindible) o los finlandeses The Five Corners Quintet son fantásticos. De Finlandia proviene Timo Lassy, saxofonista, que ha participado en los discos de este último grupo que os cito junto con Jukka Eskola. Pero lo que os dejo hoy es un tema de su primer disco en solitario titulado The Soul and Jazz of Timo Lassy de 2007. Pues eso, jazz y soul, y funk y latino, y lo que se tercie. Difícil escoger un tema. Disco genial. Para bailar sin parar...........Live at the Timber Yard!!!


video

Os dejo otro temazo en el siguiente link:
http://vimeo.com/8115373


jueves, 23 de junio de 2011

Mariko Mori


¿Qué es arte?. ¿Qué no lo es?. ¿Qué debe poseer un artefacto para ser llamado artístico?.¿Belleza?.¿Ser técnicamente perfecto?. Dar entrada a materiales y a soportes distintos a los tradicionales, ¿ no confiere a un objeto esa categoría, la de artística?

A finales del siglo XIX los parametros del arte entendido como la plasmación de la realidad cercana, palpable y reconocible, son rotos. La fotografía y el Impresionismo se encargan de ello. La realidad ya no constriñe al artista.

 El siglo XX muestra lo onírico, el mundo sentido, y el XXI se encarga de favorecer la plasmación de otro mundo, el visible, altamente tecnologizado: pantallas de ordenador, vídeos, instalaciones.......Una nueva mirada sobre lo terreno amplía el universo del artista. La peana en el museo ya no es imprescindible. En este contexto, se entiende la obra de Mori.

Mariko Mori (1967) es una artista que muchos consideran indispensable en el arte actual. Ecléctica, bebe del mundo milenario japonés, de la tradición oriental de donde procede, y lo hibrida con las nuevas tecnologías, con aspectos futuristas. Ella misma se convierte en protagonista para crear sus performances, sus vídeos, sus fotografías manipuladas digitalmente. Algunos sostienen que esta práctica proviene de la época en la que estudiaba diseño de moda y posaba como modelo profesional. Pero su futuro estaba en el arte y lo estudia en Londres y Nueva York.



Bird of a star, 1995
Ha realizado multitud de exposiciones en los más importantes museos del mundo : el Guggemheim de Nueva York, el Pompidou de París, la Fundación Prada de Milán. El Museo de Groninger de Holanda tiene una selección de sus obras. En 1997, obtiene el premio para jóvenes artistas de la Bienal de Venecia; bienal que acoge, en el año 2005, una de sus obras más impactantes: Wave UFO, en la que el espectador se convierte en elemento imprescindible del juego que Mori plantea.




 Dentro de una gran nave espacial, realizada en fibra de vidrio, y que recuerda a las formas blandas dalinianas, los espectadores son monitorizados a través de electrodos para recoger sus ondas cerebrales convertidas en imágenes visuales y que , en distintos colores, son proyectadas y visualizadas por los propios participantes. A través de ellas, se puede conocer el estado del sujeto: alarma ( rojo), relajación ( azul), ensoñación ( amarillo).  
Esta interactividad hace que la perplejidad y la estupecfacción en el espectador sea máxima. La obra conecta a éste con su propio mundo, con sus sentidos y sus vivencias.  Pero también lo hace divertirse y no dar crédito a lo que acaba de experimentar y ver.


 Otras obras de Mariko son videos como " Miko no inori" de 1996.


 Al respecto, Ulrike Lehman, escribe:

" Las superproducciones de Mori necesitan de especialistas en vestuario y joyas, estilistas, peluqueros y maquilladores artísticos, técnicos, iluminadores y un equipo de filmación, expertos en composición, sonido, animación y diseño por ordenador, para crear un perfecto montaje pictórico".
Por otra parte, en sus fotografías plasma y mezcla el Japón tradicional con paisajes de ensueño, con pequeñas y extrañas criaturas que parecen salidas de otras galaxias. Naturalezas libres, vírgenes y puras que atrapan la imagen contemporánea y repetida de Mori. La espiritualidad se funde con la alta tecnología.

Espejo de Agua, 1998
Burning desire, 1998

En " El templo de los sueños" de 1999, combina arquitectura, diseño gráfico por ordenador, efectos tridimensionales y un sistema de visualización en cúpula y de realidad virtual. El material utilizado es cristal dicroico cuya superficie iridiscente cambia con la luz. Se basa, para crear esta obra, en un templo construído en el siglo VIII en Nara y que, de nuevo, necesita ser visitado por el espectador.



Os dejo un vídeo realizado por la Bienal de Venecia en el que podéis ver las reacciones de los espectadores al entrar en Wave Ufo:






Altamente estético y alucinante!!!!!!!



Fuentes de imagen :
http://www.flickr.com/photos, bajo licencia creative commons.

Obras de referencia:
Mujeres Artistas de los siglos XX y XXI. Editorial Taschen.

domingo, 19 de junio de 2011

Metropolitan Jazz Affair

El Nu-jazz es aquel estilo musical en el que se mezclan el jazz y la electrónica. Hay grupos de nu-jazz en los que el jazz pesa más a la hora de componer. Es el caso de Metropolitan Jazz Affair, un grupo francés, con dos discos en el mercado que da entrada también en sus temas al soul, la bossa y hasta el hip hop. El tema que os dejo esta vez pertenece a su primer trabajo, MJA de 2003: yunowhathislifeez.


video

viernes, 17 de junio de 2011

Saenredam- El Primer Retratista de Arquitecturas

 

Así le llamó su biógrafo, Cornelis de Bie.

Pieter Jansz Saenredam (1597-1665) es uno de los más interesantes pintores del Barroco holandés. El peso de Rubens en el sur y  de Rembrant en el norte es grande. Son genios de la Historia del Arte. Sin embargo, este autor, poco conocido, fue el representante de uno de los géneros más sobresalientes de la pintura holandesa.

A comienzos del S. XVII tiene lugar la definitiva separación de los Países Bajos. El norte, español hasta entonces, consigue su independencia y se convierte en protestante, calvinista, donde la burguesía tendrá un mayor peso, mientras que el sur continúa siendo español y profundamente católico. 

Este hecho histórico tuvo su trascendencia en el mundo del Arte ya que la prohibición de Calvino de representar lo sacro en imágenes, hizo que los fundamentales clientes de los artistas, Iglesia y nobleza, dejaran de encargar obras, siendo sustituidos por la burguesía. Además los artistas dieron entrada en sus pinturas a la especialización en temas que no supusiesen provocar ningún tipo de objeción a lo representado.

Cultivaron, entonces, todo tipo de géneros: los retratos individuales, los de grupo, encargados por todo tipo de asociaciones locales, cuyo destino eran ser colgados en sus salas de reuniones (Hals y Rembrant tienen buenos ejemplos de ello);  naturalezas muertas llenas de significados simbólicos; escenas de género, de la sociedad, de la vida corriente; autorretratos, paisajes y la pintura de arquitecturas que fue soberbiamente plasmada por Saenredam. 

 Frans Hals: Mallebabbe, 1640


Jan de Bray: Los gobernadores del gremio de San Lucas, Haarlem. 1675


Willen Claeszoon Heda: Mesa con desayuno, 1631


Pieter de Hooch: Interior, 1658



Pieter Claesz: Vanitas, 1630


Jan Steen: El mundo al revés, 1663


Balthasar van der Ast: Flores con conchas e insectos, 1630


 Pieter Jansz Saenredam vivió en Haarlem la mayor parte de su vida y en seguida se hizo conocido por sus pinturas de vistas de distintas ciudades, de sus plazas, sus iglesias, sus edificios importantes. Trabajaba minuciosamente a través de estudios previos, dibujos exactos de lo que pretendía pintar antes de llevarlo al óleo sobre tabla. Si, posteriormente, llevaba a cabo algún cambio, dejaba una nota en la lámina para informar al espectador de ello y, por tanto, de que no estaba representado exactamente lo que él había visto y existía. 


Interior de la Iglesia de San Laurens Alkmaar, 1661 


Vista de la girola de la Iglesia de San Bavón de Haarlem. 1635.



Interior de la Iglesia de San Bavón en Haarlem, 1936



Interior de la Iglesia de San Bavón en Haarlem, 1648

Interior de la Buurkerk, Utrecht, 1645

El estudio de la perspectiva lineal es exhaustivo. Utilizaba una paleta corta, difuminada, clara, dando a la luz una importancia capital. Los interiores de esas iglesias calvinistas se nos presentan desnudas, como no podía ser de otra manera, austeras, plácidas, sencillas y grandiosas. Interiores góticos en los que a veces introducía diminutas figuras que daban prueba de esa monumentalidad arquitectónica. Fue un amante de la minuciosidad y del rigor que supo plasmar con una gran sutileza.


 Interior de Santa Ana en Haarlem, 1652


El antiguo Ayuntamiento de Amsterdam, 1657


miércoles, 15 de junio de 2011

Brian Lynch Latin Jazz Sextet

Este trompetista nacido en Illinois, Estados Unidos, en 1956, comienza a estudiar música a los 10 años. Tras graduarse en la Universidad de Nueva York, formará parte de grupos creados por músicos de importancia capital en el mundo del jazz como Horace Silver y Art Blakey y los Jazz Messenger o colaborará en discos de gente dispar, desde Prince hasta la directora de orquesta Toshiko Akiyoshi.

El tema que os dejo esta vez pertenece a su disco “ConClave” de 2005, en donde, deja patente su querencia por la música latina. Es una composición de Weldon Irvine: "Liberated Brother".  Muy bueno. 

video





martes, 14 de junio de 2011

Chema Madoz- Una mirada distinta sobre lo cotidiano


Nace en Madrid en 1957. En 1980 cursa la carrera de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Inicia sus estudios en el Centro de Enseñanza de la Imagen. A partir de 1990 comienza su investigación con la fotografía y los objetos dándoles una particular visión que se consolida con los años.

 Chema Madoz

El absurdo, la paradoja, la ironía y el humor se dan cita en el estudio del fotógrafo, creando una suerte de Dadá contemporáneo. 



Toma de la realidad modelos reconocibles estableciendo una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo. Sus creaciones han sido denominadas  “ Poesía Visual”.


 Utiliza sistemáticamente el blanco y negro para crear sus objetos artísticos cual orfebre de la imagen. Extraño a las nuevas tendencias y tecnología construye sus imágenes en un ritual sencillo y con instrumentos básicos en la vida del hombre. 





Duane Michals, fotógrafo estadounidense, representante de la fotografía conceptual, escribió sobre la obra de Madoz:


El hombre que vive en un espejo

Todo el mundo sabe que Chema Madoz es un mago. Su imaginación es un armario de curiosidades raras, donde los vientos de los caprichos de alquimistas danzan en su mente como Terpsícore en una juerga. Chema podría atar las cuerdas de una guitarra a una estrella y tocar música en el espacio con nubes de encaje de arañas. Madoz vive en el interior de un espejo y observa el mundo boca abajo y del revés. Si Chema decidiera fotografiarte en forma de zapato, de repente te convertirías en un Jimmy Choo, así de sencillo. Su originalidad contradice con juegos de manos y trucos de Houdini. Su inteligencia me tiene asombrado y entusiasmado. Sin duda debe ser el hijo nonato de Borges



Simplemente maravilloso. 


Obras de referencia: 

- Chema Madoz. Obras Maestras. La Fábrica Editorial.
- Chema Madoz. Photobolsillo. La Fábrica, 2008